En una época, Pereira fue conocida en todo el país como la Ciudad Prodigio por el desarrollo acelerado a nivel urbano, comercial e industrial, un proceso que vivió para convertirse en capital del departamento de Risaralda. Durante ese tiempo se resaltó principalmente el papel de algunos hombres poderosos, quienes bajo la figura del civismo e impulsados por las ansias de tener independencia territorial de Caldas, se dedicaron a hacer grandes obras como el aeropuerto, la villa olímpica, el hospital universitario y la universidad Tecnológica.
Reflexionando al respecto, el colectivo Las Narradoras del Otún, un grupo de mujeres jóvenes, presentaron el proyecto Ciudad de Prodigios a la convocatoria de Jóvenes en Movimiento 2022 del Ministerio de Cultura de Colombia, con este, buscan visibilizar y revitalizar esa idea del prodigio en la ciudad centrado en los procesos liderados por jóvenes, mostrando su capacidad de transformación social desde el arte y la cultura.
En Plan C Pereira, medio aliado con Las Narradoras, les presentamos las cuatro historias con las cuales se destacan las transformaciones significativas en la ciudad a través de los colectivos: El comienzo del arcoris, la Fundación SAN, el colectivo Cultivo lo nuestro y la Bibliosilleta, trabajos que se convierten en inspiración para muchas personas jóvenes y gestoras culturales de la región.
Destacamos también el trabajo de Laura Zapata, Jessica Arcila y Valentina Pérez, las Narradoras del Otún, quienes lideraron este proyecto y hoy nos comparten los resultados de su investigación a través de estas fotografías y videos:
ElComienzo del Arcoiris
El comienzo del arcoíris es un ejemplo de responsabilidad social y compromiso con la vida y la niñez. Es una central de sueños, que desde su lugar, siembra la esperanza de un futuro más justo y positivo para las y los niños de la vereda San Isidro en el corregimiento de Puerto Caldas. ¿Quieres conocer más de este lugar? En este video te contamos la historia completa.
Fotografías y realización audiovisual: Jessica Arcila-Orrego
¿Qué nos hace una ciudad de prodigios? ¿De dónde viene esta premisa que alude a las personas que habitan Pereira? Ciudad de Prodigios es un proyecto que se hace esa pregunta y pretende responderla desde diferentes voces. Así, iniciamos una ruta hacia diversas iniciativas y personas que con su trabajo aportan a un mundo mejor para todos y hacen de Pereira, una ciudad bastante especial. Hoy les presentamos el testimonio de Laura Victoria Carmona Mejía, Gestora Cultural, Fotógrafa y activista del Comienzo del Arco Iris, un proceso comunitario que le apuesta a un mundo más justo y más feliz comenzando desde las vidas más jóvenes. @elcomienzodelarcoiris 📸Jessica Arcila-Orrego @campografias Una producción original de Ciudad de Prodigios, proyecto del colectivo Narradoras del Otún. Apoyado por Ministerio de Cultura de Colombia, programa Jóvenes en Movimiento 2022 Difundido por Plan C Pereira, proyecto de la corporación Ciudad Latente concertado con : Ministerio de Cultura de Colombia, Programa Concertación Risaralda Cultural 2022 y con la Secretaría de Cultura de Pereira
¿Qué sería de Pereira sin el compromiso ciudadano que adquiere cada persona que la habita? El comienzo del arcoíris es un ejemplo de responsabilidad social y compromiso con la vida y la niñez. Hoy les presentamos el testimonio de Vladimir Encina, fotógrafo y docente en el @elcomienzodelarcoiris 📸:Jessica Arcila-Orrego @campografias Una producción original de Ciudad de Prodigios proyecto del colectivo Narradoras del Otún. Apoyado por Ministerio de Cultura de Colombia, programa Jóvenes en Movimiento 2022. En alianza con Plan C Pereira, proyecto de la corporación Ciudad Latente concertado con : Ministerio de Cultura de Colombia , Programa Concertación Risaralda Cultural 2022 y con la Secretaría de Cultura de Pereira.
¿Qué define ser pereirano? El territorio cafetero que configura Pereira se caracteriza por su espíritu de civismo y compromiso con la ciudad. El colectivo Cultivo lo Nuestro es uno de esos ejemplos de compromiso alrededor del convite y la preservación de los ecosistemas. En este reportaje te presentamos la historia del colectivo.
Fotografías y realización audiovisual: Jessica Arcila-Orrego
¿Qué sería de Pereira sin sus tradicionales convites? Esta tierra cafetera se ha caracterizado por convocar siempre al convite, al encuentro como una forma de cocreación y colaboración. Así es como también, desde una profunda necesidad de preservación de la semilla y cuidado de los ecosistema, convoca Cultivo lo Nuestro en sus jornadas de voluntariado. Hoy les presentamos el testimonio de Sebastián Medina productor audiovisual y líder de la huerta IN SIGN @cultivolonuestro. 📷:Jessica Arcila Orrego 🎞Una producción original de Ciudad de Prodigios , proyecto del colectivo Narradoras del Otún. 📍Apoyado por Ministerio de Cultura de Colombia, programa Jóvenes en Movimiento 2022. 🤝En alianza con Plan C Pereira, proyecto de la corporación Ciudad Latente. #memoria#comunidad#comunitario
¿Qué define ser pereirano? El territorio cafetero que configura Pereira se caracteriza por su espíritu de civismo y compromiso con la ciudad. El colectivo Cultivo lo Nuestro es uno de esos ejemplos de compromiso alrededor del convite y la preservación de los ecosistemas. Hoy te presentamos el testimonio de Ana Ramírez, cofundadora barrio César Nader @cultivolonuestro 📷 Jessica Arcila-Orrego @campografias 🎞Una producción original de Ciudad de Prodigios, proyecto del colectivo Narradoras del Otún. 📍Apoyado por Ministerio de Cultura de Colombia, programa Jóvenes en Movimiento 2022 Y En alianza con Plan C Pereira, proyecto de la corporación Ciudad Latente.
Pensar una ciudad de prodigios puede postularse como una mirada elitista que divide a las personas. Tal vez, reinterpretar esa mirada ha sido uno de las grandes aportes de la juventud de este tiempo.
Pensar una ciudad de prodigios como un lugar de actores sociales que se piensan como territorio. Pensar el convite como un acto de resistencia ante tantas injusticias sociales.
De eso y mucho más nos habla el equipo de La Bibliosilleta en este video.
Fotografía y realización audiovisual Laura Zapata Ocampo
¿Cómo aportar a un mundo mejor en contextos donde a veces el Estado no pone la mirada? El ejemplo lo da el equipo de La Bibliosilleta – Biblioteca Itinerante. Un proyecto que se gesta desde el barrio y para el barrio. @labibliosilleta Hoy les presentamos el testimonio de Angie Nathaly Ospita Giraldo integrante de la Bibliosilleta. 📷: Laura Zapata Ocampo 🎞Una producción original de Ciudad de Prodigios proyecto del colectivo Narradoras del Otún. 📍Apoyado por Ministerio de Cultura de Colombia, programa Jóvenes en Movimiento 2022. En alianza con Plan C Pereira, proyecto de la corporación Ciudad Latente.
Pensar una ciudad de prodigios como un lugar de actores sociales que se piensan como territorio. Pensar el convite como un acto de resistencia ante tantas injusticias sociales. Esto y mucho más representa el equipo de La Bibliosilleta. Hoy les presentamos el testimonio de Laura Camila Restrepo Cardona, integrante de La Bibliosilleta. 📸: Laura Zapata Ocampo 💡Una producción original de Ciudad de Prodigios, proyecto del colectivo Narradoras del Otún. Apoyado por Ministerio de Cultura de Colombia, programa Jóvenes en Movimiento 2022. 📢En alianza con Plan C Pereira, proyecto de la corporación Ciudad Latente.
No hay ciudad sin preservación ambiental y esa preservación a veces solo es posible si entendemos que cada acción conjunta cuenta. Así es como se dan los procesos e iniciativas en la Fundación Serranía Alto del Nudo (SAN).
En esta ocasión, los acompañamos en uno de sus monitoreos de fuente hídrica donde se midió la calidad del agua con diferentes mecanismos como la medición del caudal, la presencia de vida macroscópica y la profundidad del agua, esto con el fin de revisar el cuidado y preservación de nuestros ríos.
Si quieres conocer más de esta iniciativa te invitamos a ver este reportaje que cuenta toda su historia.
Fotografías y realización audiovisual Valentina Pérez
No hay ciudad sin preservación ambiental, y esa preservación a veces solo es posible si entendemos que cada acción conjunta cuenta. Así es como se dan los procesos e iniciativas en la Fundación Serranía Alto del Nudo (SAN). @fundacion_san En esta ocasión te presentamos el testimonio de Maria Camila Correa cofundadora de la fundación. 📷:Valentina Pérez Una producción original de Ciudad de Prodigios, proyecto del colectivo Narradoras del Atún. 📍Apoyado por Ministerio de Cultura de Colombia, programa Jóvenes en Movimiento 2022. 📢En alianza con Plan C Pereira, proyecto de la corporación Ciudad Latente.
Fundación SAN, un proyecto que aboga por la protección del medio ambiente, y especialmente, de las fuentes hídricas de la Serranía Alto del Nudo. Quizá, la riqueza de este proyecto, es el fuerte interés que tienen sus integrantes proteger y hacer pedagogía alrededor de la importancia de nuestros ecosistemas, esos que solemos tener en frente y pocas veces dimensionamos su valor en el ciclo de la vida. Hoy te presentamos el testimonio de Cristian Felipe Patiño Grajales, integrante de la Fundación SAN. 📸:Valentina Pérez Una producción original de Ciudad de Prodigios, proyecto del colectivo Narradoras del Otún. 📍Apoyado por Ministerio de Cultura de Colombia, programa Jóvenes en Movimiento 2022. 📢 En alianza con Plan C Pereira, proyecto de la corporación Ciudad Latente.
Una producción original de Ciudad de Prodigios, proyecto del colectivo Narradoras del Otún. Proyecto apoyado por el Ministerio de Cultura de Colombia, a través del programa Jóvenes en Movimiento 2022 y en alianza con Plan C Pereira, de la corporación Ciudad Latente.
El V sancocho comunitario realizado en el barrio El Remanso de la ciudad de Pereira es resultado de un proceso de transformación social que a través de las expresiones artísticas tejen comunidad.
Pero, ¿De qué comunidad estamos hablando?
Desde el barrio popular y alrededor del convite, el domingo 31 de julio del 2022 un grupo heterogéneo de ciudadanos en Pereira se dieron cita en El Remanso, algunos viven allí, otros llegaron a aportar desde sus posibilidades: armaron tarimas, recolectaron leña, picaron las verduras necesarias para el sancocho y se reunieron a los y las artistas locales y de otras partes de la ciudad y del país para compartir en el barrio tejiendo a través del arte las bases para: manifestar que quieren artistas independientes, reflexivos, más allá de lo que los medios de comunicación tradicional venden al público; construir colectivos para aprender nuevas maneras de comunicar sentimientos y problemáticas en el sector a través del canto, el baile, la literatura, la fotografía y otras manifestaciones artísticas; demostrar que la comunidad organizada puede lograr lo que un estado ausente no ve: la importancia de la cultura como elemento de identificación y sentido de pertenencia con el territorio.
En este reportaje gráfico mostramos por qué el sancocho comunitario del barrio El Remanso es un proyecto de Nuevos Convites, Nuevas Generaciones, que responde y da cuenta que la cultura se transforma y une en la diferencia.
En esta imagen Valentina, la fotógrafa, ella hace parte de las Nuevas Generaciones
Una producción original de Plan C Pereira y Nuevos Convites, Nuevas Generaciones, proyectos de la Corporación Cultural Ciudad Latente.
Proyectos Concertados con: Ministerio de Cultura de Colombia y Secretaría de Cultura de Pereira 2022.
Fotografías: Valentina Pérez (foto de Valentina, tomada por Pilar Angarita).
Pilar Angarita, diseñadora gráfica en Plan C, estuvo en la última función de estreno de la obra Caperucita Roja, una adaptación de Tropa Teatro. Allí, Pily Angarita realizó estas fotografías que hoy te compartimos, en donde además, la Tropa, te manda este mensaje:
“El estreno es para nosotros un nacimiento; la obra vive cuando tiene espectadores, ambos presencian la vida del teatro; el público cómplice del ritual, acepta entrar al juego que sucede en la imaginación, creamos la ficción; sintetizar una experiencia vital para imitar nuestra condición humana. ¿Para quién? Para nosotros mismos, un grupo de personas reunidas en un recinto para ver como transcurre una vida. Gracias a todas las personas que hicieron posible la vida, el teatro y el compartir. Gracias a todos los espectadores que nos acompañaron en este nacimiento”.
Puedes seguirlos en redes Tropa Teatro Pereira y estar atento a sus próximas funciones.
¡No se imaginan! El 22 de julio estuvimos en un tremendo evento de color, ruido y juntanza LGBTIQ+, que estuvo abierto al público general en el teatro don Juan María Marulanda en el Museo de Arte de Pereira. De este cubrimiento sacamos este reportaje gtráfico y entrevistamos a Oshnur Marikaña Alt quien nos contextualizó sobre la incidencia de la comunidad LGTBIQ+ y la escena Queer en la ciudad y en los movimientos que se construyen desde otras partes del mundo, además, nos contó qué es esto del kiki ball.
La entrevista la pueden ver en nuestro FB @plancpereira y aquí les dejamos estas fotazas que logró Laura Zapata de visita por el teatro del Museo.
Este proyecto lo presentamos dentro del marco de Nuevos Convites Nuevas Generaciones porque la comunidad Ballroom de Pereira propicia sus espacios de encuentro brindando un espacio seguro y cómodo para todos lo que quieran practicar y participar del ball.
Fotografías y cubrimiento: Laura Zapata
Una producción original de Plan C Pereira y Nuevos Convites, Nuevas Generaciones, proyectos de la Corporación Cultural Ciudad Latente.
Proyectos Concertados con: Ministerio de Cultura de Colombia y Secretaría de Cultura de Pereira 2022.
El Día de la Afrocolombianidad, estuvimos desde el Centro cultural, gastronómico y turístico Calle de la Fundación, SENA Regional, ubicado en la antigua estación del ferrocarril. Una celebración nacional que dio lugar a un evento con diversas actividades como: feria gastronómica, muestra de emprendimientos, picnic literario, muestras artísticas con grupos urbanos y afro; conferencias y talleres de tejidos y peinados, entre otras actividades.
Este espacio fue gestado entre el SENA Comunica, quienes actualmente operan el centro cultural, y por la Secretaría de Desarrollo Social de Pereira.
Conversamos en nuestro Facebook live con Andrés, uno de los directivos del SENA, y con David Rentería, quien viene liderando diversos procesos juveniles con la comunidad afro. Ingresa a Facebook a ver la charla @PlancPereira (clic en el link para ir a la entrevista).
El dúo pereirano, Los Trejos Brothers, lanzó su single “Canto a la luna” el 8 de abril de 2022 después de su segundo álbum de estudio “Olvidando” (escucha).
Canto a la Luna es una canción donde convergen ritmos del worldbeat y afrobeat con guitarras caribeñas y sonidos electrónicos sintetizados. El texto inspirado en los cantos tradicionales afrocolombianos hace referencia a la diversidad sexual y a la subjetividad simbólica de un personaje trans representado en la luna y el sol. Una mezcla singular llena de energía, de carácter alegre y una invitación a la celebración de la diversidad mediante la danza.
Con este nuevo single, inician una etapa de lanzamientos de canciones independientes continuando con el estilo característico de Los Trejos Brothers: “Electrópico y “Alegría Natural”.
Este es un proyecto realizado con apoyo de la convocatoria de estímulos de la Secretaría de Cultura de Pereira.
Escucha el single de lanzamiento haciendo clic aquí.
Si quieres conocer más de la banda, búscalos en redes sociales como Los Trejos Brothers.
Entrevista a la artista visual Paula Mayo sobre su nuevo stopmotion, homenaje a Diana Trujillo.
Desde el año 2014, Paula Mayo, ha dedicado su vida a la creación visual.
Inicialmente sus trazos se dieron en el dibujo, y con los años y la dedicación, Paula se dejó seducir por otras variables de este arte como el tatuaje, para luego, a sus 24 años, llegar a explorar formatos audiovisuales como el stopmotion y el chroma digital. Este último, el formato con el que incursiona sus primeros pasos en el cine y con el que hoy nos comparte su último proyecto cortometraje “El secreto de Marte”.
Este corto se realizó con el apoyo de Radical Film, una productora de la región que se enfoca en cortometrajes, documentales y películas sobre relatos de terror, ficción, música e historias locales.
En Plan C hablamos con ella y esto fue lo que nos contó sobre su nueva aventura visual.
¿Cuál es la técnica que trabajas actualmente en tus obras?
Las técnicas que trabajo actualmente son muy diversas, ya que trabajo en diferentes ramas artísticas.
¿Cuáles fueron las técnicas que desarrollaste en “El secreto de Marte”?
Las técnicas que se usaron para el proyecto El secreto de Marte fueron la animación en Stopmotion y el chroma digital.
¿Cómo nació la idea de hacer este proyecto audiovisual?
La idea surgió cuando vimos la convocatoria #Revolucionariastic del festival smartfilms, pensé que era una gran oportunidad para destacar el trabajo de la colombiana Diana Trujillo en la Nasa.
Fotografías proporcionadas por Paula Mayo
¿Cuánto tardó y cómo fue todo el proceso de producción del corto?
Nos demoramos más de un mes en desarrollar todo el cortometraje/filminuto y para la producción se realizaron dos sets de animación. Uno fue la sala de operaciones de la Nada y el otro fue la locación de Marte en la que explora el Rover Perseverance.
Siempre te has destacado por ser una artista joven con un trabajo muy particular, y por lo mismo, por ser independiente y trabajar en solitario, ¿Cómo fue tu vinculación con Radical Film para el apoyo en producción del corto?
Estoy trabajando con Radical Film desde principios del 2017. El apoyo de la casa productora siempre ha sido muy importante, tanto en la financiación como en el ánimo que me dan para realizar cada proyecto.
Sabemos que siempre has tenido un profundo interés por los diferentes formatos visuales, tu exploración desde la imagen y la relación con la estética gótica, en ese sentido, ¿Qué fue lo que más te interesó al realizar este proyecto?
Lo que más me interesó al realizar el proyecto fue poder darle la importancia que se merece la ingeniera aeroespacial Diana Trujillo. En un mundo en el que se le da más importancia a los influencers que a las personas de las ciencias y de las bellas artes, es importante mostrar un poco más de su historia y su trabajo, aparte me llamaba mucho la atención poder animar al Rover Perseverance, un robot, y resaltar este logro tan importante para la humanidad.
¿A dónde se pueden dirigir las personas que quieren conocer este corto?
Pueden ver el perfil de instagram de @elsecretodemarte, ahí estamos subiendo contenido del detrás de cámaras y un poco más de la historia del cortometraje.
¿El corto se presentará en alguna sala local o estará alojado en algún momento en un sitio web?
El cortometraje se estrenará en Bogotá el 17 de Noviembre a las 2:40 p.m. en la sala cuatro de Cinema Paraíso. La entrada es gratuita, y, cuando se esté sometiendo a votación, estará en la plataforma de https://smartfilms.com.co
Después de que se estrene en el formato del festival, se publicará completo en redes sociales.
En el marco de una emergencia nacional que ha complicado aún más la creación y gestión de espacios para artistas independientes, y más en particular, para las mujeres artistas, ¿Qué le dirías a las mujeres o niñas que se interesan por el tema audiovisual o el dibujo?
Con dedicación se pueden lograr muchas cosas, al principio es difícil pero después uno se va abriendo camino. Lo más importante es tener fé siempre en ti.
Fotografías tomadas de las redes de Paula Mayo
¿A dónde se pueden acercar las personas que quieran conocer más de tu trabajo?
En el #DíaInternacionaldelTeatro, compartimos con ustedes una galería de imágenes sobre algunos escenarios y diferentes artistas que han hecho parte de la movida teatral en la ciudad.
Fotografías y diseño: Jess Ar / Acompañadas por una reflexión del columnista:Alan González Salazar.
Se trata de una serie de podcasts que destaca la memoria musical pereirana de cinco agrupaciones representativas de la ciudad en géneros como la fusión y el hip hop: El blues de la parranda, Fato Esco y Tres Okuno, La Soundklórica, Palenque y Papá Bocó.
El estreno del primer capítulo fue el viernes 20 de noviembre a través de Soundcloud y Ivoox. Y así sucesivamente se fueron liberando cada uno de los episodios con muchas anécdotas por parte de sus protagonistas.
En cada uno de los cinco episodios que conforman la primera temporada de Súbele a la Perla se realizó un recorrido por las propuestas y orígenes de los grupos y artistas pereiranos invitados y que se han destacado por crear un estilo innovador a través de la unión de ritmos tradicionales con ritmos contemporáneos. Con el paso del tiempo se van estableciendo como sonidos tradicionales de la ciudad.
Música popular y campesina, ritmos de la costa Caribe y el Pacífico, hip hop, blues, mensajes políticos, inclusión, ruralidad son algunos de los elementos que los oyentes pueden encontrar
Dúo musical pereirano integrado por Carlos Elliot Jr. y Rubiel Pinillo con el acompañamiento de Los parranderos de la Florida. Ambos son habitantes de La Florida, Pereira. Una propuesta musical que mezcla los ritmos campesinos y trovas de paramo representados por Rubiel Pinillo con el blues y el rock and roll ejecutado desde hace una década por Carlos Elliot Jr. Dos géneros que aparentemente no están muy relacionados se encuentran en una propuesta que relata historias costumbristas y jocosas que La Florida y sus paisajes ofrecen.
Disfruta la música de El blues de la parranda
La Soundklorica
Agrupación pereirana conformada por Carolina Valencia y Ricardo Ramírez. El plus del proyecto es que además de rescatar ritmos tradicionales de la costa pacífica y atlántica del país, también son una apuesta por la inclusión. Carolina es interprete de lengua de señas, clarinetista y cantante, Ricardo por su parte es compositor, saxofonista y gaitero. Además de los ritmos tradicionales también incluyen en sus canciones sonidos electrónicos, cuyas vibraciones permiten a la población con discapacidad auditiva y visual disfrutar de la música.
Disfruta la música de La Soundklorica
Fato Esco y Tres Okuno
Son dos artistas representantes del hip hop no solo desde la faceta musical sino también desde la pintura y el tatuaje. Son poseedores de un laboratorio creativo llamado The Hottest Corner donde los dibujos, los tatuajes y la estética que rodea el hip hop son los protagonistas. Es sin duda alguna una de las apuestas más relevantes de la serie, pues si bien el hip hop ha tenido un crecimiento importante en la ciudad no cuenta con tanto reconocimiento mediático como otros géneros.
Grupo con más de doce años de experiencia y que cuenta con siete integrantes: Steven Osorio (productor y manager), Rubian Franco (gaita macho) Diego Franco (gaita hembra), Iván Jaramillo (batería), Rob Navia (bajo) y Felipe Clavijo (guitarra y voz), además de la compañía de Carlos Arturo Rendón en el tambor alegre.
Cabe la pena recordar que en la ciudad existe la escuela taller Lumbalú Otún, un espacio que fue iniciativa en los años 90 de los maestros Nando Muñoz y Carlos Arturo Rendón, dos músicos que recibieron en su formación musical un acercamiento al Palenque y lo trajeron a la ciudad de Pereira.
Disfruta la música de Palenque
Papá Bocó
Es una de las agrupaciones que mayor crecimiento ha tenido en los últimos años en la ciudad. Cuenta con doce años de trayectoria y se han convertido en uno de los exponentes a nivel nacional de la música tradicional afro mezclada con el funk y el jazz.
Fue fundada en 2008 por el conguero Sebastián Anaya y el baterista Sebastián Trejos. Han participado en varios Festivales musicales a nivel nacional, en 2018 fueron uno de los ganadores del Festival Petronio Álvarez en la categoría “Canción inédita de la memoria y la reconciliación”.
Disfruta la música de Papá Bocó
Equipo de trabajo de Súbele a La Perla
La dirección de contenido está a cargo de Violetta Ramírez (comunicadora social egresada de la Universidad Católica de Pereira), Luz Bermúdez en el área de administración, Tatiana Toro en el diseño, Steve Osorio creación digital, Diego Duque creación de los cabezotes y Sebastián Wiesner en la música original.
Un proyecto ideado y realizado por talento local, que es una apuesta que se suma a otros proyectos sonoros ganadores de las convocatorias Cultura en Casa 2020 de la Secretaría de Cultura tales como Magazine Podcast e Inmersión Sonora.
El 15 de mayo, la Emisora Cultural Remigio Antonio Cañarte cumplió treinta años al aire. Una celebración virtual con oyentes, amigos, antiguos funcionarios y una variada programación musical. Recordamos los mejores momentos y mensajes.
En 1990 bajo la dirección de Carmen López y con la voz de Ángela María Villegas, el proyecto que recién adquiría equipos nuevos que provenían de la Embajada de Japón, marcaría un antes y un después en la radio pereirana.
La celebración
Con una transmisión especial a través de YouTube la emisora conmemoró su aniversario. Encuentros y saludos de oyentes y varios representantes de la cultura pereirana en medio de una amplia programación musical. Se hizo frente a la contingencia para reunir voces, recuerdos y sonidos.
Fue una decisión de todo el equipo, en tiempo de pandemia todo se volcó a la virtualidad y sabíamos que si hacíamos la convocatoria entre amigos de la emisora, realizadores y artistas íbamos a contar con buen material. La emisora es muy querida por todos ellos, es casi como una niña mimada a la que no se le niega nada. Empezamos a realizar el trabajo de convocar y recibir los saludos y las dedicatorias, ya cuando tuvimos la mayor parte del material montamos el guion y nos reunimos de manera virtual para realizar la grabación que sirvió de hilo conductor a toda la transmisión”, explica Diana Vega Baltán, directora de la casa radial.
Un especial de más de 3 horas con testimonios, mensajes de felicitación y presentaciones musicales de canciones tradicionales y artistas locales. Tarde temática en honor a una de los medios que más espacio ha dado a la escena musical del país y la región. Presencia de los realizadores más antiguos y los más nuevos, de los que ya no están, pero que fueron parte de la emisora y se tomaron el tiempo de mandar sus buenos deseos. Oyentes que expresaron tanto en el canal de YouTube de la emisora como en su perfil de Facebook lo que significa para ellos la entidad.
“Es mi emisora predilecta, felicidades para todas y todos los que allí laboran. Mil gracias por entretenernos. Mi preferida cumplió 30 años, los mismos que llevo yo aquí en Pereira, va mi saludo para esa gran familia”.
Difusión
La emisora actualmente cuenta con su plataforma en Ivoox, una aplicación digital que permite disfrutar de sus sus programas:Haz clic aquí
De la misma manera se puede encontrar en la app Tune in:Haz clic aquí
Y finalmente desde su tradicional señal de radio 97.7 F.M
Realización
La producción radial y sonora de la Emisora Cultural Remigio Antonio Cañarte requiere de un trabajo bien dedicado, no solo por la calidad que exigen las producciones sino además por el hecho de que muchos de los programas se están grabando desde casa debido a la pandemia que llegó justo el año de su celebración.
La persona que durante 14 años (hasta el pasado mes de junio) se desempeñó como master técnico fue Luz Mery Bermúdez. No solo como la encargada de que los programas sonarán al aire, sino que además cumplieran con la calidad y pertinencia para los oyentes. Más del 80 % de los programas de emisora son pregrabados, razón por lo que hay que ser bien minucioso y observar con cuidado cuales son los por menores que requiere la edición y el montaje.
“No es solamente decir que se ‘Ama la radio’, es demostrarlo con hechos, haciendo bien tu trabajo, imprimiéndole pasión, actitud y aptitud. Yo llegué sin tener idea de cómo funcionaban muchas cosas acá, pero fui aprendiendo y tomando de cada uno, de sus experiencias y así fui construyendo mi forma de trabajar, conectándome con cada uno de los libretistas, interesándome de verdad por cada uno de los géneros que manejan”, expresa.
Durante su tiempo en la emisora fue la oyente número uno. Evitar cualquier error, ofrecer una sugerencia a los colaboradores que día a día sacan adelante los contenidos radiales, desde aquellos que han estado en la emisora prácticamente desde su fundación hasta los que recientemente han encontrado un espacio para su programa. Todos son prioridad.
“hay que agradecer además la gran colaboración de los realizadores en la programación especial de los festivos, la diversidad y el conocimiento que le impregnan cada uno de nuestros libretistas y colaboradores. Y lo anterior, sumado al conocimiento de los funcionarios de planta como es el caso de Mauricio Cardona, uno de nuestros locutores, que es quien mejor conoce la Emisora y los grandes e inigualables conocimientos de Wilman Salinas quien desafortunadamente tampoco está”, explica.
Siendo su labor preocuparse por todos los contenidos de la emisora, Luz Mery también tiene sus rincones sonoros preferidos o que la llenan de manera especial.
“‘Suena la Vitrola’ con el Ingeniero y coleccionista Juan Carlos Álvarez y el realizador más adulto que tenemos y es de admirar, Enrique Benavidez, mi viejo, con sus programas ‘Simplemente Bolero’ y ‘Jardín de las Canciones’. También ‘El Sonido del Mundo’ con Nelly Muñoz y ‘Love Songs’ con Carlos Muñoz”.
Por si te lo perdiste: Aniversario 30 Años Emisora Cultural De Pereira 97.7
Algunos recomendados (Programación 2020)
Colombia y sus canciones: (lunes a sábado 6:00 a 9:00 a.m.) Programa que difunde y promueve las obras de los diversos ritmos del folclor colombiano. Reseñas de autores, compositores e intérpretes. Producciones discográficas, noticias de la música colombiana, invitados. Uno de los programas insignias de la emisora y uno de los más antiguos.
Festival de la Salsa: (sábados de 9:00 a 11:00 p.m.): Los clásicos de la música afro-antillana, guateque, son, guaracha con la participación de los oyentes en vivo.
Fusión Colombia: (martes a jueves 5:30 pm, lunes y viernes 5: 00 p.m) Reseña de las novedades sonoras de los grupos y artistas que forman parte del nuevo panorama de la música colombiana de fusión y experimental.
Paisaje Audiovisual(jueves a las 5:00 p.m.) Registro sonoro de las principales producciones audiovisuales de la ciudad y la región, con Gustavo Acosta. La actualidad de la región en producción audiovisual.
Suena la vítrola(domingos de 12.00 p.m a 2:00 p.m.) Recorrido por la música de antaño y sus principales exponentes con el sonido único de las agujas sobre los acetatos de 78 y 45 rpm.
Mi músicalatinoamericana: (sábados 9:00 a 10:00 a.m.) Un recorrido por el folclor y aquellas grabaciones históricas latinoamericanas. Rarezas musicales.
El sonido del mundo: (lunes a viernes 2:00 a 3:00 p.m.): Se presentan las producciones discográficas que destacan el folclore y las propuestas provenientes de todo el mundo.
Simplemente bolero: (viernes 8:00 a 9:00 p.m.) Los tríos, cuartetos, orquestas y cantantes legendarios que han enaltecido la canción romántica por excelencia.
Programación de jazz y salsa que incluye tres programas de lunes a sábados entre las 8:00 p.m. y las 11:00 p.m. Perfiles del jazz, La hora fanática y el Club del latín Jazz.
Creciendo juntos(lunes 7:00 p.m a 7:30 p.m) Un formato para enseñar y destacar la creatividad de los niños, un espacio para toda la familia.
Desde El cafetal (jueves 7:00 p.m a 7:30 p.m) Muestra la belleza e importancia de nuestro café y nuestros campesinos en el desarrollo del Paisaje Cultural cafetero.
Letra y música(martes 7:00 p.m a 7:30 p.m) Un espacio donde la literatura y la música se encuentran. Con un tema de reflexión como hilo conductor, todos los martes se puede encontrar algo nuevo para leer y escuchar.
Una cita con el tango (domingo 10:00 a.m a 11:00 a.m) Un espacio dedicado a repasar lo más relevante del género musical del tango.
Clásicos del futuro (jueves 11:00 p.m a 12:00 a.m) Un programa que tiene lo mejor del rock progresivo, álbumes y conciertos que merecen una conversación profunda además de una rememoración especial.
Onda global (domingos a las 3:00 p.m) Música, cultura, costumbres e información de todo el mundo, con invitados especiales y expertos. Es posible conocer un poco más acerca de varios países.
1Baúl de cartas (martes 5:00 p.m a 5:30 p.m) Un formato que permite explorar los diálogos y los intercambios de cartas entre algunos reconocidos personajes de la historia, una exploración literaria y anecdótica.
La Fiesta de la música (fête de la music), realizó su versión 2020 de manera virtual. Además, de los espacios musicales en vivo contó también con muestras de emprendimiento y discusiones alrededor de los retos del sector musical de la región.
Un gesto positivo de La Alianza Francesa de Pereira que mantuvo activo uno de los eventos culturales más represe8ntativos de la ciudad.
Sucedió del del 21 de junio al 29 de julio. De un día en el parque se pasó a un mes entre clics y pantallas. No había de otra. Sonó la música andina, el hip hop, el ska, el punk rock, el indie, la electrónica, entre otros géneros musicales diversos, independientes y experimentales. También hubo talleres de formación, especialmente uno de Beat Box desarrollado por Pablo Killombo con varios miembros del Albergue Provisional de Habitante de Calle del Estadio de Pereira.
Los artistas
Para la convocatoria de los artistas la Alianza Francesa de Pereira formó un Comité de Selección en el que estuvieron Beto Briceño; productor de esta versión de la Fiesta de la Música, Jorge Mario Quintero; antiguo Coordinador Cultural de la Alianza Francesa de Pereira y realizador de la Fiesta 2007 a 2019, Gaël Duran; Director General, Melissa Falla; Coordinadora de Comunicaciones y María García; actual Coordinadora Cultural.
“Tratamos de ser como en anteriores ediciones: eclécticos con la selección de los artistas. Es decir, tener en cuenta géneros como rock folclórico, indie y otras propuestas novedosas. Premiamos también a varios artistas que se habían postulado en ediciones anteriores y no habían logrado quedar. Se incluyeron artistas que habían estado antes pero que no participaban desde hace ya varias ediciones”, expresó Beto Briceño, productor de la Fiesta de la Música.
Anira
Cantautora pereirana que además ejerce como docente de música en la UTP. Tiene una amplia formación académica a nivel musical y ha dedicado su trayectoria a componer letras y ritmos que rescaten en cierta medida los géneros tradicionales del país tales como la música andina y el bambuco.
Su trabajo más exitoso es Mariposa Verde, un conjunto de canciones que hacen homenaje al Eje Cafetero y que fue lanzado en el año 2018. Como intérprete también destaca por la versatilidad con la que canta diversos temas clásicos.
En el año 2013 hizo parte de la alfombra de los 150 artistas pereiranos, un galardón que se realizó por el sesquicentenario de la ciudad de Pereira.
Su presentación en la Fiesta de la Música 2020:
Rapsodas Clan
Grupo de hip hop que cuenta con once años de trayectoria y que mezcla el género con funk, blues y jazz. Es uno de los grupos que con anterioridad habían intentado entrar en la cartelera de la Fiesta de la Música y esta edición obtuvieron su recompensa.
Integrado por Pablo Andrés Hernández, Manuel Mena y Andrés David Loaiza (VinylBeats).
Actualmente están en producción de un trabajo colectivo denominado La Cremm Pereira en el que también se encuentra el dueto de hip hop pereirano Mccólogos.
Su presentación en la Fiesta de la Música 2020:
María Juana no se ha muerto
Banda Pereirana representante de géneros como el ska, el punk y el reggae. Lleva 22 años de existencia y aún sigue vigente dentro de la escena rockera a nivel nacional. Cuenta con varios trabajos discográficos y ha hecho parte de varios eventos musicales de la ciudad y del país. Sin duda alguna merecen reconocimiento por seguir constantes.
Las temáticas de sus canciones van dirigidas esencialmente a temas sociales, en contra de la opresión, el maltrato animal y la injusticia.
Sus integrantes son: Manuel – batería, Mauro – bajo, Alejandro – guitarra y voz y Usma – saxofón
Su presentación en la Fiesta de la Música 2020:
Pablo Killombo
Dj francés influenciado principalmente por el género del jazz, con un amplio recorrido en Latinoamérica. En la actualidad está desarrollando su proyecto como solista, el cual se titula I am not a Dj.
Más allá de su presentación individual, Pablo desempeñó un papel fundamental en el evento gracias a la realización de un taller de beat box para tres habitantes del Albergue Provisional de Habitante de Calle del Estadio de Pereira. Ellos fueron: Fabio Gómez, Hernando López y Franklin Linares. Esta unión entre el artista francés y el albergue se hizo posible gracias a la gestión de la trabajadora social del albergue Lina Zapata.
Este tipo de muestras culturales cobran un valor extra cuando pueden proyectarse en pro de las comunidades o sectores para los cuales tener una oportunidad para aprender es más complicado que para muchos otros.
Su presentación en la Fiesta de la Música 2020:
Taller de Beat Box:
Antes del Eclipse
Conjunto pereirano que se identifica con los géneros indie y dream pop. Llevan aproximadamente un año de actividad y además de ser un nuevo exponente musical para la ciudad tienen una interesante propuesta audiovisual que se refleja en los videoclips de sus temas. La Fiesta de la Música fue prácticamente su primer Live Session.
Grupo fundado por Juan Felipe Gutiérrez que además cuenta con Felipe Hernández, Santiago Kenguan, Sebastián Sandoval, Jasmine López y Daniel Montoya.
La idea de este grupo nació como una búsqueda de un sonido más fino alejado de la estridencia característica del rock o el metal y tratando de rescatar una onda más ochentera.
De todos los grupos que se presentaron son los más jóvenes.
Su presentación en la Fiesta de la Música 2020:
Deep Silent
Agrupación pereirana que lleva 18 años de trayectoria, ha pasado por varias etapas, nombres y ha explorado distintas variaciones del metal. Actualmente se identifican con el death metal melódico.
Sus miembros son: Juan David Torres (voz), Juan Pablo Ospina (guitarras), Andrés Felipe Duque (guitarras), Jeison Castaño (batería) y Andrés Felipe Patiño (bajo y coros).
Actualmente se encuentran en la realización de su segundo álbum titulado Memories of the forgotten victims.
Su presentación en la Fiesta de la Música 2020:
Monkey Myers
Dj francés de la ciudad de Lyon que actualmente vive en Colombia, artista que no teme mezclar ritmos de diversos lugares del mundo. Es Dj desde los 14 años, ha estado viajando en el último tiempo por Latinoamérica donde recogió varios ritmos andinos con los que experimenta en su consola.
La música electrónica aún no se ha tomado del todo la escena musical en Colombia, al menos no de la manera como ha sucedido en otros países latinoamericanos. Así que Monkey llega a darle un poco más de relevancia a este género en el país.
Su presentación en la Fiesta de la Música 2020:
Burning Caravan
Banda que tiene integrantes de Colombia, Chile y Francia y que se han destacado a nivel internacional con una nominación a los premios Grammy en el año 2019. Cuenta con tres producciones discográficas: En el espacio, La historia de los hombres y Ciudad Faro.
Sus miembros son: Pablo Muñoz (saxofón), Olivier Lestriez (contrabajo), Javier Ojeda (guitarra), Francisco Martí (voz), Diana Osorio (acordeón), Mario Romero (batería).
El nombre de esta bandada fundada en 2012 tiene como inspiración el accidente que tuvo el jazzista francés Django Reinhardt en el cual se incendió su caravana y le costó la perdida de dos dedos de su mano izquierda.
Su conversatorio en la Fiesta de la Música 2020:
Palenque Banda
Grupo Pereirano con más de doce años de experiencia y que cuenta con siete integrantes.
Steven Osorio (productor y manager), Rubian Franco (gaita macha) Diego Franco (gaita hembra), Iván Jaramillo (batería), Rob Navia (bajo) y Felipe Clavijo (guitarra y voz), además de la compañía del maestro Carlos Arturo Rendón en el tambor alegre.
Cabe la pena recordar que en la ciudad existe la escuela Taller Lumbalú Otún, un espacio que es iniciativa de los maestros Nando Muñoz y Carlos Arturo Rendón, dos músicos que recibieron en su formación musical un acercamiento al palenque y lo trajeron a la ciudad de Pereira.
El 6 de Julio Palenque hizo el lanzamiento de su más reciente sencillo Seis de Noviembre, una canción inspirada en los hechos ocurridos precisamente el seis de noviembre de 1985, día de la toma del Palacio de Justicia.
Su presentación en la Fiesta de la Música 2020:
Repercusiones
“El balance es positivo, estamos muy contentos con el resultado y como siempre logramos darle visibilidad a la escena cultural pereirana ya que varios de los artistas que se presentaron son de la ciudad. A través de la virtualidad llegamos a nuevos públicos y se acercaron al evento desde la comodidad de sus casas. Los conciertos se pudieron ver desde varias partes del mundo y quedarán en el canal de YouTube de la Alianza por tiempo indefinido. De la misma manera estos conciertos les quedan a los artistas como un material de promoción para ellos y sus respectivos currículos”, precisó María García, Coordinadora Cultural de la Alianza Francesa.
En general, los comentarios para el evento fueron bastante positivos. Los suscriptores de la alianza en su canal de YouTube tuvieron un aumento considerable. Para los seguidores en general y aficionados de las bandas locales fue grato ver en escena a bandas tan representativas de la música pereirana.
“De María Juana No Se Ha Muerto, me pareció chévere resaltar sus 22 años…, literal le hacen homenaje al nombre. Es una banda local que vale la pena mantener presente. Y de Deep Silent, se me hizo interesante cómo a través del género logran sacar diferentes problemáticas que tenemos como sociedad, especialmente, como colombianos. Mencionaban, por ejemplo, el tema del conflicto armado y pues a través de sus canciones y sus letras, logran darle voz a aquellos que no pueden hacerlo por sí solos”, comentó Mariana Cruz, conductora del programa Más Indie de la emisora Más Música F.M.
Por otra parte, los artistas se mostraron muy agradecidos por la experiencia y para ellos es un aliciente haber podido reunirse en el set que preparó la Alianza Francesa para esta edición atípica, sin parque y sin público. Todo lo necesario para que el show continuará.
Retos para la escena musical
Para el sector musical la situación sigue siendo bastante compleja, pues implica una transformación bien definida de lo presencial a lo virtual. Si bien la industria musical ha estado íntimamente relacionada con el ámbito audiovisual, en este tiempo el reto supone, en primer lugar, crear material visual eficiente desde lo logístico, y en segundo lugar, que sea entretenido para el público.
“El verdadero reto para el sector musical está en la calidad del material, hay que desmitificar la cuestión de preocuparse solo por likes y views porque son los que generan dinero. Las bandas hoy no pueden pensarse solo para hacer música deben pensarse desde la narrativa”, comenta Beto Briceño productor de la Fiesta de la Música 2020.
“Hay que profundizar en el aspecto de los planos. Normalmente todas las bandas tienen una narrativa que empieza desde un plano general, una vez este se consolide hay que empezar a explorar otros planos, fragmentarse y contar unahistoria”, agrega.
La situación actual supone para los artistas tomar un mismo camino, echar mano de su creatividad para realizar producciones que hagan que el espectador se quede frente a la pantalla el tiempo que dura la canción, que se motive a compartirla o a dar like. No es tarea sencilla para aquellos que no cuentan con un respaldo monetario o técnico eficiente.
Además, hay que tener en cuenta que la audiencia muchas veces tiene sus gustos bien definidos y en general el seguimiento de eventos virtuales no está en la agenda de todas las personas.
“En general a los públicos les falta involucrarse en la industria cultural. El marketing digital por otra parte también se hace importante a la hora de generar movimiento y seguidores, esto implica que tanto las bandas como los organizadores de eventos requieren un mayor trabajo en este aspecto”
No solo hay que pensar en lo que pasa en la actualidad, sino lo que también ocurrirá en el momento en el que la música eventualmente regrese a su estado normal. En este sentido todas las bandas y los artistas están preparándose de alguna u otra manera para encontrar un espacio para trabajar.
Esto supone una competencia compleja pues todos los artistas reconocidos y no reconocidos. Van a procurar por un espacio y tendrán un ímpetu acelerado por hacerse notar.
Gustavo Colorado Grisales nos invita en esta ocasión a conocer la novela ‘La Herencia de Eszter’ del escritor húngaro Sandor Marai. Un profundo drama narrado con sencillez, maestría y un amplio conocimiento de las claves del destino humano.
En un mundo donde la sofisticación y el artificio se volvieron valores de primer orden, la sencillez representa poco menos que una tara. Tal vez por eso la esencia de los seres y las cosas, que tanto preocupó a filósofos y poetas, fue suplantada por imágenes intercambiables y fabricadas a criterio de publicistas y expertos en mercadeo, al punto de convertir en norma de existencia una superstición anclada en la certeza de que lo importante no es ser sino parecer.
Todos esos asuntos se le vienen a uno a la cabeza después de leer La Herencia de Eszter, la novela del escritor húngaro Sandor Marai, un artista que después de padecer los horrores por parte de los nazis primero y de los comunistas después, acabó quitándose la vida frente a las playas de California como una prueba de que no hay rincón sobre la tierra capaz de brindar sosiego a los desesperados.
La protagonista de la novela es una mujer perteneciente a la rama decadente de una familia centroeuropea, que una vez vivió una trunca historia de amor con Lajos, uno de esos vividores caros a toda una tradición literaria. La relación siempre estuvo basada en la manipulación física y emocional por parte del hombre, que además sometió a la familia a múltiples estafas, hasta dejarla en los límites de la ruina.
Portada de la novela ‘La Herencia de Eszter’, del escritor húngaro Sandor Marai
Veinte años después Eszter recibe el anuncio del regreso de su antiguo amor, que no tiene un propósito distinto al de culminar su obra de devastación económica y espiritual. A pesar de saberlo y de recibir advertencias de todos lados, o quizás precisamente por eso, ella sabe que no hay apelación y espera su llegada con un ahínco bastante parecido al amor.
Histrión como es, Lajos cumplirá al pie de la letra su cometido y al final del relato dejará a Eszter sin más recompensas que la reafirmación de su derrota y a las puertas de una indigencia que a esa altura del camino parece importarle bien poco.
Con un profundo conocimiento de la condición humana, el autor nos conduce a través del drama de los protagonistas sin utilizar trucos y menos remitirse a las fórmulas que en nuestros días garantizan un caudal de lectores, sin que importe mucho la calidad de las propuestas. El suyo es un intento por develar las claves del destino, esa vieja noción surgida a la lumbre de las cavilaciones humanas a través de los siglos, que al final del camino nos devuelve, reflejadas en una sucesión de espejos enfrentados, las mil caras del absurdo y fascinante asunto de estar vivos.
Tampoco hay florituras ni explosiones del lenguaje. Mucho menos innovadoras técnicas de narración: la tragedia humana por sí sola es suficiente razón para emprender la aventura de contar una historia, como para estropearla con alardes propios de la pirotecnia y la política.
Y es en ese punto donde la obra de Sandor Marai, como la del italiano Dino Buzzatti, obliga a pensar que todo ese asunto de estructuras, claves secretas y técnicas narrativas que tanto excitan a los editores contemporáneos no es otra cosa que el último recurso de autores que poco tienen para decir y entonces optan por desviar la atención del lector hacia su ingeniosa manera de contar las cosas: la pura fascinación del vacío que, dicen, obsesiona a los trapecistas.
Para avalar el truco parecen existir los expertos que interpretan, recomponen y explican el sentido de esas estructuras, olvidando de paso que, como bien se desprende de la novela de Marai, el propósito de la literatura y del arte en general nunca ha sido otro que el de iluminar las tinieblas del corazón humano, sin necesidad de hacer malabarismos en esa peligrosa frontera que separa a la sencillez de la necedad.
Conozca ‘Tras bambalinas’, el nuevo proyecto del artista pereirano Gabriel Posada. Un relato autobiográfico que narra parte de su vida y paso por teatros pereiranos durante dos décadas – desde 1980 a 1999. Está obra fue ganadora de la convocatoria Cultura en Casa 2020 de la Secretaría de Cultura de Pereira.
Un tramoyista del cine
Relatos y fotografías muestran momentos icónicos y fundamentales de los teatros pereiranos. Anécdotas y vivencias que tuvo Gabriel Posada, acompañadas de entrevistas a personajes que también hicieron parte de estos escenarios. Obras que se presentaron y artistas de gran renombre dentro de las artes escénicas como María Teresa Hincapié o Laura García.
Y uno de los escenarios más evocados es el Teatro Comfamiliar que existe en la ciudad desde 1973. Hay que recordar que algunos de esos espacios tradicionales para las artes escénicas han desaparecido a medida que se expandió el comercio. Por ejemplo: los teatros Consota, Nápoles y Pereira.
Los teatros antiguamente también eran escenarios, según recuerda Gabriel, para el erotismo y el género triple X. Eran frecuentemente exhibidos en las antiguas pantallas del Nápoles y el Pereira. En sus relatos también encontramos a los inspectores de cine, personas encargadas de asegurarse que las películas empezarán a la hora indicada y que las luces de la sala no se apagarán antes de pasar los créditos.
Pero las memorias no solo se quedan en los espacios físicos, sino que evocan también esos procesos formativos que se daban dentro de los teatros, tal como los cineclubes, las primeras salas de exposición en Consota y Nápoles con obras de varios artistas independientes y las creativas promociones que se hacían para mostrar los estrenos. Tal es el caso del Cocodrilo Dundee donde se adornó el contorno de la sala con ramas y un cocodrilo, que posteriormente fue paseado por un mensajero del teatro que tenía un gran parecido con el protagonista de la película.
Otra historia sucedió en el teatro Consota. Relata el día en el que simularon que su fachada había sido destruida en una guerra, todo con el objetivo de promocionar la película Rambo. Hecho que en su momento fue criticado pero que no pasó desapercibido.
Son muchas más las anécdotas de este tipo. Un recorrido por personajes y relatos que evocan la magia de la tradición teatral y cinéfila de la ciudad, magia que aún no se ha terminado pero que no conserva ese matiz de sorpresa y creatividad de antaño.
Para aquellos que vivieron esa época solo deben visitar el blog del proyecto y deleitarse con las anécdotas y las fotos. Y para los que no vivieron la época es la oportunidad perfecta de conocer a través del cine esa Pereira antigua y mágica de finales del siglo pasado.
Gabriel Posada (1962) es un artista que se formó de manera autodidacta, sumergido en la escena cultural de la ciudad: cine clubista, gestor cultural, artista, fotógrafo… y hasta recolector de memorias.
Además de Tras bambalinas, Gabriel desarrolló en el 2008 un proyecto llamado Magdalenas por el Cauca, una representación simbólica y muy sentida de la memoria de aquellos lugareños que perdieron a sus seres queridos por culpa del conflicto armado.
Desde el Norte del Valle hasta Beltrán (Risaralda), varias barcas con imágenes de víctimas y desaparecidos flotaron sobre ese segmento del Río Cauca que décadas fue cementerio entre aguas. Este proyecto además sirvió como insumo para un documental titulado Los Abrazos del río realizado por Nicolás Rincón Guillén.
Sobre la inspiración de esta obra Gabriel tuvo muchos referentes de los cuales habla en Tras bambalinas. Y uno de los momentos esenciales que recuerda fue cuando vio en el cineclub 16 milímetros del Banco de la República un documental alemán en el que una barca gigantesca llevaba una figura egipcia envuelta en un montón de tela yendo de población en población hasta llegar al mar.
Organizado por el Museo de Arte de Pereira en el marco de fechas cívicas como el cumpleaños de la ciudad y el departamento de Risaralda. En su edición 2020 se celebró con motivo del día de la pereiranidad y se desarrolló a través de la virtualidad.
Además de ser un evento que en este año de pandemia y encierros aportó a la cada vez más nutrida agenda cultural virtual de la ciudad, también fue una apuesta del Museo de Arte de Pereira para recaudar fondos para enfrentar la crisis que se ha estado viviendo en el sector cultural de la ciudad a causa del covid – 19.
El evento tuvo la participación de aproximadamente 60 restaurantes junto con 2 conversatorios y 4 talleres de cocina, un recorrido virtual que destaca platos tradicionales de la región, del país y también cocina tradicional internacional.
Los 60 restaurantes incluidos en el recorrido estuvieron divididos en tres distritos: Victoria, Corocito y 30 de Agosto. Tuvo dos días de duración (25 y 26 de septiembre) y ofreció lo mejor de varios tipos de negocio de cocina, cafés, pizzerías, comidas rápidos, entre otros.
El evento no solo fue una posibilidad para aquellos que están inmersos en el sector gastronómico, sino que también sirvió para mostrar algunos talentos musicales de la ciudad, artistas que fueron escogidos después de una convocatoria que tuvo lugar a mediados de septiembre.
Sumado a la participación musical, contó con el diseño del ilustrador Alejandro Mosquera.
LOS MÚSICOS SELECCIONADOS TRAS LA CONVOCATORIA FUERON:
Solistas: Baco el Gitano (Boleros), Anira (bambuco), Valentino Jordan (salsa).
Duetos: Mejía y Valencia (bambucos), Murmullo y canción (baladas).
Agrupaciones: Samara (bolero), Tránsito libre (Rock), Orquesta Son de Cuba
Dentro del Festival hubo espacio para resaltar la importancia de la cocina autóctona de la región proveniente de los Emberas, la comunidad afro y los campesinos.
Además de un recorrido por varios restaurantes de la ciudad, se destacó la importancia de la gastronomía como una manera de impulsar emprendimientos colectivos con el fin de nutrir el patrimonio local y generar avance. El caso más evidente de este tipo de procesos es el sector de Corocito.
Por otra parte, los talleres contaron con invitados internacionales como el chef peruano Andrés Cáceres Siguas que ofreció algunas recetas de la cocina peruana, el chef Marcello Perri con recetas de ensaladas, el chef colombiano Aly Torres con recetas de carnes y finalmente, el chef colombiano Fernando Rojas con preparaciones de repostería.
Con el apoyo de varias instituciones como la Alcaldía, la Cámara de Comercio de Pereira al igual que otros aliados del sector privado, el Festival pudo realizarse cumpliendo el objetivo de entretener, formar y concientizar acerca de la variedad de la cocina regional y las posibilidades que brinda a la comunidad el sector gastronómico.
Posterior a este evento el museo continuó con su temporada de exposiciones, titulada Hacia una civilización planetaria, además del recorrido virtual de la obra del artista pereirano Carlos Enrique Hoyos y las ediciones semanales de la hora del cuento.
Autor: Andrea Murillo Bernal // IG: @andre_ladelcafe | TW: @andre_ladelcafe
En 2015 el café árabe fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco. Es el más comercial del mundo y el que se cultiva en Colombia. Llegó a la región de Arabia en el siglo XII y desde ese momento, entre rituales y nuevas formas de cultivo y usos sociales, comenzó su expansión por toda la humanidad.
Desde los desiertos y monasterios antiguos a las grandes urbes contemporáneas. Desde bebida para pasar jornadas de trabajo de matemáticos y filósofos a acompañante de tertulias y encuentros cotidianos de todo tipo.
Para los árabes es más que una bebida estimulante. Es mística, sabor, elixir, insignia de su hospitalidad y rituales en comunidad.
Su llegada a esta región y posterior conquista del mundo, es la historia de esta segunda entrega del podcast Travesías en café.
PRESENTACIÓN, TEXTOS Y PRODUCCIÓN: ANDREA MURILLO BERNAL
Décadas atrás, muchas de las obras del llamado indigenismo literario derivaron en bodrios folcloristas con escasos logros artísticos, determinadas más por la exaltación que por su rango estético. Con el paso del tiempo han surgido novelistas en Latinoamérica obsesionados con otras miradas hacia los pueblos originarios. La de Rey Rosa es una estética de la degradación que se despliega en dosis exactas de precisión dantesca.
El mundo indígena, en su diversidad étnica y complejidad cultural, se afianza como el bastión de resistencia a la claudicación de la democracia.
Carta de un ateo guatemalteco al Santo Padre Rodrigo Rey Rosa Guatemala Novela 2020 Editorial Alfaguara
Décadas atrás, muchas de las exploraciones literarias del mundo indígena, tan celebradas por su exotismo y arriesgada experimentación estética, derivaron en bodrios folcloristas con plausibles reivindicaciones políticas pero escasos logros artísticos. El afianzamiento de arquetipos convertidos en marcas registradas para celebrar los provincialismos, y el fervor nacionalista que convertía al escritor en portavoz de un territorio y a su obra en un emblema, malogró, por obra del desgate de las fórmulas, las tentativas novelísticas que se aventuraron a indagar los enigmas del universo ancestral de América Latina.
Los nombres de Manuel Escorza, José María Arguedas y Miguel Ángel Asturias son, por fuerza de la tradición, los referentes para remitirnos a dicha vertiente. Con obras dispares en su factura, el indigenismo literario advirtió una realidad que emplazaba a los escritores a interpretarla.
Alrededor de este incitante desafío para la literatura latinoamericana, siempre se esgrimieron contrapuestos postulados que testificaban la enardecida disyuntiva para los escritores. Hubo quienes creyeron que toda posibilidad creativa derivada de la revisión de la esfera aborigen debía estar predeterminada a la exaltación. Sin observar el rango literario, esta corriente destiñó muchos libros que legaron solo un testimonio sociológico.
‘Hombres de maíz’ del escritor, periodista y diplomático guatemalteco Miguel Ángel Asturias fue incluida en las 100 mejores novelas en español del siglo XX, es considerada su obra maestra.
También existieron entusiastas de la naturaleza montaraz y de la cosmovisión de los nativos, que cerraron toda tentativa de desciframiento de la faceta autóctona, por creerla sagrada y solo digna de valoración desde su cariz contemplativo. Pasados los años, y lejos de las doctrinas y los movimientos, hoy se confirma que el auscultamiento de los pueblos primigenios de América Latina es para la literatura un rico filón, que antes que agotarse, se explaya en los pliegues inexplorados de nuestros países de historias turbulentas e inacabadas.
En Guatemala, la expoliación ha pervivido como una manifestación de todos los tipos de poder. Bien sean los colonos, los militares, las satrapías, las multinacionales o la iglesia, en este país, en el que la violencia ha sido no solamente la partera de la historia, sino también, su niñera e institutriz, las luchas por su autodeterminación han configurado un largo litigo con opresores de distintos rostros.
Dicha violencia, examinada desde los márgenes de la historia, y puesta a contra luz a partir de los códigos que se erigen en pautas de comportamiento para los amparados bajo la égida del hampa, ha sido la obsesión de Rodrigo Rey Rosa. Su escritura, siempre febril y crepitante, le ha permitido diseccionar la vida de un país en el que la ley es una lejana entelequia, y el poder, una conjura de variados orígenes apropiada de los métodos del desafuero. La suya, es una estética de la degradación que se despliega en dosis exactas de precisión dantesca.
Portada de la novela. Una de las novedades de la literatura latinoamericana en este 2020.
La Carta del Ateo Guatemalteco al Santo Padre, escrita por un hombre de inquietantes resonancias biográficas y similitudes nominativas con el novelista, llamado Román Rodolfo Rovirosa, expone a su Santidad el Papa Francisco, el dilatado y tortuoso proceso de defensa de unos territorios liderados por unos cofrades de la provincia de Sololá y Chimaltenango. Esta epístola, como recurso de la lúdica novelística, sirve de umbral a la ficción. Lo que encontrará el lector de esta novela es un relato, en el tono de vértigo y desasosiego al que nos tiene habituados en sus libros, en el que dos dimensiones se fusionan con audacia. Un ejercicio disolvente que un comparador de religiones guiado por su avidez intelectual y su filantropía genuina, nos devela en sus impenitentes viajes a la localidad de Canjá.
Este personaje, asediado por ruidos espectrales en sus noches de insomnio y de delirios concupiscentes, perturbado por sus búsquedas antropológicas, de la mano de don Melchor —¿Chamán, baquiano, brujo o sabio? ¿O todas esas investiduras fusionadas en el mismo hombre? —, ingresa a un mundo de arcanos y de pasmosa mixtura de creencias. Como solo puede ocurrir en esta fracción del mundo, una convergencia de saberes y prácticas, de ritos y dogmas, fraternizan las cosmovisiones católicas e indígenas. Manifestación proverbial de aquello que en el lenguaje académico se define como sincretismo.
Lo que encontrará de esta novela es un relato, en el tono de vértigo y desasosiego al que no tiene habituados en sus libros Rodrigo Rey Rosa. Una convergencia de saberes y practivas, de ritos y dogmas, fraternizan las cosmovisiones católicas e indígenas. Dos concepciones, dos lógicas y dos formas de asumir la vida.
Motivado por una vocación justiciera, cuando no mesiánica, la identificación de los autores de la apropiación ilícita de las tierras en las que los nativos habían amoldado a sus concepciones terrígenas el credo de la religión fundada por el apóstol Pedro, se convierte en el fundamento de su labor. Comparar religiones, indagar los universos intangibles que encierran las voluntades de quienes adhieren a una preceptiva e invocan una deidad para salvar sus destinos. Porque los Kaqchikel ortodoxos, en su singularidad mística, reafirman el designio que los pueblos ancestrales de América Latina han seguido desde que se ostenta el apelativo de mundo nuevo: rehacer sus nociones de sacralidad a partir de la incorporación de lo que primero fue impuesto y luego asimilado.
En un país en el que los sucesivos gobiernos han confirmado la imposibilidad de convertir el ejercicio de la política en un diálogo civil, el mundo indígena, en su diversidad étnica y complejidad cultural, se afianza como el bastión de resistencia a la claudicación de la democracia.
Esa misma inexistencia de un proyecto de nación transige con una iglesia despótica e invasora. En Guatemala, ante la descomposición de todo atisbo de civismo, los pueblos originarios han obrado como fortaleza de lo que el mundo occidental denomina ética. En ellos se atesora un cúmulo de saberes incomprendidos para los raseros del conocimiento cartesiano. Esto lo confirman varios pasajes de esta novela.
Rodrigo Rey Rosa nació el 4 de noviembre de 1958 en la Ciudad de Guatemala y es uno de los escritores latinoamericanos más destacado en la actualidad.
El haberse decidido a una exploración a los estanques mayas de Canjá, acompañado de su hijo Arqui, marca un punto de quiebre en la novela. Una inexplicable curación ocurrida después de la caída a un barranco de Julio, el hijo de don Melchor, le hace creer que ha presenciado un rito sacrificial. Es la parte del relato, en la que, con sutileza, se confrontan dos concepciones, dos lógicas y dos formas de asumir la vida.
Es la racionalidad de un mestizo agobiado por el peso de lo inexplicable. Es la magia —¿habrá palabra más exacta? — de un universo que se sustrae a los procederes de la ciencia. Es un pensamiento mítico que obra por ensalmo, sin la liturgia del discurso y sobrevenido por una sucesión atávica. Es la develación, con los recursos propios de la novela moderna, de un terreno insondable, que solo un talento como el de Rey Rosa logra convertir, como si apelara a los artilugios de un chamán, en literatura cimera.
El billete de quinientos euros, encontrado entre las páginas setenta y seis y setenta y siete del libro The Uses of Images, abre en el comparador de religiones unas opciones. Una vez decidido en el juego del albur, llega a un casino. Seguro que el dinero ganado en la ruleta debe ser destinado a la causa noble de los cofrades: emprende su último y fatídico viaje.
Rey Rosa, arquitecto de tramas simétricas, construye una alegoría del descenso y la decrepitud. Siempre se huye, pareciera ser la premisa creadora del autor, para encontrar lo insospechado. Un afán vital que en esta novela se entrevera con el desenfreno y la pulsión, rasgos que se entrelazan con la vorágine de un país en el que la muerte no es castigo ni condena. Solo un designio que arrastra a los hombres, con fuerza infernal, tal vez al vacío, o a ese remanso de silencio y paz en el que se sumerge el comparador de religiones en su último duelo.
Tomado de la revista de la Universidad de Antioquia.
Nació en El Pital (Huila). Periodista cultural y crítico literario en diversos periódicos y revistas de habla hispana. Colaborador habitual en las páginas culturales del diario El Espectador de Colombia. Autor de los libros El coloquio insolente: conversaciones con escritores y artistas colombianos (2008); Silabario de magia – poesía (2011); Palabra de Autor – conversaciones con escritores (2017); Oficios del destierro (2019) y Un bemol en la guerra – cuentos (2019).
Gustavo Colorado Grisales nos invita en esta ocasión a conocer la serie de novelas ‘Trilogía de los sonámbulos’ del escritor vienés Hermann Broch. Compuesta por ‘Pasenow o el romanticismo’, ‘Esch o la anarquía’ y ‘Huguenau o el realismo’ es un retrato de una de las formas de la interminable oscuridad humana.
I
ARENAS MOVEDIZAS
En las páginas finales de Huguenau o el realismo, la última de las novelas que conforman la Trilogía de los sonámbulos, del escritor vienés Hermann Broch, Alemania arde en llamas. Los resplandores anaranjados del fuego iluminan los pasos erráticos de quienes intentan escapar o aproximarse a lo que suele llamarse Teatro de los hechos.
Estamos en noviembre de 1918, durante uno de los coletazos más feroces del fin de la Primera Guerra Mundial.
La guerra, el final de la guerra, es apenas la metáfora de una época que se desploma sobre quienes la vivieron, convencidos de que pisaban terreno firme.
Pero nada es firme en el mundo de los hombres. Y menos esa materia deleznable llamada Historia, esa suerte de ficción urdida por los anhelos y temores de sus testigos y protagonistas.
Fiel a su propósito de llevar hasta el límite los recursos de la literatura como instrumento para abismarse en los misterios de la vida, Broch levantó este edificio narrativo constituido por tres novelas que después fueron bautizadas con el título de Trilogía de los sonámbulos.
A diferencia de obras totalizadoras emprendidas por otros autores, la Trilogía exige la lectura de las tres novelas, pues los destinos de los acontecimientos y sus protagonistas se enlazan en una urdimbre de la que participan a partes iguales la poesía, la narrativa, la teología, la filosofía y la crónica en tanto en cuanto son elementos acuñados por la humanidad para tratar de comprenderse a sí misma y a las fuerzas externas que la desbordan.
De modo que Pasenow o el romanticismo, Esch o la anarquía y Huguenau o el realismo son los soportes de este trípode sobre el que se alza el espíritu de Broch para contemplar el rostro de la interminable noche humana.
El rostro de lo irracional, de lo más primitivo de nuestra condición, apenas contenido por la estructura de normas y convenciones que esconden otras formas de lo irracional.
Lo que en términos teológicos conocemos con el nombre de El Mal.
El narrador de Huguenau o el realismo nos recuerda que las revoluciones son la rebelión del mal contra el mal. Por eso, salvo las apariencias, no existe diferencia alguna entre el comunismo y el capitalismo. Ambos modelos están basados en “la decisión de elevar las máquinas a objetos de culto, haciendo sacerdotes de los ingenieros y de los demagogos”.
Tomada de BBC | Primera Guerra Mundial, conflicto que tuvo lugar entre 1914 y 1918.
II
LAS INSIGNIAS DEL VALOR
Así las cosas, lo que se desintegra tras la Primera Guerra Mundial no es un modelo político o económico, como creen los historiadores: es una concepción del mundo soportada en un sistema de valores que las aristocracias rurales y su expresión militar y eclesiástica creían eternos: el honor, el valor, el orden. De hecho, en la última parte de la trilogía, Broch emprende una serie de digresiones sobre la naturaleza de esos valores.
Por lo pronto, en la primera página del libro, encontramos al joven Joachim von Pasenow a punto de enrolarse en el ejército. Su padre está convencido de que todo ese mundo de orden y obediencia, de desfiles, uniformes, charreteras y cantos marciales es lo único capaz de mantener en su sitio al universo.
Fiel a esos principios, Joachim duda pero obedece, y eso lo precipita en los abismos de la Historia, de los que no lo salvarán ni un matrimonio de conveniencia ni los violentos alegatos de su padre, como el que encontramos en la página 145:
“Aquí hay que restablecer el orden. Señor notario, ¿se han ocupado de usted? ¿Le han preguntado si bebe vino blanco o tinto? Solo veo tinto. ¿Y por qué no han servido champán? Un testamento hay que regarlo con champán”.
Sobre ese tipo de convenciones se asienta la vida entera de la sociedad.
A modo de contraparte, la vida de Joachim tiene en Bertrand una especie de duende maligno que, a despecho de los valores rurales, decidió emprender el camino de la industria, el dinero y la especulación: símbolos de un mundo que, como el de la burguesía, se abate con su pragmatismo sobre unas vidas que temen al cambio como a la peste: detrás de su sortilegio se esconde el rostro de la noche.
De las tinieblas y sus siempre devastadoras sorpresas.
Para conjurar esas sorpresas los futuros suegros de Joachim deciden instalar un gong en su casa rural:
“El criado Peter estaba en la terraza de la casa señorial de Lestow y hacía sonar el gong. La baronesa había introducido la costumbre de anunciar así las horas de las comidas, desde que estuvo en Inglaterra con su marido. Y aunque el criado Peter se servía de este instrumento desde hacía varios años, sentía siempre un poco de vergüenza al provocar aquel ruido pueril, sobre todo porque el sonido llegaba hasta la calle del pueblo y le había valido el sobrenombre de Tamborilero”.
Más adelante, en las páginas de Esch o la anarquía, encontraremos al próspero y sibarita Bertrand, descreído de cualquier cosa que no sea placer, disolviéndose él mismo en un torbellino que Esch pretende conjurar alentando cada día el sueño, solo el sueño de escapar a una América de leyenda donde todavía es posible la quimera de la felicidad.
En principio, este Esch se gana la vida como Contable y tiene su particular tabla de valores:
“Para un contable el debe y el haber son dos pilares que sostienen el universo entero. Así, si una sola cifra no está en su sitio, el universo entero empieza a tambalearse”.
Estamos ante algo así como la filosofía de la contabilidad por partida doble que constituye la esencia del espíritu burgués.
El mismo espíritu que se expresará más tarde en la figura del ingeniero teniente Jaretzki, un soldado que perdió su brazo izquierdo en la guerra, y como está obsesionado con la simetría desearía que le amputaran también el derecho.
De hecho, el día en que a Jaretzki le instalaron la prótesis se sintió como “Una máquina recién nacida”.
A su modo, con esas palabras estaba expresando el espíritu de los tiempos. Ese espíritu que ya no viaja al ritmo alado del caballo sino a la velocidad metálica del tren:
“Pero ellos son como personas a las que se hubiese despertado excesivamente pronto del sueño, llamándolas a la libertad para que alcanzaran puntuales al tren. Por eso sus palabras son cada vez más inseguras y soñolientas, hasta terminar en un confuso murmullo. Uno u otro añade aún que prefiere cerrar los ojos a una velocidad tan delirante, pero los compañeros de viaje, refugiándose en el sueño, ya no le escuchan”.
Arrojado, igual que sus contemporáneos, al vértigo de las máquinas, cuya expresión más demencial es la guerra, Jaretski está convencido de que los hombres sólo pueden entenderse cuando están borrachos. Por eso pide que le den una borrachera de cualquier cosa: de morfina, de patriotismo, de comunismo…de algo que emborrache del todo. De algo que despierte en todos un sentimiento de solidaridad.
III
EL CERO ABSOLUTO
Broch nos dice así que la Historia se ha desbocado y con ese acelerarse los valores alcanzan su máximo nivel de degradación, porque “Al que se haya frente a la muerte se le concede la libertad de permitírselo todo”.
Y eso es lo que hace el cínico protagonista de Haguenou o el realismo, que se permite incluso el asesinato y el engaño, porque en el mundo de los antivalores esas cosas ya no son crímenes sino anécdotas, datos para una biografía.
Portada de la ‘Trilogía de los sonámbulos’ de Hermann Broch. Compuesta por ‘Pasenow o el romanticismo’, ‘Esch o la anarquía’ y ‘Huguenau o el realismo’. Escritas entre 1931 y 1932
A esa altura del camino comprendemos que “La soledad del ser humano es tan grande, que nadie, ni siquiera Dios que lo ha creado, sabe nada de él”.
El espíritu de la época ha migrado hacia el dinero y las máquinas, esas manifestaciones que para el narrador constituyen la quintaesencia de lo infernal, del hombre arrojado a los brazos del sinsentido. Por eso, en el mundo de lo íntimo “La relación entre Hanna y su esposo está fundada en una felicidad puramente anatómica, pobre recompensa para quien busca el absoluto”.
Y ya no hay absoluto en este mundo.
Salvo el cero. Porque en un mundo absolutamente racional no puede existir ningún sistema de valores trascendente. “Es una época tan racional que de continuo ha de estar huyendo”.
Ya no hay asidero: ni siquiera la vieja tabla de salvación ofrecida por protestantes, judíos y cristianos.
Para los judíos, por ejemplo, todo son símbolos. La misma diáspora, que a los ojos de los demás supone un drama, para ellos es símbolo.
Solo que para el hombre máquina de los sistemas engendrados por la Revolución Industrial los símbolos se han extinguido. ¿El resultado? el valor ético del acto y el valor estético de lo realizado pierden su sentido. De esa manera, un mundo que solo haya equilibrio en la rapidez se vuelve invisible hasta para el filósofo.
Y para el narrador la única actividad verdadera es la actividad contemplativa del filósofo.
En la página 698 de la Trilogía, el narrador nos da cuenta de ese estado de cosas:
“Hubo un hombre que huyendo de su propia soledad buscó refugio en la India y en América. Pretendía resolver el problema de la soledad con medios terrenales. Era un esteta y por ello tuvo que matarse”.
Lo que alcanza a intuir resulta pavoroso: en últimas, la guerra es también una manera de resolver el problema de la soledad.
De restaurar el sentido de la comunidad.
A todo eso contribuye el carácter fragmentario y ficcional del Yo, condición que nos revela lo quimérico de toda improbable identidad individual. Porque intuyen eso, los hombres se refugian en la masa y se entregan a los caudillos: es el último y desesperado recurso contra la disolución del ser.
Por eso, en Huguenau o el realismo no cesan de advertirnos:
«Piénsese lo que se piense de la actividad filosófica, comparado con ella el mundo exterior seguirá siendo cada vez menos digno de atención y más insignificante”
Hermann Broch, nació en Viena el 1 de noviembre de 1886 y murió New Haven, Estados Unidos, el 30 de mayo de 1951. Fue novelista, ensayista, dramaturgo y filósofo austriaco.
IV
EL LLANTO DEL SOLDADO
Al final de la saga, el joven soldado Joachim es ahora el mayor von Pasenov. Antes que en lo material su derrota es espiritual.
Por eso, como todos los vencidos que se rehúsan a propinarse la propia muerte, busca en la palabra del buen Dios alguna clase de consuelo para sus desventuras.
“Después de todo, el mayor von Pasenow era un hombre que anhelaba profundamente recuperar la confianza en la Patria, que anhelaba hallar una confianza visible en las cosas invisibles”.
Ante la irrupción de lo irracional de la razón, que algunos personajes llaman “El asalto de los de abajo”, frente a la intuición de esas formas de lo infinito todos somos sonámbulos.
Y sólo el lenguaje, escamoteado por todos los poderes, puede devolvernos el habla. De una manera u otra, los protagonistas de la Trilogía viven a la espera de ese instante, incluido Huguenau, acaso el más alienado de todos.
“Esperar es como tener un alambre de púas en el espíritu”, reflexiona el narrador de la tercera novela. Lo cual es otra manera de decir que recuperar el habla, el lenguaje es resucitar de entre los muertos.
En esa espera, el mayor von Pasenow se pregunta adonde han ido a parar sus valores cuando, al escuchar la Sonata para Violonchelo en Mi menor, de Brahms, una lágrima se desliza por su mejilla. Pero no nos llamemos a engaño: no llora por las ineludibles devastaciones de la guerra: llora por ese mundo irrecuperable que el músico supo interpretar tan bien: el mundo de claroscuros de los sonámbulos.
Solo entonces comprende, aunque tarde, que la guerra es en realidad nuestro segundo y, acaso, verdadero rostro: el rostro de la noche pues, como ya se ha dicho antes:
“Las revoluciones son insurrecciones del Mal contra el Mal, insurrección de lo irracional contra lo racional, insurrección de lo irracional – bajo la apariencia de razón liberada de sus cadenas- contra las instituciones racionales que, para mantener su estabilidad, apelan, muy satisfechas de sí mismas, al irracional valor del sentimiento que reside en ellas; las revoluciones son la lucha entre la realidad y la irrealidad, entre la violencia y la violencia”.
Justo en ese punto, Broch nos recuerda que esa fuerza invisible que nos empuja es, de todos modos, algo que ha salido de nosotros mismos.
Juan Eduardo Ángel IG: @juan_angel_art TW: @juanoanhell
‘Les Degeneres’ es un proyecto de performance y arte queer que surgió en 2019 desde la escuela de Artes Vivas de la Secretaría de Cultura de Pereira. Una búsqueda de transformación constante, de romper con lo cotidiano.
Incomodan a su paso, pero también refrescan las miradas de los transeúntes desprevenidos que terminan por celebrar la posibilidad de lo nuevo, de lo diferente, de lo inclasificable.
No hay mayor rebeldía que la del cuerpo y no hay forma más efectiva de hacer prisionero a alguien que a través del mismo. Es allí donde entran Les Degeneres como colectiva, rasgando una realidad impuesta. Ante todo, transgrediendo las estructuras patriarcales de una sociedad que no entiende la experiencia que surge de la relación entre el mundo y el cuerpo; y que de esta relación surge una comunión que se da más allá de las normas, una comunión que transforma ese mundo heredado.
El cuerpo es imposición. Hablo de la materia, de estar desde lo físico; nadie eligió su forma o contexto en este mundo. No hay elección, recibimos un mundo, somos arrojados a unas normas y condiciones ya establecidas, heredamos una cultura y con ella unas costumbres que determinan nuestro comportamiento.
Altocalcifílico
Perla DeGoya
Satánica
Actos y personajes del performance ‘Holísticamente Degeneradas’ de Les Degeneres, en El Tortazo de la UTP. Fotografías por Andrés Marín
El albedrío es tan solo un camino determinado por siglos de tradición. Cuando despertamos para sentir nuestro cuerpo o para entender a través de los sentidos lo que somos, ya tenemos un cuerpo moldeado por otros.
Les Degeneres nacen en Pereira, una ciudad que históricamente se ha arriesgado con empresas y propuestas que muchos consideraron extrañas en su tiempo. Tener la primera planta de telecomunicaciones del país o instalar un Bolívar desnudo en el centro de la ciudad, son algunos de esos ejemplos. O yendo más allá, cabe la pena mencionar a ese grupo de jóvenes que en las décadas de los sesenta y setenta puso muy incómoda a la comunidad conservadora del país con su performance satánico liderado por el poeta pereirano Héctor Escobar Gutiérrez, considerado el Papa Negro.
El cuerpo es imposición. El albedrío es tan solo un camino determinado por siglos de tradición. No hay elección, recibimos un mundo, somos arrojados a unas normas y condiciones ya establecidas.
Por eso no es raro que muchos años después haya surgido este proyecto de las artes vivas en nuestra ciudad; un lugar que ha sabido determinar y mantener una ruta que le permite a muchos de sus habitantes hacer resistencia, crear y construirse a la par de miradas e ideas arriesgadas, como las de esta colectiva subversiva y rebelde.
Les Degeneres es una propuesta que surgió como resultado de una convocatoria hecha en 2019 desde la escuela de Artes Vivas de la Secretaría de Cultura de Pereira. El artista Camilo Altocacifilico realizó un laboratorio de creación en performance llamado Degenerando El Género, dirigido a cualquier persona que quisiera explorar y crear desde su cuerpo una versión o alteridad de su propia existencia, de su presencia en el mundo.
La propuesta debía terminar una vez el laboratorio cumpliera con su objetivo, pero la necesidad de crear y la fuerza del grupo que se conformó hizo que apenas fuera el comienzo. Entendieron que debían seguir, y así surge Les Degeneres.
Y con el paso del tiempo han ido ganando presencia en el movimiento artístico de la ciudad desde su puesta en escena a través del performance, donde transgreden incluso las convenciones del mundo drag queen. Por lo regular, allí no es común ver que una mujer sea quien se vista de su opuesto, pero Les Degeneres al buscar ir más allá del género permiten que la “trepada” – denominación que se utiliza para la transformación o surgimiento de la alteridad y que en un principio hace alusión al hecho de ponerse los tacones – sea un acto para potenciar lo estético, sin importar identidad o género alguno.
Atrabilis
Rituala
Extravaganza
Actos y personajes del performance ‘Holísticamente Degeneradas’ de Les Degeneres, en El Tortazo de la UTP. Fotografías por Andrés Marín
Una de las características de este colectivo es la posibilidad de transformación constante, de romper con lo cotidiano. En los diferentes espacios donde se han presentado (Casa de la cultura de Marsella, El Galpón y El Tortazo en la UTP, Sala Estrecha) su propuesta ha incomodado, pero también ha refrescado las miradas de los transeúntes desprevenidos que terminan por celebrar la posibilidad de lo nuevo, de lo diferente, de lo inclasificable.
En sus integrantes se reconoce la apropiación de un discurso construido colectivamente con igual nivel de jerarquía, y que está calando en la mirada de cada uno de nosotros desde la propuesta estética; cuestionando la percepción que tenemos sobre lo bello, lo femenino y lo masculino.
Les Degeneres expresan desde el mundo que les atraviesa, pero transforman y devuelven ese mundo en cada una de sus obras. De manera empalagosa, estrafalaria, transgresora y subversiva. Tal parece que en esta colectiva entendieron que ese mundo heredado, dado e impuesto también es determinado por nuestra presencia en el mismo, donde hay una relación de creador-creado.
El aporte de Les Degeneres al mundo se dará a través de la liberación del cuerpo, de darle a ese cuerpo la rebeldía para elegir su propio camino, para que pueda ser rescatado de la predeterminación cultural binaria, misógina y machista.
Quien está atado a este mundo nunca podrá mostrarse verdaderamente libre.
Quien alguna vez fue nombrado, es preso de la palabra que le dio forma.
¿Cuál libertad si nunca fuimos libres de modelarnos?
¿Cuál libertad si somos presos del reflejo?
La lucha por la autonomía del cuerpo (siendo el arte históricamente un medio para sugerir, transgredir y mover fichas bajo la mesa) es una de las luchas más arduas de nuestra época contemporánea, la cual se da en diferentes escenarios y de múltiples maneras por muchos artistas.
El escritor y artista plástico Pedro Lemebel en Chile, y el performer y activista LGBTQ+ José Pérez Ocaña en España, han sido representativos en las luchas y resistencias asumidas desde el cuerpo en su búsqueda de otra versión, de una subversión.
Lucha que no es nueva, pues se ha dado desde otras latitudes por el escritor y artista plástico Pedro Lemebel (en Chile) y por el performer y activista LGBTQ+ José Pérez Ocaña (en España), quienes durante las dictaduras en sus respectivos países hicieron resistencia para permitirle al cuerpo ser y transformarse una y otra vez. Y desde la libertad exigida, el arte se manifestó desde ese cuerpo y fue rebeldía; en búsqueda de otra versión, de una subversión.
Estos dos artistas sirven como puente al momento de comprender las luchas que también desde el arte dan Les Degeneres. Y si bien, nadie puede vivir en carne propia el dolor y la lucha que llevan a cabo los otros cuerpos, me atrevería a decir que ese dolor y esa lucha que asumieron en su momento Lemebel y Pérez Ocaña abonaron un camino que ahora recorren Les Degeneres.
Siendo otra época, y sin decir que la lucha es menos dura para las nuevas generaciones, estos debates sobre la libertad del cuerpo se dan cuando se otorga el honor y el lugar a las acciones arriesgadas y al sacrificio del cuerpo de los artistas mencionados y de otros tantos más. Son destacables estos dos casos ya que ellos, desde lo voluntario en el caso de Lemebel, y desde lo accidental en el caso de Pérez Ocaña, sufrieron físicamente y dejaron en sus cuerpos la marca y la huella de sus propias luchas y transformaciones.
A través de las declaraciones de Les Degeneres en diferentes medios, uno comprende que la discusión con respecto al cuerpo ha trascendido el hecho de cómo nos asumimos o con cuál de los dos géneros nos identificamos. Es también una búsqueda de identidades más plásticas, sin necesidad de que haya un cuestionamiento del género o de lo sexual, permitiéndole al cuerpo hacer una exploración que transgrede los límites impuestos desde lo cultural y lo social
Tóxica enamorada
Santa fuego
Un chorrito
CharcoAlt
Actos y personajes del performance ‘Holísticamente Degeneradas’ de Les Degeneres, en El Tortazo de la UTP. Fotografías por Andrés Marín
Estas propuestas responden a fenómenos históricos, aparecen en épocas donde las luchas por abolir la represión se han dado a través de diferentes frentes. La abolición de la esclavitud, la igualdad en los derechos de las mujeres, la liberación sexual en los años sesenta han tenido como referente el cuerpo.
Son además luchas que se han dado con un objetivo claro: la libertad de hacer y expresar desde el mismo cuerpo cómo se nos ocurra o sintamos, combatiendo de frente las predeterminaciones impuestas desde una moral manipulada.
Estas luchas se dan para mover las fibras del establecimiento y del sistema; son luchas que cuestionan y transforman desde el arte.
Como parte de nuestro espacio #PereiraTambiénCrea, nuevamente los invitamos a conocer y disfrutar de algunas de las obras representativas de las letras pereiranas. En esta ocasión, un poemario publicado en 1992, y único hasta la fecha, por el reconocido cronista y periodista Gustavo Colorado Grisales
“Definir la poesía es tan imposible como pretender descubrir el ojo de Dios en la atmósfera de nuestro violento paisaje. Una y otro no dejan de ser creaciones, necesidades humanas: la una, para purificar un tanto el castigo de habitar el mundo a través de la palabra. Lo otro, la urgencia de rendirle cuentas a un ser que preferimos superior, como lo expresara Lewis Carrol, “somos niños mayores, también tenemos miedo a que llegue la noche”. El poeta, lo sabe incluso el mismo poeta, es un niño mayor que a menudo hace las veces de Dios, intentando no sólo inmiscuirse en el pellejo sensible de los demás sino también de hacerle ver que sólo a él le ha sido dado sentir y presenciar. Porque el poeta sabe que cada palabra suya se traduce en un peligroso movimiento dentro de la partida de ajedrez que enfrenta con su contrincante, Dios. Ambos, una sola materia, dos ojos, un tablero que combina palabras; al final, un solitario ganador: el poema. Para demostrar lo dicho, se levanta la poesía de Gustavo Colorado, un hombre que, como todo buen poeta teme a las palabras, a su peso; de ahí que su poesía sea liviana, carente de retórica, y pueda volar como el ángel que una vez sembró tres gotitas de sangre en la ventana – en la ventana de su cuarto que mira al mundo – ; porque algo característico en la voz poética de Gustavo Colorado es la entronización del adentro.
El afuera parece decirle tan poco; el adentro lo utilizan sus voces, para no hablar de sus personajes porque bien podría ser uno solo, para anunciar sus soledades. Su poesía desnuda, no alegra, su poesía lacera, no entretiene. A veces parece una voz, un personaje cansado de la búsqueda infructuosa de ese otro pájaro herido que es la felicidad; porque el poeta sabe de lo efímero, de esos pequeños estados de felicidad que fenecen con el coito o al despuntar el alba. Nadie más triste y solitario que el hombre después del coito. Pero es que en este poeta que se firma, tal vez temiendo el olvido, la tristeza y la soledad devienen antes y después del coito.
Al mundo, a esta masa en la que dos cuerpos imposibles se repelen al levantar la sábana, parece mirarlo y entenderlo como un RITUAL, y como en toda ceremonia, los elementos predispuestos, acomodados, estáticos, no podían faltar.
Con Gustavo Colorado podemos dialogar, como quien lo hace consigo mismo, pues, ¿Quién no ha sido fustigado por el inevitable ronroneo del reloj de arena, por “el tiempo que gotea y gotea”, por el espasmo que produce enfrentar el desamor; quién no se ha cubierto el rostro con la sangre de su ángel herido; quién, en últimas, no ha temido a la muerte y por eso escribe aunque sea cartas a su abuela? Quien se crea libre de tales culpas, que tire la primera letra. Al final, lo mejor es cambiar algo en nuestras vidas, creer que Dios sí juega a los dados o viajar con el poeta hacia «un lugar sin memoria/ donde ya nada duele”.Rigoberto Gil Montoya, del prólogo.
En el viejo desván, el hombre sobre el mantel el matraz,
la sangre, la piel, los huesos,
el mortero, la palabra clave.
El propósito: hacerse mineral liviano, liso:
no portador de cicatrices.
Ritual parte 2
Vadear otras aguas, Otros tiempos,
habitar otros cuerpos
y caminar sobre la cuerda floja de sí mismo como mandan los cánones de la buena acrobacia:
con los ojos cerrados para ver mejor.
Ritual parte IV
La luz enmudece en el cristal y el día es otra vez la llaga
donde unos ojos dolorosamente abiertos
no saben más del olvido que otorgan
los efímeros incendios de la carne.
Del amor
Días meses años enteros
consagrados a la vana y fatigosa tarea
de interrogar oráculos indagar en Teologías escudriñar las líneas de la palma de la mano
y rebajarse incluso a la impudicia de escarbar entre las cenizas del tabaco
Para venir a descubrir -a esta hora de la tarde en que emerges desnuda de entre las sábanas-
que el acto de dejar caer lentamente las ropas sobre el piso y asomarse juntos a las diáfanas y riesgosas aguas de la mutua desnudez acaso sea el único en que nos es dado a los hombres
acercarnos a eso que llaman la comunión de las almas.
Nota para dos que llegaron tarde
¿En qué muro fue escrita?
¿en qué lengua fue dicha?
¿en qué rincón del mundo estábamos tú y yo cuando fue pronunciada la palabra?
Del amor
Y volver de (a)
tu cuerpo
gozoso puro herido solo: como un ángel que cae.
Del desamor
Lo que hoy me queda de ti, amor
es tan sólo la rutinaria ceremonia de levantarme, todavía con el aroma de los últimos sueños
y dejar un montón de palabras gastadas
abandonadas a la buena voluntad de los hombres del correo.
Del verbo, del amor
Tener la palabra “en la punta de la lengua” y no saber y no poder decirla
Siempre al borde pero nunca al otro lado del milagro de hallar entre esa sarta de metáforas y sílabas el espejo que te revele algo acerca de ti mismo: el más viejo arcano la razón última
de esa oscura piedra que centellea en tus huesos que teje que desteje
la madeja de Ariadna desde donde descubres que el silencio acaso no consiste en callarse sino en decir solamente lo esencial:
el renovado deseo de inventar una lengua que sólo sirva para decir te amo.
Consejo para uno que empieza a soñar
Deja que el tiempo realice -pacientemente y concienzudamente- su parte del trabajo,
que tu amnesia y la muerte ya se encargarán del resto.
En un lugar común: el tiempo
El tiempo que me roe:
que se mide a sí mismo en mis secretas nostalgias;
el tiempo que gotea y gotea en mi interior
adormecido por sueños
que nunca crecieron o agitado por aquellos que aún sobreviven a pesar de nosotros
me conduce, silencioso y distante
hacia un lugar sin memoria donde ya nada duele.
Me caeré a pedazos:
hoja a hoja
como los árboles fieles a la tierra.
y mañana desnudo y mustio,
seré el puntal de aquellos
que quieran apostar a ser Ícaro.
Me deslizo, me sumerjo, y no logro hallar otra cosa que el pececillo frío del tedio
en los rincones donde se supone, debería encontrar tesoros escondidos;
el pozo sin fondo, las algas del insomnio,
el canto de sirena que alguna vez confundí con el futuro.
El autor
Gustavo Colorado Grisales (1960) Pereirano por adopción y desde muy joven ha vivido la ciudad con la intensidad que transmiten sus crónicas. Escritor, columnista y docente universitario con una amplia aparición en medios escritos y radiales del país. Director del Área Cultural de Comfamiliar Risaralda. Premio Nacional de Periodismo Semana ‘El país contado desde las regiones’ (2011). Premio Regional de Periodismo Hernán Castaño Hincapié (1999 y 2005). Ha publicado los siguientes libros: El último verano de Tony Manero (1992), Rituales (1992) , Un Altar para la desmemoria (1942) , Rosas para rubias de Neón (1997) , No disparen, soy solo el cronista (1999), Besos como Balas (2004), Yo me bajo en Atocha- crónicas de la migración (2008), Crónicas del Diablo (2013), Esta tierra es mi tierra (2015). El primero de cuentos, el segundo de poesía y el resto de crónicas. Pueden leerlo en miblog-acido.blogspot.com/
’LA SINFÓNICA DE LOS ANDES’, LA BANDA SONORA DE COLOMBIA
Autor: John Harold Giraldo Herrera // John.giraldo.herrera@gmail.com
La película presenta un título poético, que se diluye luego de verla. Lo que más prima es el vil asesinato de líderes y la manera cómo la población mantiene confinada y perseguida por los causantes de la infamia en la nación. Y uno se pregunta: ¿dónde está la sinfonía?
Ficha Técnica:
Título original: La Sinfónica de Los Andes
Año: 2019 // 115 min. Colombia.
Dirección: Marta Rodríguez
Guion: Marta Rodríguez, Lucas Silva
Elenco: Comunidad indígena Nasa del departamento del Cauca
Fotografía: Fernando Restrepo Castañeda, Emmanuel Rojas, Felipe Colmenares Sánchez, David Villegas
Música: Orquesta de instrumentos andinos de Huellas, Caloto – Banda de flautas, chica y guarapo – Fanor Secue.
Producción Ejecutiva: Fundación Cine Documental, Visual Arts Factory, Hollywoodoo Films, Lucas Silva, Felipe Colmenares
Género: Documental sobre la violencia
Sinopsis
El Norte del Cauca es la región de Colombia más afectada por el conflicto armado interno desde el año 1940, y donde se resguarda la mayoría de culturas indígenas del país. Allí surge una orquesta de música ancestral compuesta por jóvenes indígenas de la etnia Nasa quienes, con sus instrumentos, su voz y su poesía hacen memoria a Maryi Vanessa Coicue, Sebastian Ul e Ingrid Guejia, tres de los cientos de niños indígenas que han muerto a causa de la guerra entre guerrillas de izquierda, grupos armados de extrema derecha, narcotraficantes y el Estado Colombiano.
El canto y la música son la banda sonora de la existencia. En Colombia el traqueteo de metralletas y el silenciamiento de vidas, se han convertido en el pan de cada día. No ha cesado ni la horrible noche -trasladada a cualquier hora-, como tampoco los ríos de sangre.
Marta Rodríguez es la cineasta de las tragedias, y también de las resistencias y las esperanzas. Su ojo se ha posado en la Colombia escondida, aquella silente en los grandes medios, que sólo, a veces dejan ver irrisorios fragmentos de ese país que la mayoría desconocemos. Marta ha convivido con los protagonistas de esas historias, y su trabajo, en conjunto, desde que empezó con Chircales (1972) – contándonos el modo de explotación de unos albañiles – hasta su más reciente documental, La Sinfonía de Los Andes (2019), nos ha desplegado a una fuerte conexión de memorias y de presencias frente a tanto despojo.
Tomada de El País de España | La directora colombiana Marta Rodríguez, pionera del Nuevo Cine Latinoamericano, durante el rodaje de Chircales (1966-1971).
La Sinfónica de Los Andes presenta un título poético, que se diluye luego de verla. Lo que más prima, allá con los Nasa; en el Cauca, y con sus distintas comunidades, es el vil asesinato de líderes y la manera cómo la población mantiene confinada, asediada, perseguida, marcada y cercada por los causantes de la infamia en la nación: quienes nos han gobernado y se han adueñado de las tierras de la población.
Marta no escatima con su lenguaje; es directo, de imágenes explícitas hasta el punto que uno se pregunta: ¿dónde está la sinfonía? No hay lugar para la ensoñación; es descarnado, como lo es la realidad, al ponernos frente a la butaca y desesperarnos. Uno a uno caen, la muerte ronda, la tortura y el miedo asedian, son habitantes permanentes en un país donde unos y otros se han disputado el poder y ha valido más la propiedad privada y los intereses económicos que la propia vida, o cualquier manifestación de ella.
Emplear la desaparición o el aniquilamiento del otro ha sido la forma de conquistar los privilegios de los terratenientes.
Cartel oficial de la película
Los asesinos nunca han tenido ni piedad ni consideración. En 2011 Alfredo Molano quiso mostrarnos cuántos kilómetros de muertos ha puesto el país, postuló la cifra de ciento setenta y tres (1). El número pudo haberse triplicado, porque apenas aludía a cuatro años de asesinatos y masacres; una bomba de tiempo contra la fuerza de la sociedad, que de seguro no se dejará arrinconar y seguirá buscando, así sea por resquicios, una forma de vida digna.
Ver el documental produce asco, histeria y una larga serie de emociones ante las cuales nos hemos postrado; como si el dolor no hubiera hecho ya metástasis y fuese necesario seguir aguantando. Lo que me parece curioso, y en un alto grado de valor, es la capacidad de las comunidades por sobreponerse. El miedo no está sembrado, permanece en la superficie; lo respiran, pero no es el veneno. Con sus ganas de vivir muchos se salvan, y por su intención de mantenerse unidos es que ha sido imposible acabarlos.https://www.youtube.com/embed/tiE5eU8-zXU?feature=oembed&start&end&wmode=opaque&loop=0&controls=1&mute=0&rel=0&modestbranding=0
Marta habla con las víctimas, como si ella fuese una más. La valentía de estar entre fuego cruzado, arriesgarse a narrar historias de familias indígenas y permanecer en medio de la angustia es un triunfo y un modo de vida que no se limita al ejercicio audiovisual. Es la dedicación de toda una vida a contar la barbarie.
El objetivo no es otro que avivarnos, porque de ahí viene un título que nos confunde; el sonido no es de esperanza ni proviene de un grupo de niños con su maestro que combaten la infamia con arte. ¡No! La Sinfónica de Los Andes es el ardor, la crueldad, el tejido maltratado y calcinado; el de los rugidos del silenciamiento, de un odio que nos lacera. Y como Marta ha construido relaciones duraderas con quienes se ponen en escenificación; sus trabajos perduran, poseen la intimidad que otros ni siquiera pueden cultivar.
Tomada de: The Bogotá Post | ‘La Sinfónica de Los Andes’, una película que retrata los horrores de una guerra con 60 años de historia y tragedias.
La Sinfónica de Los Andes es la banda sonora de Colombia. Acá no hay lugar para esconder la indignación y lo apabullante de los perpetradores de la violencia, de los incubadores de la miseria, de los desterradores, de aquellos oligarcas que han curtido con colores rojos y nostalgia las banderas insignes de la vida.
En cambio, quienes florecen así los corten, quienes mantienen incólumes así los tumben, quienes dan saltos para abrigarse del frío y la desesperación, quienes con su luz son la motivación y la fuerza, quienes tejen día a día el país con su colorido y fortaleza, esos a quienes han masacrado y se sobreponen; los niños, las familias manchadas con la violencia, los jóvenes con sus miradas altivas, las poblaciones en resistencia por la vida y la memoria, y las creadoras como Marta; esos, merecen todos los elogios y acompañamientos. Son el canto que se opone a la muerte.
Damos inicio en PlanC a nuestro espacio de ‘Literatura y ciudad’, trazos de la imaginación para entender un poco más el lugar por donde nos movemos día tras día. En esta primera entrega nos acercamos al concepto de urbe caníbal y su relación con las personas que la habitan.
Todo ser humano es un caníbal a su modo. Sin embargo, hoy, ese caníbal que se devora a otros a mordiscos es mucho más feroz que cualquier hombre.
Crece descomunalmente, muta de piel, escupe en nuestros rostros, satura de hollín nuestro espíritu y, además, afila sus dientes de acero y sus garras de piedra mientras nos engulle.
Ese nuevo monstruo antropofágico es la ciudad.
Parece extraño el concepto de la ciudad caníbal porque pensamos, erróneamente, que una urbe es apenas un espacio plagado de calles, zaguanes, avenidas, escondrijos, viviendas y edificio. Pero no es así.
La metrópoli se hace caníbal, metafóricamente hablando, porque no solo es el escenario donde la lumbre del hogar fulge con el matiz de unos valores instaurados, allí se disponen también otras conductas, acciones y modos de encuentro en los que la deshumanización del hombre es mucho más importante que su propia formación.
Una deshumanización remarcada por los placeres citadinos, por la noche, por las luces de neón, por la música, por las sustancias, por todo aquello a través de lo cual la ciudad nos habita y nos corrompe.
En sí, ese canibalismo citadino del que hablo, más allá de ser un mordisco y un desangramiento; es una posesión, un soplo divino, un grito que nos exige vivir la vida.
Cuando la ciudad nos posee comprendemos que el hombre, al igual que el mundo, tiene más cosas que esconder y, en realidad, pocas que mostrar.
Cuando la ciudad nos posee comprendemos que el hombre, al igual que el mundo, tiene más cosas que esconder y, en realidad, pocas que mostrar. La ciudad caníbales es, en el fondo, como un espejismo, una fachada o un sueño
La ciudad caníbal es, en el fondo, como un espejismo, una fachada o un señuelo. Por un lado, nos muestra el desierto, la arena, las dunas, la crudeza del sol; por el otro, nos pone en camino hacia el oasis, hacia el placer, hacia esas conductas censurables que ansiamos, que nos consumen. Placebos que, con el transcurrir de los días, se convierten en conductas altamente adictivas, porque la urbe no te devora de un solo zarpazo; todo lo contrario: te consume poco a poco, porque la ciudad es, en realidad, esa sustancia de la que no podemos escapar.
La urbe caníbal no nos devora la carne, sino las entrañas, los imaginarios, esas necesidades ocultas bajo la piel.
No es una náusea lo que vislumbro en el canibalismo citadino; lo que hallo es un mundo movedizo, resquebrajado, ahondado en la desesperanza, en la lejanía; en ese cambio de paradigma al que siempre le apuesta el hombre desde la cuerda floja.
En sí, la metrópoli es un caníbal que nos consume porque la piedra y el metal nos han hecho comprender que la tragedia no reside en la muerte, sino en la imposibilidad de llevar la vida hasta las últimas consecuencias. Lo que demuestra que la ciudad no es un ente momificado, sino un monstruo que nos roe los huesos en la vigilia.
Con este texto de presentación, quiero invitarlos a leer una serie de 5 artículos sobre Pereira y algunos de sus espacios más emblemáticos: el parque La Libertad, La Circunvalar, la carrera sexta, la Plaza de Bolívar y La Florida. El propósito fundamental consiste en resaltar el valor de los lugares y los no-lugares, y cómo estas zonas por las que deambulamos permanentemente han transformado nuestros imaginarios como habitantes.
Vinilocos | Por Ricardo Montoya | Fotografías Jess Ar
Su colección se remonta a unos 8.000 elepés, 10.000 discos compactos y aproximadamente 150 de 78 RPM. Está repartida en distintas habitaciones de su casa y en su taller de lámina y pintura donde suena la buena música durante la jornada laboral. Los mantiene intactos y suenan lo mejor posible a pesar del polvo y la bulla propios del oficio.
Golpes suaves de martillo sobre las latas de un vehículo son registrados por el prodigioso oído de Jorge Restrepo, el mismo que le permite conocer – mejor que con el tacto – las imperfecciones que debe corregir en su taller de lámina y pintura.
Ese oído que lo llevó a ser un afinado cantante aficionado, y a identificar rápidamente – y antes que todos – las voces de los intérpretes que suenan cada jueves en la Tertulia de Patrulla, un bar de músicas de antaño en el sector del parque Gaitán que recibe semanalmente a melómanos de todo tipo y gusto para compartir y hablar de sus discos.
Foto: Archivo particular | Jorge Restrepo, en uno de los tantos encuentros de coleccionistas a los que asiste. Siempre con su libreta en mano.
Estudió canto, dibujo y pintura, formación que le ha dado una profunda sensibilidad artística.
A los 15 años llegó a Pereira desde su natal Bello, eran los días dorados de la radio. Oía los programas musicales, anotaba el nombre de las canciones que más le gustaban para luego ir en busca de los discos donde estaban registradas, aunque en esa época no tenía equipo para escucharlos. Pero acudía a casa de un tío paterno, coleccionista veterano de elepés, quién le permitía disfrutar de esos discos que iba consiguiendo.
El primer equipo que compró tenía un amplificador “hechizo”, sin embargo no fue impedimento para disfrutar con sus amigos lo que había acumulado en unos cuantos años. Fue en una de esas reuniones que decidió ser coleccionista. Empezó a clasificar sus discos, a limpiarlos frecuentemente y hacerles mantenimiento. También comenzó a estudiar a sus intérpretes preferidos.
Foto: Jess Ar | Jorge Restrepo, en su casa, montando elepés al tocadiscos, una pasión que lo ha acompañado desde muy joven.
Sus preferencias musicales se han dado por etapas: inicialmente fueron las rancheras, luego los tangos y finalmente, lo que él ha llamado, música variada; y en la que incluye boleros, pasillos ecuatorianos, andina colombiana y un largo etcétera.
Se caracteriza por ser polémico, no traga entero y controvierte afirmaciones que se hacen sin pruebas sobre, por ejemplo, grabaciones “originales” que no resultan ser tan así. Como todo coleccionista, siente gran satisfacción cuando consigue un disco largamente perseguido, pero se pone de muy mal genio cuando le sale con imperfecciones por más mínimas que sean. Cada vez que consigue uno lo escucha y lo disfruta por más viejo y raro que sea, no es solamente un objeto más para acumular.
Es un completo hedonista de la melodía, no soporta el mal sonido en una audición, sea por defecto del equipo o del disco, pero también cuando no se logra entender lo cantado, ya sea por mala vocalización del cantante o porque son grabaciones muy deterioradas. En eso se ha caracterizado, en el disfrute pleno de la música bajo cualquier circunstancia.
Foto: Jess Ar | En su taller de lámina y pintura no falta la música. Siempre llega con nuevos elepés desde su casa, para hacer más llevaderas las extensas y agoradoras jornadas laborales.
Entre sus satisfacciones recuerda haber encontrado, después de años de buscarlo, el álbum 12 hits, 7 superastros. Lo halló en Pereira entre la mercancía de Cuervo, un vendedor callejero de discos, y lo mejor: por sólo 1.500 pesos. También persiguió mucho tiempo La calesita se destrozó de Enrique Rodríguez, en la voz de Roberto Flores, y actualmente posee como 10 ejemplares del mismo. En ese mercado callejero llegó a pagar 100.000 pesos por un LP de Tony Pizarro y en 2.008, unos 180.000, por otro disco de Enrique Rodríguez.
Gracias a su colección de 78 RPM, Jorge es desde hace muchos años habitual participante en los Encuentros Nacionales que organizan en diferentes partes del país los coleccionistas de discos en este formato
Prefiere los discos de pasta, pero si no es posible tener el que le gusta así, lo consigue en cualquier otro formato, mientras sigue buscando sin cansancio la edición en vinilo.
Muchos de sus discos de 78 RPM los perdió cuando su primera esposa los botó, calamidad a la que están expuestos muchos coleccionistas, aún en vida. Con unos pocos que le quedaron, se sintió en capacidad de participar en uno de los Encuentros de Coleccionistas de discos de 78 RPM que se realizan en Envigado. No conocía la dinámica del evento y cuando lo llamaron llegó la decepción y la vergüenza, al ser rechazado porque el disco tenía un casi imperceptible rayón. No se dio por vencido y siguió asistiendo, hoy en día es habitual participante en los Encuentros Nacionales que organizan en diferentes partes del país los coleccionistas de discos de 78 revoluciones por minuto.
Foto: Jess Ar | Jorge Restrepo en una de las habitaciones de su casa, ocupada completamente por discos de todo tipo, formato y género musical.
Su colección se remonta a unos 8.000 elepés, 10.000 discos compactos y aproximadamente 150 de 78 RPM. Está repartida en distintas habitaciones de su casa y en su taller, donde suena la buena música durante su jornada laboral. Los mantiene intactos y suenan lo mejor posible a pesar del polvo y la bulla propios del oficio. Un ritual que durante años lo ha identificado entre los coleccionista más apreciados de la ciudad.
En 2018 Ricardo Montoya fue ganador de la convocatoria municipal de Estímulos de la Secretaría de Cultura de Pereira con el trabajo Acetatos y vinilos: colecciones para la historia. Muchas de esas historias de vendedores, coleccionistas y lugares donde este formato musical es el protagonista hacen parte de nuestra sección Vinilocos.
Gustavo Colorado Grisales nos invita en esta ocasión a conocer uno de los escritores uruguayos más importantes de los últimos tiempos, Mario Levrero y su libro “La novela luminosa”, una especie de ¿Diario? ¿Novela? que confronta al escritor con su propio oficio.
Comprimido entre Brasil, Argentina, el Río de la Plata y el Océano Atlántico, Uruguay es el país donde nacieron dos grandes escritores que nos interesan de manera especial para este asunto: Felisberto Hernández y Juan Carlos Onetti.
Más bien ignorado por la crítica y los lectores el primero. Reconocido y consagrado el segundo, ambos son autores de una obra narrativa que, aunque disímil, a poco que uno se adentra en sus páginas encuentra un elemento común: las dos están habitadas por unos personajes fantasmagóricos que no alcanzan a asirse del todo a las anclas de la realidad.
Felisberto Hernández.
Juan Carlos Onetti.
La novela La casa inundada y el libro de cuentos Nadie encendía las lámparas, de Felisberto, narran historias que nunca se desanudan, porque los personajes jamás acaban de existir del todo. Es como si alentaran la idea- ya que no la esperanza- de que al otro lado del mundo los aguarda la mano que acabará de completarlos.
Algo parecido pasa con esos hombres y mujeres que van y vienen por un pueblo fantasma llamado Santa María, creado por Onetti a modo de albergue provisional para sus criaturas.
De algún modo, participan de la condición difusa de ese Bartleby creado por Herman Melville, un hombre en apariencia oscuro, pero en realidad poseído por la lucidez absoluta, al punto de que prefiere replegarse en una negativa a participar en los negocios del mundo. Cuanto más importantes parecen, más vacíos de sentido se revelan antes sus ojos.
Por eso, ante las seducciones del mundo y las imposiciones del poder, siempre se las arregla para responder: “Preferiría no hacerlo”.
Portada del libro La novela luminosa
De esa materia está hecho el libro La novela luminosa, del también uruguayo Mario Levrero, nacido en Montevideo en 1940 y muerto en la misma ciudad en 2004.
Para empezar, nunca sabremos si se trata de un diario personal que simula ser una novela o de una ficción construida con la estructura de un diario.
El Levrero personaje y el Levrero escritor plantean de entrada el primer acertijo: ¿Quién narra?
De cualquier manera, las dos terceras partes de la obra son el recuento diario de las dificultades para vivir y para escribir un libro.
La última es La novela luminosa propiamente dicha.
Para dejar las cosas claras- si tal cosa es posible en este libro pleno de equívocos intencionados- el autor nos advierte en el Prefacio Histórico a La novela Luminosa:
“Yo tenía razón: la tarea es y será imposible. Hay cosas que no se pueden narrar. Todo este libro es el testimonio de un gran fracaso. El sistema de crear un entorno para cada hecho luminoso que quería narrar, me llevó por caminos más bien oscuros y aun tenebrosos. Viví en el proceso innumerables catarsis, recuperé cantidad de fragmentos míos que se me habían enterrado en el inconsciente, pude llorar algo de lo que había debido llorar mucho tiempo antes, y fue sin duda para mí una experiencia notable. Leer eso, sigue siendo para mí removedor y aun terapéutico. Pero los hechos luminosos, al ser narrados, dejan de ser luminosos, decepcionan, suenan triviales. No son accesibles a la literatura, o por lo menos a mi literatura.”
Ya lo había dicho el poeta, refiriéndose al rapto amoroso: “Al penetrar en la sagrada esencia del misterio, lo único que hacemos es matarlo”.
¿Por qué escribe, entonces? Se preguntará el lector.
Por la misma razón invocada por los hombres a lo largo de los siglos: porque la vida está hecha de una materia tan vaga que solo el relato puede darle alguna forma.
El escritor Mario Levrero
Igual que Bartleby, el autor del diario y de la novela, preferiría no hacerlo y dedicarse a otras cosas: al vicio de la computadora que lo tiene enganchado con sus señuelos sin cuento. A la lectura de novelas policiacas baratas. A las pastillas tranquilizantes. Al análisis de sus sueños en una surte de parodia del sicoanálisis. A la búsqueda de un aparato de aire acondicionado que le permita sobrevivir al verano. A la observación de la conducta de las hormigas y las palomas. Al fantaseo sexual con mujeres deseadas que lo compadecen y, de paso, lo castigan con la más pavorosa de las formas de indiferencia femenina: la amistad.
Tiene, además, razones mundanas: ha sido beneficiado con una beca de la John Simon Guggenheim Foundation y tiene que cumplir con la entrega.
Por eso, la primera parte de la obra lleva el título de El diario de la beca. En sus páginas pretende consignar lo que la gente suele llamar Todo. Es decir, los múltiples rostros de la nada. Entre esos rostros están los amigos y las mujeres. Las amadas, las olvidadas y las que nunca llegarán.
Las que solo se insinúan a través de las experiencias luminosas. Es decir de los pliegues del sueño. Allí donde habita lo que no somos.
Existen muchos nombres para esas experiencias: milagros, visiones, revelaciones, Dios.
En su tarea el autor del diario parece a ratos un entomólogo o uno de esos investigadores que coleccionan hojas de plantas en un herbario. En todas las circunstancias, el principal objeto de estudio es él mismo.
La urdimbre infinita de sus máscaras.
De esa manera, prepara el terreno que le permite llegar, fatigado y torpe, a la escritura luminosa: el intento fallido de narrar sus encuentros con el milagro: el fulgor de unos ojos verdes, las avecillas que revolotean al otro lado de la muerte. La ternura de una prostituta. El sexo más allá del sexo intuido por los sabios de oriente. Un libro que se lee una y otra vez sin alcanzar nunca su final.
Es decir, el borde de lo inefable.
Ante lo inabarcable, quedan los tópicos. Algunos críticos han querido encontrar un parentesco con Kafka.
La fórmula es fácil y, por lo tanto, seductora.
Pero sería simplificar demasiado. Después de todo, Levrero propone un laberinto. No fórmulas para salir del laberinto.
El escritor Mario Levrero
Por eso su gran metáfora, como en toda la gran literatura contemporánea, es la ciudad. Su procesión de fantasmas que van y vienen sin saber si están vivos o muertos.
Así lo deja saber en un párrafo que funciona a modo de ajuste de cuentas:
“Pero también en aquel tiempo odiaba, a menudo, la ciudad; y era, aunque no supiera explicarlo, otra clase de odio. Tal vez el odio o el rencor del que ama y no es amado; la ciudad no tenía un lugar para mí, era hermosa y ajena. No era esta ciudad que, hasta hace poco, nos iba acorralando como una fiera desesperada, cubierta de heridas y desgarrones, azuzada y destrozada por fuerzas maléficas; ni esta ciudad de hoy, que miramos con la ternura con que se mira a una mujer enferma, a una mujer herida, a una mujer, quién sabe, con los dolores del parto.”
Hermosa y ajena como la ciudad: así es esta ¿Novela? ¿Diario? De Mario Levrero, que viene a sumarse a la desazón rediviva cada vez que nos asomamos a los relatos de sus compatriotas Felisberto y Onetti.
Tras el visto bueno por parte del Gobierno Nacional, los museos del país comenzaron con los trámites y las preparaciones pertinentes para recibir público luego de más de tres meses de cierre. El pasado viernes 3 de julio fue el turno para el Museo de Arte de Pereira que luego de implementar los protocolos de bioseguridad exigidos, regresa con sus exposiciones y habitual agenda de actividades culturales.
Por ahora el aforo será limitado y exigirá que los empleados del Museo y visitantes implementen de manera responsable todas las medidas requeridas por la ley.
El viernes 20 de marzo la entidad tuvo que realizar de manera virtual la inauguración de su Primera Temporada de Exposiciones 2020, estaba recién establecida la cuarentena y no había certeza hasta cuándo permanecería cerrado al público. Fueron más de tres meses de recorridos virtuales y contenido digital para mantener a las personas conectadas desde sus casas. A través de sus redes sociales y su canal de YouTube se realizó el Creatorio de Fanzine que eligió el 1 de julio su proyecto ganador, Moverse Kuir, de Nataly Prada Elejalde y que será publicado por Luz de Luna Editores. Por otra parte el 7 de julio fue la última sesión del proyecto Diálogos Críticos, que contó con varias artistas invitados a nivel nacional.
Con la reapertura, el Museo podrá recibir nuevamente a sus espectadores de manera presencial para visitar las exposiciones que estará disponible hasta el 23 de agosto de este año: Canto Rodado de Leonel Vásquez, Suelo Turboso de Carlos Bonil, Simbiosis Entrópica de Grey Cube Projects y algunas muestras del 19 Festival Internacional de la Imagen. Luego dará inicio a la Segunda Temporada. También se podrá asistir al resto de su habitual programación cultural.
Así se preparó el Museo de Arte de Pereira con los protocolos de bioseguridad.
Respecto a los procedimientos para implementar los protocolos de bioseguridad para el ingreso de público, Ignacia Vergara Batlle, Directora administrativa del Museo, explica:
“Una vez se ingresa se debe mantener el tapabocas de manera permanente, realizar la desinfección de la suela de los zapatos, de maletines y bolsos o elementos que traigan consigo. Luego se toma la temperatura, se realiza el lavado de manos y se toman los datos de acuerdo al formato que corresponda. Luego se dan las instrucciones sobre el distanciamiento social y la forma como se debe manejar el recorrido. Mantendremos las visitas guiadas virtuales y las presenciales serán con grupos de máximo 10 personas para poder mantener la distancia.”
Cada una de las salas cuenta con las señalizaciones respectivas para que los visitantes guarden las distancias. En los casos de montaje y desmontaje se tendrá solo el personal mínimo requerido, además todas las obras que ingresen por primera vez irán a un cuarto especial de desinfección.
El horario de atención será exactamente el mismo con el que se trabajaba antes del cierre. *Martes a viernes de 10:00 am a 7:00 pm * Sábados , domingos y festivos 10:00 am a 5:00 pm
Actualmente el Museo adelanta su proyecto Proyecciones poéticas, sesiones en Facebook Live que permite tener un diálogo con artistas nacionales que de manera continua han trabajado durante la cuarentena, proyectos artísticos ligados a los sonidos, a la imagen y a la tecnología; iniciativa que además es un homenaje al artista y poeta Jorge Eduardo Eielson.
Ya sea virtual o presencialmente el Museo cuenta con una programación y un conjunto de proyectos que no solo hacen frente a la pandemia sino que además nutren la programación de este año, en su aniversario 46.
En esta segunda entrega de Vinilocos, a cargo del investigador y melómano Ricardo Montoya, llegamos a la colección de Francisco Agudelo, un hombre que se ha obsesionado por el buen sonido de la música, las rarezas más antiguas en vinilo y una especial fijación por el formato de 78. Esta es su historia.
Hace unos 50 años empezó a comprar discos, especialmente las baladas que estaban de moda en los 60. En la década del 80 “se pone juicioso” y decide ser coleccionista; empieza a clasificar su música y compra equipos adecuados para escucharla de la mejor manera posible.
Actualmente tiene unos 2.000 elepés y cerca de 1.500 discos de 78 y 45 revoluciones por minuto; además de numerosos casetes. Tres tocadiscos, tres caseteras y dos amplificadores permiten a sus frecuentes invitados disfrutar de la música con un excelente sonido. En ese aspecto, el sonido, es muy cuidadoso como melómano de buen gusto.
La música de su predilección la ha denominado como “romántica vieja”, pues considera que popular no siempre es adecuado ya que muchas de las canciones que escucha no son populares, no se oyen en la radio, casi nadie las conoce, y para disfrutarlas hay que acudir a las colecciones o a las tertulias de amigos con similar gusto musical.
Foto: Jess Ar | Sufre cuando oye el ruido de un rayón generado por la aguja sobre el disco. Corre inmediatamente a limpiarlo, tiene hasta su propio ritual de limpieza y mantenimiento de sus tesoros de pasta.
Francisco es un hombre culto que tiene sangre y crianza en el ambiente cultural, hay músicos y escritores entre su familia. Su padre fue profesor y director de emisoras de radio, lo que en algún momento de su vida lo acercó a la realización de algunos espacios radiales de música. Hace poesía seria y también de tono picaresco. Escribe relatos que pueden reunirse como cuentos o quizá armar una novela. Además, canta con buena técnica.
El término de música popular no siempre es adecuado ya que muchas de las canciones que escucha no son populares, no se oyen en la radio, casi nadie las conoce.
Dice no ser hábil en recordar fechas o datos biográficos de los artistas que le gustan, ni tener la capacidad de identificar voces salvo en algunos casos muy puntuales. Pero sí se considera capacitado para complacer en gustos musicales a los amigos e invitados frecuentes a su casa, esos que han tenido la fortuna de conocer y disfrutar de su vasta discoteca. También es capaz de seleccionar la música adecuada para cada ocasión: humor, serenata de amor, despedida, bienvenidas. Con igual precisión receta canciones de música estilizada que se sabe de memoria, para aliviar dolores del alma, stress o angustias. Y acierta.
Posee un rasgo común de los coleccionistas: es cuidadoso con sus discos y los trata con mucha cautela, exagerada para muchos. Los guarda en sus respectivos empaques individuales y embalajes para llevarlos a los encuentros y tertulias de coleccionistas. Sufre cuando oye el ruido de un rayón generado por la aguja sobre el disco, corre inmediatamente a limpiarlo, tiene hasta su propio ritual de limpieza y mantenimiento de sus tesoros de pasta. PreviousColección Historia sonora del tango, escrita y contada por Horacio Arturo Ferrer. Algunas de sus páginas son discos elaborados en plástico.
Foto: Jess Ar | Entre su colección se encuentran discos de principios del siglo XX, de cartón, plástico, publicitarios, entre muchas otras rarezas buscadas por coleccionistas de todo el mundo.
En esta cofradía se respeta el hecho de no tocar los discos de otro, y mucho menos, tomar un ejemplar de la estantería del anfitrión sin su autorización. A propósito de esta costumbre, cuenta Francisco que alguna vez estaba de visita donde un sacerdote amigo y se acercó a mirar sus libros y discos; en determinado momento vio un papelito con una leyenda, se acercó más y leyó: “Dios mío, ¿qué haré para no meterme en lo que no me importa?”. Entendió el mensaje, y cuenta la anécdota a sus invitados cuando los sorprende haciendo lo mismo.
En las tertulias de coleccionistas se le ha despertado el interés por aprender más de música, en el sentido de ponerle cuidado y apreciar lo que cantan algunos intérpretes que no han sido de su agrado, pero en los que, por recomendación de otros contertulios, descubre maravillas que siempre han estado ahí y no les había puesto cuidado.
Paco se siente orgulloso de haber inducido a otras personas, afines en su afición, a asistir a los encuentros de coleccionistas y melómanos en Envigado, Bucaramanga y otras ciudades de Colombia, así como a visitar el Museo del disco y la música en Filandia, Quindío, porque siempre recibe el agradecimiento y los buenos comentarios de quienes siguieron su consejo.
Se inició como aprendiz de coleccionista con José Domingo Valencia, a quien le solicitó que lo dejara ir a su casa a escuchar discos para que le enseñara sobre música e intérpretes. Además le aprendió los rituales propios de una sesión de “poner y quitar discos”, algo que siempre practica meticulosamente cuando hace las tertulias en su casa.
se siente orgulloso de haber inducido a otras personas, afines en su afición, a asistir a los encuentros de coleccionistas y melómanos en diferentes ciudades de Colombia, así como a visitar el museo del disco y la música en Filandia, Quindío
En 1.984 visitó Montevideo donde se hizo amigo de los más connotados coleccionistas y conocedores de tango en Uruguay. Ellos lo llevaron a Buenos Aires y le mostraron todo el ambiente tanguero. Le grabaron muchos casetes con ritmos argentinos que después trajo a Pereira. Nadie por acá conocía o tenía esa música, lo buscaron insistentemente con el interés de copiarla para hacer discos en vinilo piratas. Hasta hoy sigue teniendo relación con sus amigos uruguayos, quienes le envían discos o se los consiguen para que Francisco los recoja cada vez que viaja al sur.
Foto: Archivo particular | Lo primero que hace cuando visita otro país, e inmediatamente después de bajarse del avión, es buscar esos viejos y remotos lugares donde comprar discos. Siempre hay uno que lo espera.
Su última visita fue en 2.018. Viajó a Buenos Aires y a Montevideo con su hija y unos amigos. Como ella y uno de los compañeros de viaje no son coleccionistas, los utilizó como “mulas” para traer parte de su cargamento de joyas de acetato.
En 2018 Ricardo Montoya fue ganador de la convocatoria municipal de Estímulos de la Secretaría de Cultura de Pereira con el trabajo Acetatos y vinilos: colecciones para la historia. Muchas de esas historias de vendedores, coleccionistas y lugares donde este formato musical es el protagonista hacen parte de nuestra sección Vinilocos.
La película escribe como una pintura realista los problemas económicos por los que pasa un cubano para llegar a fin de mes. Muestra ese país que muchos por sus creencias no quieren ver, nos pone de frente con su realidad y problemas.
Ficha Técnica:
Título original: La singular historia de Juan sin nada
Producción Ejecutiva: Vangui films/ FilmsNomade/ Cooperativa Producciones
Género: Documental
Reconocimientos:
2018 Sneak Preview, Cuban Cultural Center
2017 Official Selection, Latin American Studies Association Film Festival (LASA)
2017 Official Selection, World Cinema Film Festival Amsterdam
Sinopsis
Juan es un obrero que vive únicamente de su salario que es de 250.00 CUP. No tiene ninguna otra entrada extra de dinero y recibe por su cuota de la canasta básica: 7 libras de arroz, 4 libras de azúcar, 1/2 libra de aceite, 5 huevos, 11 onzas de frijoles, un pan diario, una libra de pollo. ¿Le alcanzan estos productos a Juan hasta final del mes? ¿Cuánto tendría que consumir diario?, ¿Qué hace Juan con 250,00 CUP? El documental transita por estas interrogantes a través de este personaje que aun así́ siente optimismo y está atento a cada cambio que se avecina, analiza los precios del agro mercado, filosofa sobre la doble moneda, debate sobre la corrupción.
Cartel oficial de la película | Tomada de: www.facebook.com/lasingularhistoriadejuansinnada
Cuba es un país que despierta amores y odios en Colombia. No se puede pasar desapercibido cuando en medio de una conversación evocamos al país de los barbudos, de Silvio Rodríguez o Celia Cruz. Idealizamos o repudiamos.
A Belén de Umbría (Risaralda) llegó en medio del sexto Festival de Cine por los Derechos Humanos la película-documental cubana La singular historia de Juan sin nada y junto a ella su director y guionista Ricardo FigueredoOliva
Caminó por el teatro municipal con la mayor confianza, como si estuviera en su Cuba natal, bebió del café y se tomó fotos con los niños del pueblo. El gran logro de este festival fue invitar a este cubano a charlar con los habitantes de un pueblo cafetero. Así se vio a Ricardo, conversando con las personas, respondiendo y también haciendo preguntas; conversaciones para anular las distancias que hay entre dos países tan distintos como Cuba y Colombia. También para espantar idealizaciones y ahuyentar odios.
El director Ricardo Figueredo Oliva junto al actor protagónico | Tomada de: www.facebook.com/lasingularhistoriadejuansinnada
El documental describe como una pintura realista los problemas económicos por los que pasa un cubano para llegar a fin de mes. Una libreta que sirve para reclamar un pequeño mercado que no dura más de diez días, una moneda devaluada y un salario que hay que estirar para conseguir los demás productos, un mercado negro, una segunda moneda de cambio, el dólar, el bloqueo… Juan habita un laberinto económico del cual no se sabe si existe la salida.
Al final Ricardo Figueredo, con la confianza que da el arte y la alegría que lleva en las venas -herencia del mestizaje cubano- dio la oportunidad a los asistentes de preguntar y opinar respecto a la vida en Cuba. Sin las pretensiones de un político comunista o un detractor, se dejó llevar por la palabra.
¿Cuba es el paraíso?, ¿Cómo hacer cine en un país, al parecer, con tantas restricciones?, ¿Los cubanos viven esclavizados?, ¿Cómo les va a los defensores de derechos humanos en Cuba? Preguntas y más preguntas se fueron dando en el ambiente y Ricardo, con el cariño de la gente del caribe, fue respondiendo una a una.
El objetivo de la película es mostrar la Cuba que muchos por sus creencias no quieren ver. Se hacen la imagen de un paraíso en la tierra; lo cual no es cierto, los cubanos enfrentan problemas serios en su cotidianidad y los políticos, como en todos los lugares, no hacen mucho por solucionarlos, relata Ricardo.
Tomada de: www.facebook.com/lasingularhistoriadejuansinnada
Esto no les gusta a muchos, en especial a esos comunistas de libros que se han formado una imagen romántica de Cuba. Sí, Cuba tiene grandes triunfos, al igual que grandes problemas y el cine es una forma de retratar esa realidad que muchos no quieren ver. Así se expresa Ricardo, mientras se mueve de un lugar a otro, se inclina y observa a las personas que lo escuchan.
Tampoco voy a desconocer los avances que tenemos, por ejemplo: que una mujer pueda practicarse un aborto en cualquier circunstancia o que un padre pueda ir a la cárcel diez años por no enviar a su hijo a la escuela. Medidas que, unidas a la buena educación y salud, beneficien a todos los cubanos.
Es indispensable conversar alrededor de la complejidad cubana.
www.facebook.com/lasingularhistoriadejuansinnada
Tras la pregunta de los derechos humanos, Ricardo, confiesa que el tema no es bien visto en Cuba (para muchos comunistas se ha utilizado como arma ideológica de la derecha); sin embargo, relata que allá a nadie lo han matado por defenderlos y espera que no imiten lo que sucede en Colombia, donde casi a diario muere un líder social o un defensor de derechos humanos. El auditorio guardó silencio y todos agachamos la mirada.
Así en medio de la charla, se revela que La singular historia de Juan sin nada, es un ejercicio de atreverse a ver de frente la realidad y los problemas de un país. Tanto en la vida privada como pública se evaden las responsabilidades y se oculta el fracaso.
El arte, en este caso el cine, trae a la luz aquellas dificultades que tienen los cubanos.
Compartimos una selección de poemas del libro Voces de poetas del escritor Mauricio Peñaranda (Pamplona, 1962) con el que fue ganador en 2016 de la Convocatoria Municipal de Estímulos de la Secretaría de Cultura de Pereira en la modalidad de Poesía.
“En estas prosas poéticas, los epitafios iluminan el alma de escritores muertos y pueden ser leídas como una historia de la literatura, como una pequeña novela. En estos fantasmas resplandece lo desconocido del sujeto biográfico, lo incomprensible e inenarrable del sujeto textual, la conexión simbólica de este universo incompleto y truncado por la parca.
Estas palabras con poder, estos monólogos – flujos de conciencia – encierran la fuerza del ser, la divinidad que siente la dolorosa contradicción de su parte de absoluto y sus múltiples y efervescentes máscaras. El escritor plural en este libro es un “yo metafísico”, no una personalidad.”. Jorge Cadavid, del prefacio.
Voces de poetas Mauricio Peñaranda Poesía 2016 Colección Escritores Pereiranos Instituto Municipal de Cultura y Fomento al Turismo de Pereira Páginas: 77
Rubén Darío
Francisca Sánchez, en esta soledad definitiva espero tu piedad, aquel bastón que fuiste, tu abrazo incondicional en la derrota. Cuando la Primera Guerra Mundial nos separó, pensaba en América en nuestro pisito de la calle Marqués de Santa Ana de Madrid, te imaginaba trajinando entre nuestras cosas, guardando mis cartas en tu cajón azul donde albergabas parte de mi obra y depositabas los sobres desbordados de sueños, proyectos y promesas que no pudieron ser; pensaba en Güicho, en mi dolor por no verlo crecer y en esa guerra larguísima que no parecía terminar. Y la muerte llegó, Francisca, y sigo pensando en ti, y siento que ya no es el océano el que nos separa, sino la eternidad.
José Asunción Silva
No concibo cómo ningún crítico señaló Nocturno como la manifestación de un sueño recurrente. Quienes cuestionaron mi soledad, entendieron después de mi muerte que Elvira fue la causa.
Aquella noche coloqué la mortaja sobre su desnudez, besé sus labios y lloré mi viudez devotamente. Años más tarde, el doctor que dibujó la solicitada señal en mi pecho me entregó como un símbolo la llave que abriría el cerrojo que me impedía llegar hasta ella.
Virginia Woolf
Leonard, querido:
Ya no escucho las voces imaginarias que aquí, al menos me servirán de compañía. Pero es desconcertante la desmesura del silencio sin el canto de un pájaro, sin una voz que pueda quebrantarlo.
¡Cuánto me cuidaste, de qué forma me defendiste de mis fantasmas, cómo luchaste por propiciarme espacios de quietud!
Recuerdo:
Sentada en una cómoda silla de playa, contemplaba por horas el vaivén de las olas y solía perderme en la inmensidad del mar…
Te confieso que muchas veces deseé no volver.
Alejandra Pizarnik
Me prometí llegar al más allá, como Alicia en el país de las maravillas con los ojos desmesuradamente abiertos. Así lo hice…, pero nada vi.
William Faulkner
Tampoco en este lugar he cambiado. Siguen rondándome los espectros de grandes políticos, artistas y toda suerte de personajes ilustres. Huyo de todos. Fui hecho para entenderme sólo con granjeros.
Wislawa Szymborska
En este lugar nada ocurrirá. Sólo el recuerdo de un pájaro muerto o un hombre que mira el reloj una y otra vez. Cosas tan simples que no pasan de ser más que un vuelo cumplido y un encuentro que no se producirá.
Reseñas
“Hay una ternura sencillísima que emerge de este libro. Más allá del título, que resulta demasiado pragmático, Voces de poetas es un inventario de lecturas y memorias que no tiene un orden determinado. El poeta se deja arrastrar por la experiencia como lector, que en este caso es también la experiencia vital, y desnuda en cada caso su visión de la vida (la suya y la de los otros).
Peñaranda hace un inventario de vidas ilustres y su simple pero encantadora miseria. El libro inicia con la voz de María Zambrano y termina con la de Carlos Drummond de Andrade, entre ambos hay 49 escritores que, de forma enternecedora, nos hablan desde la muerte a través de la palabra del autor pamplonés.
Es una compilación de voces que desde la muerte, ese otro territorio del exilio, busca apalabrar la vida que mediante la voz de Tomás Eloy Martínez (cada poema es un nombre ilustre) se resume en una convicción: la vida es solo una extensa pesadilla de la muerte.” Diego Alexander Vélez Quiroz
“Mauricio Peñaranda es el leal compañero de esos bellos escritores muertos. De ahí la autoridad para hablar de cada uno de ellos. Porque los conoce, los ama, los odia, los contempla en la soledad de su creación, detalla sus manías, sus deseos y los retrata entre anécdotas telegráficas escritas en primera persona. Aunque, es necesario decir, que no estamos frente a un biógrafo, sino ante alguien que multiplica los pequeños rasgos, los tics físicos, las expresiones auténticas, los testimonios, resucitando seres humanos de una masa de documentos, y de la ingratitud del olvido de los lectores.” Diego Firmiano
Mauricio Peñaranda (Pamplona, 1962) Vive en Pereira hace dieciséis años dedicado a escribir. Adelantó estudios de lingüística y literatura en la Universidad de Pamplona, donde fue director de teatro. Descubrió los libros a los 6 años y desde ese momento no ha dejado de vivir un solo día sin ellos. Ha sido ganador y finalista de varios concursos nacionales de literatura, entre ellos, el concurso nacional de cuento Carlos Castro Saavedra. En 2016 fue finalista del premio de novela corta de la Pontificia Universidad Javeriana. Ese mismo año publicó Voces de Poetas, ganador de la Convocatoria Estímulos 2016 Colección Escritores Pereiranos. En 2019 nuevamente fue ganador y en esa misma colección publicó El Último Exilio. Tiene inéditas tres novelas infantiles.
Hoy celebramos el Día del Padre y PlanC te invita a conocer un especial con semblanzas de padres e hijos de la ciudad de Pereira que han dedicado su vida a la literatura, el periodismo, la música, el arte y la fotografía. La vocación no se pierde y el legado pasa de generación en generación con proyectos culturales de alto impacto.
Les compartimos a continuación 5 historias de 10 personalidades pereiranas, cuyas obras han sido fundamentales en el desarrollo cultural de la ciudad.
A pesar de la queja común y bien sabida de que el arte, y en si todo proceso de creación, es un esfuerzo constante de supervivencia; la pasión y el convencimiento de muchos han sido claves para ejercer múltiples oficios creativos a pesar de las vicisitudes.
Siempre hay personas dispuestas a tomar el desafío con tal de seguir su vocación, o en este caso, familias que están dispuestas a mantenerse en el riesgo.
Literatura
Padre: Miguel Álvarez de los Ríos
Foto extraída del libro Miguel Álvarez de los Ríos, forma y estilo del periodismo literario (UTP) de los autores Rigoberto Gil Montoya y Álvaro Acevedo Tarazona. Miguel Álvarez de los Ríos en: | * Sala de redacción del periódico El Espectador en 1967. 2* Asistente de dirección del Diario de Occidente, Cali, 1992. 3* En su estudio en Pereira, 2007.
El periodismo y el derecho usualmente no son campos afines o complementarios. Sin embargo, cuando se tiene la visión necesaria para mezclarlos, pueden convertirse en herramientas poderosas para el ejercicio reflexivo. Y un hombre reflexivo y referente de las letras en la ciudad es Miguel Álvarez de los Ríos.
Nació en Pereira el 6 de Junio de 1935. Fue reconocido como doctor honoris causa en la Universidad Tecnológica de Pereira y escogido por el PRI para ser condecorado con la Medalla Honor al Mérito Periodístico “Libardo Gómez Gómez”.
En cuanto a su legado, fue fundador junto a la doctora Martha Lucia Eastman de la Academia Pereirana de Historia y de la Sociedad Bolivariana del Parnaso Literario del Eje Cafetero, un espacio dedicado a fomentar y reconocer lo más destacado de la literatura y la poesía a nivel regional y nacional.
Periodista como muchos de la vieja usanza, que se forjó de manera empírica pero con rigor, ejerció el periodismo con altura aun cuando no existía en la región un sector académico o formativo que definiera los parámetros técnicos y teóricos del oficio. Mezcló además su calidad periodística con una pasión desbordada por la literatura y la poesía.
Miguel Álvarez forjó una carrera de más de cincuenta años de oficio, obteniendo el estatus de uno de los mejores periodistas del país, así como uno de los ciudadanos más ilustres de Pereira. Un hombre poliglota y con un gusto refinado para la música y la pintura.
Otro gran escritor de la región, Cesar Montoya Ocampo, definió a Miguel Álvarez en el medio Eje 21 con las siguientes palabras: “Álvarez de los Ríos tiene un cerebro relampagueante. La avidez sin fatiga de sus lecturas y el parto diario de sus musas lo han convertido en el epicentro intelectual de Risaralda”.
Foto extraída del libro Miguel Álvarez de los Ríos, forma y estilo del periodismo literario (UTP) de los autores Rigoberto Gil Montoya y Álvaro Acevedo Tarazona. Miguel Álvarez de los Ríos, su hijo Juan Miguel y su esposa Eunice, Pennsylvania, Estados Unidos, 1995.
Hijo: Juan Miguel Álvarez
Al igual que su padre, se ha encaminado a la lo largo de su vida por el camino del periodismo y las letras. Quizá sea previsible que alguno de los seis hijos terminara siguiendo sus pasos, sin embargo, el ejemplo y el apellido no son suficientes para hacerse un nombre y el reconocimiento dentro del periodismo nacional. Se requiere además talento y disciplina, y Juan Miguel posee ambos.
Nacido en 1977 en Bogotá, ha logrado destacarse gracias a títulos como Balas por encargo (2013) y Verde tierra calcinada (2018), además de una vasta producción de reportajes y crónicas en numerosas publicaciones a nivel nacional, siendo la revista El Malpensante su principal casa editorial. Ganador del Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar 2017, en la categoría de Crónica, y 2018 en Reportaje en prensa escrita. Fue incluido además en la selección oficial final del premio de periodismo Gabriel García Márquez.
A través de su mirada a una amplia diversidad de temas en cultura, derechos humanos y conflicto colombiano ha encontrado una manera bien profunda y humana de analizar ese complejo iceberg que es la violencia de nuestro país. No obstante, el hecho de analizar un fenómeno no implica que se deba ser pretencioso. En la revista Arcadia, hablando de su libro Verde tierra calcinada, aseguró:
“Escribir creyendo que uno puede ayudar a construir memoria es un error de cálculo.”
Sobre su padre no ahorra en elogios, en una entrevista con el diario El Tiempo, explicó lo que significa su legado para la ciudad. “En las calles de Pereira mi padre es un monumento vivo a la humana civilidad pensante”.https://www.instagram.com/p/BqOXD_kBGOo/embed/captioned/?cr=1&v=12&wp=540&rd=https%3A%2F%2Fwww.plancpereira.com&rp=%2Fcopia%2Fmiradas%2Fpadres-e-hijos-creadores-de-la-region-cafetera%2F#%7B%22ci%22%3A0%2C%22os%22%3A6377.200000047684%2C%22ls%22%3A6137.299999952316%2C%22le%22%3A6265.599999904633%7D
Al recibir en 2018 su segundo Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar, Juan Miguel Álvarez escribió en su cuenta de Instagram: “El origen estuvo aquí conmigo una segunda vez”.
Música
Benjamín Cardona y Daniel Cardona
La música en los Cardona está muy ligada a las generaciones pasadas. Los tíos y el abuelo de Benjamín eran bastante hábiles en la interpretación de instrumentos de cuerda como la guitarra, la bandola y el tiple. Benjamín desde muy chico veía a su abuelo dando serenatas a su abuela, lo que lo llevó a emprender su camino con la música, tocando la guitarra y recordando lo que interpretaban sus abuelos y sus tíos en su vereda de nacimiento, Villa Rica en el Tolima.
A causa de la violencia de la época la familia de Benjamín llega a Pereira. Comienza su formación en el Conservatorio de Bellas Artes ubicado en aquel entonces en el parque El Lago. Fue destacado alumno y además uno de los responsables de impulsar el área de cuerdas típicas de la Universidad Tecnológica de Pereira.
Archivo particular.Benjamín y Daniel, siempre unidos a través de la música.
Con este legado su hijo Daniel al observar el arduo trabajo de su padre y sus sesiones de estudio de guitarra y de guitarra clásica, decidió ingresar en el mundo musical a través del violín e inició sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de la misma universidad, haciendo parte para la Orquesta sinfónica Juvenil e infantil Batuta.
«Este se convierte en un momento muy memorable para nosotros y lo recordamos con mucho entusiasmo.”, recuerda Daniel Cardona.
La influencia de Benjamín en la trayectoria de su hijo no solo fue a través de su ejemplo, sino a través de su buen gusto, así recuerda Daniel sus influencias musicales y los artistas que escuchaba en su infancia.
“Mi influencia ha sido la música Latinoamericana, también escuché mucha música clásica. De pequeño a mi padre le gustaba comprar la colección de los grandes compositores de música clásica, allí había un gran repertorio en cuanto a música europea y yo disfrutaba mucho de esto. Recuerdo que había un vinilo de Heitor Villa Lobos y empecé a disfrutar mucho de la música brasileña y con el tiempo empecé a interpretar canciones de la música popular brasileña en la guitarra.»
Arte
Jesús Calle y Pablo Calle
La pintura en los Calle ha sido una de las actividades primordiales de la familia. Como en muchos casos en el mundo del arte y la cultura, los hijos inevitablemente terminan ejerciendo el oficio a sus padres, y a pesar de las dificultades, la pasión sigue presente en el hogar.
“Empecé hace más de 45 años mi trayectoria en el arte, más o menos desde los 16 o 17 años. Llegué a Pereira en 1978 y comencé mi formación en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad Tecnológica de Pereira ubicado en el Lago Uribe.”, comenta Jesús Calle.
Archivo particular. Jesús Calle, de fondo uno de sus cuadros
En estas décadas de carrera artística, Jesús no solo se ha consolidado como un artista a nivel individual, sino que también ha posibilitado que muchos artistas expongan su trabajo y su obra a través del proyecto La Cuadra que él inauguro hace 20 años con otros amigos y vecinos artistas del sector de La Circunvalar.
Respecto a la evolución de su trayectoria y su estilo, Jesús menciona.
“El estilo es algo que se va dando con el hacer, con el ejercicio constante de creación en el cual uno se va afianzando e identificando que camino a seguir. Yo tengo algunas obras que las llamo puntos de quiebre, obras que marcan la singularidad de mi trabajo.
En mis inicios yo pintaba con mucha pasión y mucho entusiasmo, casi sin reflexionar en lo que hacía, hasta que llegaba un momento en el que yo decía ¿qué estoyhaciendo y para qué lo estoy haciendo?
Hay obras que he visto muchos años después y me pregunto cómo las hice, en qué contexto o bajo qué circunstancia pude crear obras tan agradables. También me sucede con otras obras, las veo y pienso ¿yo por qué trabaje esto? o qué irresponsable de mi parte haberlo hecho.”
Archivo particular. Jesús Calle y su hijo Pablo, en uno de tantos viaje juntos.
Hasta hoy Jesús ha hecho más de 90 exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional. Sin embargo, es claro al momento de reconocer que vivir del arte es algo crítico: «Uno no vive del arte, uno se muere del arte».
A pesar de estas preocupaciones y de los retos que puede traer el arte para la supervivencia, su hijo Pablo seguiría sus pasos. Difícil no seguirlos cuando desde pequeño ha estado rodeado del trabajo de su padre, de pinturas y lienzos por toda la casa. Pablo comenzó a jugar con los pinceles y a rayar en el taller de su padre, aunque su estilo y su camino en el arte son diferente al de Jesús.
“Lo más importante de Pablo es que es un creador que trabaja de acuerdo a la época, se expresa con la misma libertad de un artista moderno.”, explica Jesús.
En el 2017 se llevó a cabo en Francia una exposición que mostraba los trabajos de padres e hijos que miraban el arte desde dos épocas y miradas distintas. Jesús insistió a sus hijos que la vida en el arte era difícil, sin embargo eso no disminuyó el compromiso de Pablo con el arte ni el de su hermana Daniela que ve en el arte una profesión complementaría a la suya, que es la geología.
A pesar de que el arte es un esfuerzo constante por la supervivencia, la pasión y el convencimiento han sido claves para ejercerlo a pesar de las vicisitudes. Siempre hay artistas dispuestos a tomar el desafío con tal de seguir su vocación, o en este caso, familias que están dispuestas a tomar el riesgo.
Poesía
John Harold Giraldo y Camilo Giraldo
En el tiempo de cuarentena se pudo observar como algunos actores del sector cultural pereirano se dedicaron a la lectura de obras literarias a través de sus redes sociales, uno de los aspectos a destacar de estas lecturas es que en muchos casos se hicieron en familia. Dos a destacar fueron: el cuentero y escritor Carlos Vicente Sánchez “Cavisa” con sus dos hijos y John Harold Giraldo con su hijo Camilo. En el caso de John Harold, su hijo Camilo compuso algunos poemas y los leyó en las sesiones de lectura, estos poemas contaron con una buena aceptación por parte de los usuarios que se conectaban.
Archivo particular. John Harold Giraldo vive con su hijo Camilo en La Florida, un ambiente rural perfecto para la poesía.
John Harold actualmente se desempeña como docente en la Universidad Tecnológica de Pereira, durante su época de estudiante comenzó a sentir curiosidad por los autores de la poesía local, exactamente desde que estudió en la Institución Educativa Luis Carlos Gonzales Mejía. Comenzó a preguntarse quién era Luis Carlos Gonzales y cuál era su obra.
“El interés por la poesía en realidad no tiene un inicio y probablemente tampoco tenga un fin, porque la poesía está inmersa en muchos aspectos de la vida diaria”.
Comenta John Harold quien es autor de dos libros sobre poesía: Poemas sin prisa para leer en los semáforos y Poemas para leer entre dos ríos.
Su hijo Camilo está cursando aún el bachillerato, sin embargo, desde ya comienza a interesarse activamente por la literatura, su interés nace de la imitación y el ejemplo. Con la llegada de la cuarentena, John Harold decidió inventarse una actividad que pudiese realizar con su hijo al mismo tiempo que sirviera para distraer a la gente en sus casas. Contagio poesía fue el nombre de las lectura a dúo de poetas locales hechas a través de Facebook live durante 40 noches, día tras día. El proyecto terminó siendo uno de los ganadores de la convocatoria Cultura en casa de la Secretaría de Cultura de Pereira, lo que asegura una segunda temporada.
Contagio poesía, lecturas de poetas locales en tiempos de cuarentena:
“Camilo es una persona que ya empieza a preguntarse seriamente por el mundo, es un gran aficionado de la naturaleza y la fotografía, pero al mismo tiempo se plantea como un ingeniero de sistemas. Aún está en noveno así que le falta un poco para graduarse y decidir su verdadera vocación.”
Camilo seguirá acompañando a su padre no solo en este proyecto, sino también – ya lo había hecho antes ocasionalmente – en lecturas bohemias o conversatorios sobre poetas, donde siempre termina participando. A través del ejemplo, pero sin influenciar directamente, el interés y talento de Camilo para la poesía empiezan a crecer de manera genuina.
Fotografía
Padre: Javier García
“Soy una cuestión muy ecléctica, muchas cosas, una revoltura muy miedosa”. Así se define Javier García en una entrevista con el medio La Cola de Rata, mientras hacía referencia a su carácter multifacético.
Javier García junto a Jesús Calle, Viviana Ángel y Carlos Enrique Hoyos crearon en el año 2000 uno de los espacios artísticos y de esparcimiento más conocidos y representativos de la ciudad, La Cuadra.
La fotografía siempre ha estado en la sangre de los García, pues el padre de Javier García, Donato García, fue también un representante de la fotografía pereirana, precisamente las fotografías de su padre Donato fueron claves para la exposición Pereira: Álbum de su historia, que se realizó en el 2013 con motivo del aniversario 150 de la ciudad. Si existe en Pereira un hombre que dejó un vívido legado de la ciudad de décadas anteriores, de gran parte del siglo XX a través de sus fotografías, fue Donato García Ramírez.
Por otra parte Javier, tendría su primera exposición fotográfica en 1977 con una muestra titulada El Color en Javier García, una exposición que tuvo lugar en la antigua sede de la Cámara de Comercio de Pereira.
El estilo de Javier, más allá de rescatar el legado costumbrista y urbano de la ciudad, según comenta su hija María García Isaza, también tiene la virtud de resaltar la belleza en espacios que convencionalmente no se asociación con este concepto. Escenarios aparentemente simples terminan convirtiéndose en dignos de admirar gracias a su lente.
Archivo particular. Javier García y su hija María en Jericó, Antioquia, de visita a una de las esculturas del artista Martín Abad Abad, gran amigo de la familia.
Hija: María García Isaza
Actualmente se desempeña como coordinadora cultural de la Alianza Francesa de Pereira, artista plástica y fotógrafa, al igual que muchos de los miembros de su familia. Según describe ella sus inicios en la fotografía fueron muy naturales, al fin y al cabo su abuelo, su padre y su tío eran fotógrafos con estilos bien definidos y en toda la casa había cámaras fotográficas.
Las fotografías más recurrentes en la casa de los García eran fotos de puertas y ventanas de los pueblos. Desde los nueve años María comenzó a tener contacto con las cámaras fotográficas y a los quince obtuvo su primera cámara fotográfica profesional, una réflex manual.
María tuvo un mayor interés por la fotografía que su hermana. Por eso para ella era común viajar con su padre en busca de fotografías, en primera instancia su padre le enseñó todo sobre la imagen y sobre la cámara, a medida que pasaron los años, ella se fue soltando y encontrando su propio estilo.
«Una de las tradiciones comunes de la familia es que la responsabilidad de tomar fotos de eventos familiares se legaba a diferentes miembros de la familia, por eso en cada ocasión siempre hay alguno que no está en la foto debido a que justo le tocó ser el fotógrafo. Era una costumbre muy curiosa y muy bonita aunque se ha ido perdiendo debido a que hoy en día cualquier miembro de la familia puede ser el fotógrafo, pues todos los celulares tienen cámara»
María no solo siguió sus pasos desde la fotografía, sino involucrándose también en La Cuadra y siendo curadora del archivo familiar para la exposición de 2013 Pereira: Álbum de su historia. Ha realizado también muestras individuales de su obra en diversos espacios expositivos de la ciudad.
Desde hace quince años encontró su cámara ideal, una Nikon D7000. Ella menciona que lo más importante es hallar una cámara con la que el fotógrafo se sienta cómodo, aprenderla a manejar a la perfección y luego dedicarse completamente a la imagen y al concepto que se quiera desarrollar.
Una variedad interesante de mujeres artistas independientes que han logrado un lugar importante en la escena cultural del país. La invitación es a tener estos nombres dentro del radar y dar un vistazo a sus obras.
Las diversas expresiones culturales reciben un aporte fundamental por parte de la mujer. Quizá en épocas anteriores, el arte, la literatura y la pintura eran ámbitos casi netamente masculinos, sin embargo, los tiempos actuales indican que la creación femenina ha ganado terreno y las condiciones para su circulación y posicionamiento han mejorado. Nunca fue un asunto de talento. Hay demasiado todavía por escribir, pintar y contar.
A continuación, algunas de esas propuestas desde diferentes frentes de la cultura en el Eje Cafetero.
COMIC Y DIBUJO
Laura Henao // Pereira, Risaralda
Foto: Laura Henao
Dibujante de comic que ha logrado destacarse por su estilo y su forma de crear historias, que van desde vivencias personales hasta temas de interés social, atravesados por temáticas feministas. Trabaja con la editorial Zarigüeya y la librería Mutante. Ha sido destacada por la revista Bacánika y por el portal A partir de la raya, medios que se dedican a seguir y promocionar el talento joven y artístico a nivel nacional.
Dibujante de comic que se ha destacado en el fanzine, un formato de diseño manual con temática libre y que trata de profundizar en diversos temas a través de una estética mucho más dinámica que las revistas comerciales tradicionales. Ha participado en Dr. Fausto Comic, un medio de la ciudad de Manizales, al mismo tiempo que ha sido destacada por la revista Bacánika. Al igual que Laura, el feminismo es un tema que definitivamente toca su interés y ha realizado dibujos para algunos colectivos feministas de la región como Maleza.
Uno de los personajes femeninos más reconocidos del arte en Colombia, artista plástica que se desenvuelve en el género pop expresionista, surgido en la Europa de los años 50 y que buscaba convertirse en un vehículo crítico para temas relacionados con lo social, lo económico y el consumismo. Ganadora del Premio del Salón Nacional de Artistas en 1974, ha sido autora de trabajos polémicos sobre la prostitución y el tratado de paz. Más allá de sus habilidades artísticas, también ha desarrollado estudios en diseño de modas y modelaje en la Lucy Clayton School de Londres.
El hecho de haber pasado parte de su vida en Inglaterra le ayudó a tener una visión un poco más completa del mundo, y desde esa perspectiva comenzar a desarrollar su obra artística. La mujer y sus diversos roles ha sido uno de sus mayores temas: desde la típica ama de casa hasta la no muy bien ponderada prostituta. Mujeres en tonos amarillos; sonrientes, pero a la vez deformes, solas o en pareja, esa es la esencia de su lenguaje.
Cada lugar al que viaja le sirve de inspiración: desde la fría Bogotá hasta la alegre Cali, la gris Londres o la coqueta París. Una artista que ya cuenta con una amplia trayectoria y que a sus 72 años aún tiene mucho por decir. En el año 2017 estuvo en el Museo de Arte de Pereira con su exposición Abrazos. Está reconocida en la enciclopedia de mujeres notables del Banco de la República, allí mismo también se puede encontrar gran parte de su colección.
Artista pereirana que cuenta ya con una amplia trayectoria a nivel nacional e internacional. Su pseudónimo artístico es Elsavictorios. Su más reciente reconocimiento fue el premio a la excelencia en Haegeumgang Theme Museum Korea, ubicado en Geoje, Corea del Sur, en 2019. Formada en la Universidad Tecnológica de Pereira y residente en Florida (USA), se ha forjado como una artista plástica de nivel.
Su éxito, sin embargo, no es algo nuevo. En 1996 hizo parte de una exposición en la Galería Rotini en la ciudad de Livorno, Italia. Sus obras hacen alusión a la bicicleta, un medio de transporte cada vez más representativo. En Florida no solo se siente como en casa, sino que además se ha forjado como una de las artistas latinas a referenciar.
Artista visual que, aún antes de graduarse en octubre de 2019, logró ingresar y además ser la ganadora del XVII Salón de Artistas Quindianos en el cual participaron 49 promesas jóvenes del departamento. Los jurados fueron artistas reconocidos y con amplia formación académica: Elkin Rubiano Pinilla, doctor en Arte y Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia, sede Bogotá y docente de la Universidad Jorge Tadeo Lozano; Luis Eduardo Cruz Mondragón, magister en Artes de la Universidad de Caldas y docente de la Universidad del Cauca; y Emilio Tarazona Mata, investigador y crítico de arte peruano.
La obra con la que Vanessa ganó se denomina Hilos Afectivos, y fue además cedida con el objetivo de enriquecer la colección del patrimonio artístico de la ciudad de Armenia. Actualmente trabaja en el taller artístico La Pieza Gráfica.
Artista que solo requiere una pintura a base de agua y vinílica tipo 1 para exterior, lo demás lo hace su talento e imaginación. Tuvo sus inicios en el Festival Biocultural de Manizales en el año 2014. Utiliza la fotografía como base, después realiza unos bocetos y finalmente pasa el diseño a gran formato a través de un extensor.
En sus obras la figura de lo femenino es protagónica, diseña varios tipos de mujer que representan algún concepto personal o social, casi siempre fuerte y persistente. Ha sido destacada por la revista Bacánika como una de las artistas de mayor proyección en la escena de los murales en el país, aunque no todo ha sido grato para ella. En una entrevista admitió que alguna vez una de sus obras en Popayán recibió rechazo, pues no era común ver una mujer de talla grande en uno de los murales de la ciudad, obra realizada en el encuentro de mujeres Color Vecino.
Al igual que Valentina De la Calle, Mugre Diamante se ha consolidado dentro del contexto del arte en mural del país. Actualmente reside en Bogotá y también ha sido mencionada por la revista Bacánika como una de las artistas colombianas que hay que tener en cuenta dentro de la escena grafitera nacional.
Actualmente se encuentra trabajando en el colectivo de diseño A tres manos de la ciudad de Bogotá. Recibe inspiración de donde sea: la música, las letras o de su propia improvisación. Con esa lluvia de ideas desarrolla un concepto y luego lo convierte en arte para un mural. Uno de los elementos que nunca falta en sus obras son las Buganvilias, más conocidas en Caldas como Veraneras, flores violetas de pétalo abierto muy comunes en áreas de clima templado de América Latina.
Poeta que actualmente reside en la ciudad de Pereira, autora del libro De este lado de las cosas con el que obtuvo la beca de creación literaria estímulos del Ministerio de Cultura en el año 2011, además fue incluida en el libro Antología de poetas del gran Caldas. En el año 2014 publicó Poemas con Fondo de Agua, en 2015 Cuentos para volar la ventana y en 2018 Yuyos de paso. También se ha desempeñado como docente en la Universidad Tecnológica de Pereira, tallerista de creación literaria y colaboradora habitual de medios locales como la Astilla en el Ojo y la revista de poesía Luna de locos.
Lo natural, el costumbrismo, la universalidad son los temas recurrentes de sus obras, particularmente en el libro Poemas con Fondo de agua, mezclando la sencillez de versos cortos con profundos detalles gráficos, descripciones cortas del eclipse y el crepúsculo, y hasta dos páginas de guion cinematográfico. Es una autora que sabe evocar la diversidad para que su obra no sea sosa.
Hace parte de la antología de cuentos Virginia&Co, libro que reúne obras femeninas seleccionadas por la editorial canadiense Lugar Común y lanzado en abril del 2019 en el marco de la Feria Internacional del libro de Bogotá como una iniciativa para poder destacar la literatura femenina, su importancia y además ubicar nuevas escritoras en el mapa. El proyecto de este libro lo inició Angélica Hoyos Guzmán, licenciada en lenguas modernas y magister en lingüística del Instituto Caro y Cuervo, que después de un largo proceso pudo crear una editorial dedicada a la escritura femenina colombiana.
El cuento de Sara Zuluaga, periodista de profesión, se titula Ocho cuentos para la muchacha de pecas, y consiste en un hombre que escribe un relato sobre un fabricante de cajas enamorado de una peluquera. Busca explorar principalmente la temática de la indiferencia. Esta es su primera obra de ficción ya que usualmente siente mayor gusto por el género periodístico de la crónica. Sara también ha publicado en el magazine Viceversa.
Autora también seleccionada para la antología de cuentos Virginia&Co con el relato El regalo. Es licenciada en Español y Literatura de la Universidad del Quindío. Yeny se ha destacado desde la escritura narrativa y poética. Sus obras han sido publicadas en la revista Polilla; en el libro Marginalia III, relecturas del canon literario; y en la revista Santo y Seña.
Una de sus primeras publicaciones enfocada en la poesía fue el libro de poemas Todo Tiempo es Pasado, donde enmarca en gran parte su visión de la vida.
A finales de 2018, se hizo célebre por haber ganado el Red Dot Communications award, un prestigioso premio que la mayoría de diseñadores e ilustradores soñaría tener. Aunque nació en Bogotá desde muy pequeña se instaló con su familia en Pereira y parte de su obra se ha inspirado en la estética de esta parte del país. Actualmente reside en los Estados Unidos, su obra es muy variada y tiene inspiraciones diversas, desde la portada de la revista New Yorker hasta los paisajes del corregimiento de La Florida, ese toque diverso entre la inspiración más urbana de las grandes ciudades norteamericanas hasta los paisajes más cotidianos de la zona rural pereirana.
Su ilustración más conocida, ganadora del premio Red Dot, se titula Artificial Spring. Ha recibido otros premios prestigiosos que la han puesto en el mapa de la ilustración mundial como un referente importante. Actualmente se encuentra trabajando también en su propia compañía de diseño.
Isabel Ramírez Ocampo es La Muchacha, una joven de Manizales que empuña guitarra y alza su voz en defensa de los ríos y los privilegios de la naturaleza. Le canta a la tierra, al páramo, al río, al vendedor ambulante, al sabor de la papa criolla, a la vida en el campo y a los deseos de huir al monte. Su primer trabajo discográfico se tituló Polen. Este año publicó “Canciones crudas”, con el sello independiente Incorrecto.
El sonido de sus canciones es muy diverso, exploraciones folclóricas con matices acústicos acompañadas de otros géneros como el rap, el punk, la cumbia e incluso el reggaetón de corte más callejero.
“Esto es lo que tengo para ofrecer: mi guitarra y mi voz”, dice La Muchacha.
EstudiantesFundación Universitaria del Área Andina
Quietos. El confinamiento nos ha llevado a estar estáticos. Lo que menos se mueve es el cuerpo, lo que lleva a que se active la imaginación y a que se agite esa chispa creativa que sale de estar en el refugio. Asomarse a la ventana, es una salida, y en ese orden los estudiantes de Redacción del Programa de Comunicación Audiovisual y Digital de la Fundación Universitaria del Área Andina, se dieron a la tarea de mirar hacia afuera y crearon estos relatos, para que usted como lector los descubra. Siga.
CUARENTENA PARA EL ALMA
Los días trascurren y aquí sigo confiado que todo esto pasará pronto, es una tarde fría y lúgubre, me asomo al patio del apartamento, ya que éste carece de balcón, lo primero que percibo son las gotas de agua golpear mi cara y de alguna manera refrescarla. De golpe me encuentro con 2 inmensas, sucias y desgastadas paredes, pero a mis espaldas se encuentra un horizonte tan bello como el amanecer de los domingos, cubierto por colosales montañas llenas de vida que despiertan en mí un gran deseo de salir y estar allí en tan magnifico lugar, pero en ese momento un golpe de emociones me sacude y me doy cuenta de la cruda realidad.
Me invade el efímero recuerdo, de cuando todo era tan fácil y no apreciábamos la simplicidad de las cosas, y ahora hasta para alimentarnos hay reglas que nos lo impiden.
La dulce y apacible voz de mi madre llamándome para almorzar me hace entrar en razón y suponer que en cualquier momento todo mejorará, pero con el amargo saber de qué no todo volverá a ser igual que antes.
Los días avanzan y aprendo más de mí, en las tardes me tumbo en la cama con mi celular y audífonos y dejo que la música fluya, siento que es mi medio para meditar, pensar, crear, me siento todo un dramaturgo creando historias en mi cabeza al son de la música.
En ocasiones sintiendo que soy un baterista que golpea con todas sus fuerzas los tambores, en otras que soy todo un romántico dando todo de mí por aquella persona que me hace perder la razón de ser. A veces solo intento percibir lo que me rodea y el ruido de la calle me hace extrañar todo aquello que hacíamos con tanta facilidad.
Sin embargo, en este lapso me he podido acercar más a todos esos pequeños detalles, que en la cotidianidad no eran tan relevantes: convivir más con mi familia, desarrollar nuevas habilidades, buscar formas de entretenerme y comunicarme con mis amigos, con los que pasaba la mayoría de mi tiempo.
Me invade el efímero recuerdo, de cuando todo era tan fácil y no apreciábamos la simplicidad de las cosas, y ahora hasta para alimentarnos hay reglas que nos lo impiden . Todo mejorará, pero con el amargo saber de qué no todo volverá a ser igual que antes
Finalmente he visto como mi madre dedica tiempo a sí misma, haciendo actividades que le resultaban difíciles por su trabajo como ejercicio, ver series, leer.
Creo que muy pocas veces la había visto con esa sonrisa, tan hermosa y espectacular en su rostro, y eso me hace asimilar que a veces la normalidad no es lo mejor para todos, que siempre se necesitara una cuarentena para el alma.
Brayam David Molina Carmona
SOLO
Me siento en el suelo mientras miro mi reflejo en la ventana de la sala, son las 9 de la noche y afuera no hay nadie. La escena es lúgubre además de tétrica, no queda nadie más, salvo el reflejo de mi ser en una ventana sucia y manchada de pintura negra.
Me siento atrapado, encerrado en una trampa, confinado en un limbo donde el tiempo parece detenerse, pero el reloj no deja de avanzar, no deja de sonar: tic tac, tic tac, tic tac, tic tac…
El sonido taladra mi cabeza, me hace recordar mi estadía en el hospital y el ruido que emitían esas máquinas conectadas a mi piel. Mi mente en blanco, mi cuerpo inmóvil, el fuego se apaga. Una luna creciente se alza ante mí, majestuosa y brillante. Siempre he admirado la luna con misticismo, como si en esa tez blanca se escondiera un secreto enigmático que el ser humano no sería capaz de entender. Al bajar mi mirada veo pasar un hombre de chaqueta gris, gorra y tenis.
Al estar solo tienes más tiempo para ti, analizas tus falencias , carencias y errores. Te cuestionas a ti mismo, ¿por qué lo haces y sigues haciendo?, tal vez por eso detesto la soledad.
Pero llevaba un tapabocas que destacaba, era negro con una sonrisa estampada, en tiempos normales simplemente lo hubiera ignorado, pero debido al aislamiento que padezco me intrigaba. ¿A dónde iba?, ¿por qué?, ¿quién era?, ¿qué piensa ese hombre?, trataba de ponerme en sus zapatos. Lo seguí con mi vista hasta que se perdió en la esquina y todo volvió a su entorno original.
Escucho pisadas en el techo: ¡Gatos! Sus pasos rechinan, pisan, pisan, chillan, chillan, saltan, saltan… ¡crash!
¡Un trozo de techo cae estrepitosamente hacia el suelo! (me lleve un susto de muerte) me levanté de repente esperando cual sería el próximo estruendo. Pero nada… los gatos se fueron, en toda la noche no los escuché de nuevo. Volví a sentarme en el suelo mirando el hueco que provocaron los animales, era grande, y en su interior solo se veía obscuridad, sin posibilidad de repararlo o rellenarlo.
Me doy cuenta que al estar solo tienes más tiempo para ti, te sumerges en lo más profundo de tu alma, analizas tus falencias, carencias y errores. Te cuestionas a ti mismo, criticando lo que haces, ¿por qué lo haces y sigues haciendo?, tal vez por eso detesto la soledad.
Pero por otra parte… darme cuenta de que este momento es una oportunidad desde el lado positivo de esta horrible situación, para madurar psicológicamente, para hacernos fuertes, para aprender y fortalecer lazos con aquellos seres queridos con los que vives.
Carlos Andrés Macías Ospina
SERES CIEGOS E INSENSIBLES
Ser feliz no es difícil cuando se aprovecha cada situación para crecer más.
En una tarde fría, veía como gota a gota las nubes se deshacían y golpeaban el cristal que enmarcaba el gris horizonte. Ploc ploc ploc. Yo seguía ese ritmo con mis dedos inquietos sobre la mesa mientras el tiempo pasaba rápidamente. Y en medio de un planeta hacinado, atemorizado y encerrado observé la luna brillante, radiante y sonriente.
Las nubes habían parado de derramarse para no arruinar la caricia que el sol daba a mi rostro a través del pequeño espacio que había entre las cortinas. Me levanté y observé que la naturaleza seguía su ciclo normal: el sol, el viento, el agua parecían no estar perturbados por el vislumbre de la muerte. Las memorias que había creado en la libertad de la que antes gozaba invadieron mi mente, llegué a extrañar mi ritmo de vida, algunos lugares, personas y momentos. Pero el típico sentimiento de congoja al no tener todo esto ahora no se hizo presente. Pensé que lamentar esta situación era igual que ir a la ciudad a revivir esos momentos, nada cambiaría, todo seguiría igual, por el contrario, me haría daño. Así que decidí cerrar mis ojos y pensar en qué era lo que este acontecimiento podía aportar.
Estamos siempre tan atrapados y distraídos en lo cotidiano y superficial que perdemos la capacidad de ver el sin número de momentos, personas, relaciones, lugares que realmente brindan alegría a nuestra vida.
En la vida hay momentos donde debemos parar, detenernos y descubrirnos. Pensar en nosotros mismos. Mirar y no ver. Sentir en vez de percibir. Disfrutar de los detalles. Vivir y ser conscientes de que estamos vivos. Permanecemos siempre tan distraídos y atrapados en lo cotidiano, evidente y superficial que olvidamos lo bello de la vida, pasamos por alto las capacidades que tenemos de razonar y sentir, convirtiéndonos en seres ciegos e insensibles que causan su propio sufrimiento al ignorar lo que es importante, lo que nos brinda verdadera felicidad.
Creo que ahora, algunos podemos ver aún más la importancia de los detalles y las cosas que en un mundo tan grande son pequeñas, pero inmensamente significativas. Darle el valor que se merece a lo que siempre estuvo ahí. Pues tenemos el poder de cambiar un viernes de borrachera por un candoroso abrazo de nuestra madre, así como un golpe por un beso profundo. Podemos cambiar los cigarros por risas y recuerdos, dejar mucho para sentir esa palmada en la espalda del mejor amigo. Dejar la prisa para amar y valorar de verdad. Pero no lo sabíamos, y de una u otra forma hay que perder para ganar.
Decidí cerrar mis ojos y pensar en qué era lo que este acontecimiento podía aportar. En mi vida hay momentos donde debemos parar, detenernos y descubrirnos. Pensar en nosotros mismos. Mirar y no ver. Sentir en vez de percibir.
Fue esta la reflexión que hice mientras disfrutaba de un vaso de agua, acompañada del sonido de las gotas que nuevamente golpeaban mi ventana. Ploc ploc ploc. Me levanté de la silla y caminé hacia la cocina. Mi madre estaba allí. Me sonrió y sentí que todo estaba bien, me sentí tranquila. ¿Qué más podría pedir? Por unos meses iba a tener algo que no tendría fácilmente en mi vida cotidiana y que me hacía realmente feliz.
Daniela Arias Trejos
EL VIENTO DE LOS RECUERDOS
Hoy se cumplen 25 días de estar en cuarentena, es sábado y son las 5 PM, es tan solo una tarde fría de abril. Puedo escuchar el susurro del suave viento desde mi terraza, lugar en el que me he dedicado a reconstruir mi vida en pequeños hilos de recuerdos vibrantes.
Mi cabeza emerge de los vientos fuertes mientras yo inhalo y suspiro profundamente el aire frío que atraviesa como una oleada de hielo mis pulmones y me lleva a evocar visiones de aquellas tardes nubladas, sentada en los tejados de mis vecinos, los cuales escucharon mis pasos meticulosos de una hermosa infancia en busca de lúcidos atardeceres para jugar acompañada de mis dos compañeras de aventuras y amigas del descubrimiento: Daniela y Karol.
Juntas y con materiales reciclables construimos es mi terraza lo que llamábamos una ¨choza¨, lugar que declaramos como nuestro segundo hogar. El techo eran dos pedazos de tejas viejas que habían dejado en la calle, las paredes estaban cubiertas de un plástico grande de color negro que había sido usado en una construcción cerca de donde vivíamos, el piso eran unas tablas viejas que logramos rescatar de un trasteo.
Sobre las tablas teníamos tendidos, cobijas y mantas viejas que habían sido donadas por nuestras madres, mujeres que se dejan encantar de nuestras ocurrencias. Aunque era un lugar pequeño y tenía su luz propia, al rededor del techo habíamos instalado unas luces navideñas que alumbraban rojo, azul y verde.
Las paredes negras estaban decoradas de dibujos y pinturas que nosotras mismas habíamos plasmado con nuestras manos. Cada dibujo contaba una historia, como cuando salimos a recolectar hormigas y las sumergimos en una botella plástica de gaseosa llena de tierra y pasto. Y claro, no podía faltar el crucifijo que nos protegía, aunque tenía una de sus puntas quebrada, nos hacía sentir seguras para aquellas noches que dedicamos a contar historias de terror.
Puedo escuchar el susurro del suave viento desde mi terraza, lugar en el que me he dedicado a reconstruir mi vida en pequeños hilos de recuerdos vibrantes.
– Bueno es una decisión complicada. Usted está al tanto de lo que ha estado sucediendo estos días, la gente está enfermando, los hospitales están llenos y si su hermana tiene un colapso, no la podrán atender. Dígame, si fuera usted, si se pone en los zapatos de alguien enfermo, ¿aceptaría permanecer en cautiverio y vivir con eso? o ¿le gustaría salir y estar expuesto a enfermar más? — dice el enfermero con seriedad. — Usted tiene la última palabra.
Ellos son mis amigos, pero es agotador, ¿otro día más?, si ustedes pudieran decidir, ¿qué harían?
Daniela Gil Cumaco
EL MUNDO DEL ENCIERRO
Tengo un mejor amigo, es un oso grande, él acostumbra venir a visitarme, trae alimentos, pregunta: ¿cómo ha estado tu día Luna?, acomoda mis sábanas y luego se va.
Cada cierta noche Oso viene a entregarme dulces con formas extrañas, con un olor similar al de los crayones y un sabor extravagante, pero después de comerlos, durante la madrugada, el señor Gato se aparece en mi ventana.
Gato es de personalidad burlona, le gusta venir a contarme historias y ver cómo el miedo me consume en medio de la oscuridad. Ayer fue una de esas noches, me habló de una visión que tuvo.
– Ustedes los humanos tienen una suerte irónica, hacen y deshacen para su disfrute, pero todo eso se va a acabar. Se vienen largas noches de encierro y tú y yo nos vamos a divertir mucho, mi querida Luna. — Dijo el señor Gato mientras salía de la pequeña rendija de la pared, por donde pasa el aire frío de la noche.
En sus últimas visitas, Gato me ha hablado de lo mismo, él asegura que pronto habrá un fenómeno que afectara a todos, las personas van a enfermar, muchos van a morir, el resto deberá estar en aislamiento y todo esto provocará un colapso económico y social.
Suena loco ¿verdad?, pero ¿Y si no lo es?
– Dime Juan, ¿qué opinas sobre eso?, ¿crees que lo que dice Gato sea verdad?, él suena muy convencido cuando habla conmigo. — Le digo a mi hermano desde el otro lado de la cama.
– El tiempo de visita acabó. — Habla Oso mientras ingresa a la habitación — Luna debe descansar.
He perdido la cuenta de cuánto tiempo llevo aquí, pero Juan, Oso y el señor Gato siempre están conmigo. Ellos son mis amigos.
– ¿Por qué está así?, usted escuchó todo lo que me dijo ahí adentro, ¿qué le están haciendo?, ¿por qué la tienen encerrada? — Pregunta Juan mientras se retira de la pequeña habitación.
– Son los medicamentos, tienen efectos secundarios. — Responde el enfermero. — Escuche, su condición es delicada, ella tiene un trastorno mental y debe permanecer en aislamiento porque asusta a los otros pacientes.
– He venido en varias ocasiones y ha empeorado desde que está aquí, usted es testigo, ella lo llama Oso — Responde Juan mientras se toca el rostro con cansancio — ¿Qué pasa si decido llevármela?, lleva días ahí, sin poder salir, eso también la afecta.
Puedo escuchar el susurro del suave viento desde mi terraza, lugar en el que me he dedicado a reconstruir mi vida en pequeños hilos de recuerdos vibrantes.
Aquel lugar nos escuchó nuestros más íntimos e inocentes secretos, fue testigo de nuevas y aterradoras experiencias como fumar un cigarrillo por primera vez, llenar chismógrafos y llorar cuando nos regañaban. Ese pequeño espacio fue tan cálido que las tardes o los días enteros se iban tan efímeros como un rayo de luz.
Sarah Luna Jaramillo Díaz
RECORDAR ES VIVIR
Como lo entonan Garzón y Collazos “recordar es vivir”, entre las 4 estaciones de mi habitación, 4 esquinas que en cautiverio se tornan abismales. En primavera, en tierra de cedrales nací, mientras la oscuridad se extinguía entre torres blancas la luz penetró, con días más largos que noches nuestro amor floreció y en un parpadeo entre tertulias en el parque un nosotros se formó.
En verano pude sentir el calor, al pensar en mi madre, en mi familia, en mis amigos, en cada trago de aguardiente o guarapo que bajaba por mi garganta ocasionando que exclamara con fulgor la grandeza de vivir.
En las altas temperaturas conocí el éxtasis de tus labios, la gratitud de nuestra orgásmica voz cuando cabalgábamos por las praderas del Monte de Venus y las llanuras de Marte quebrantaron cualquier tabú e interpretamos a Sade alcanzando el clímax en el monte Tauro. Entre cafetales y tintos con armónicos aromas que se llevaba el viento, aunque lejos esté me transportan en el tiempo, el recuerdo de los abrazos en casa tan familiares y añorados desatan la incertidumbre en otoño, la temperatura comienza a descender, ya tus besos son distantes y entre el naranja y rojo se disipan nuestras virtudes y ahora lo que antes amábamos del otro nos parecen vicios sin sentido que solo agobian el nosotros, cojo el teléfono y llamo, entre mi madre y mi abuela con voz dulce me bridan un refugio sin reparo.
Ya es invierno, los días son cortos y las noches más largas acompañadas del insomnio ocasionado por tu ausencia, pues ahora solo está el “yo” que ha extinguido el nosotros, la melancolía la disfrazo de nuevo con aguardiente que en las altas y bajas me es fiel sin interés alguno, las temperaturas descienden al igual que mi peso.
De la cama a la ventana, de la sala a la cocina, del balcón a un suspiro con un día gris que me acompaña, no solo percibo tu ausencia, la cotidianidad se ve afectada y aquellas personas que estaban día a día ocupando lapsos de mi vida, al igual que yo están confinadas, para algunas se extingue su rutina, su cuerpo, su existencia.
Mi vecino que vivía de excesos se deprime al ver distantes sus firmes amistades, ni un mensaje ni un llamado, o un te quiero por si algo, pues noche a noche tras un shot o un pase llegaban allí con un interés por delante, nada sincero, nada amable, solo nadie. No oigo el ruido del estéreo con Sex Pistols y Soda Stereo, ni los pasos del perreo intenso que azotaban en mi techo.
El pintor de al frente se quedó sin musas, solo con pajas de consuelo, entro en crisis creativa, cuestiono su arte genérico desde acá lo veo y empieza a producir sin follar, como intensión primera su incipiente necesidad de plasmar el ser de nuevo en sus entrañas, recuerdan el de hace unos años sin dependencias ni intereses, solo el arete como legado.
Ahora hay más gritos, hay más golpes en la casa de los López con tres niños y un perro desnutrido, que inocentes con temor bajo la imaginación se resguardan, ya no solo los fines de semana, ahora su padre no trabaja y hay un infierno prolongado que incluye hambre, miedo y traumas que se van reproduciendo con indiferencia y descaro de los privilegiados de al lado. La inconciencia y la usencia de valentía de su madre los condena a una vida desgraciada sin escape, con patrones que se repetirán en sus hijas y en sus futuros matrimonios con la idea de violencia normalizada.
Sigue allí el pisquero entre marihuana e incienso de los hippies de la esquina, que salvando el mundo son veganos, no se bañan y predican el amor para la paz del vecindario, hacen yoga sin harapos de obscenos los tachan, pero siempre están ahí los moralistas observando la azotea con el morbo de antemano.
De la cama a la ventana, de la sala a la cocina, del balcón a un suspiro con un día gris que me acompaña, no solo percibo tu ausencia, la cotidianidad se ve afectada y aquellas personas que estaban día a día ocupando lapsos de mi vida, al igual que yo están confinadas, para algunas se extingue su rutina, su cuerpo, su existencia.
Mientras leo y el tinto no me falta, Don Chucho con su carro ya no sale ya no vende, el chontaduro se ha estancado, pasa hambre y muy ausentes están sus hijos licenciados que nublada tienen la empatía y a su viejo han olvidado, él sin ahorros se ha quedado pues mientras sacó a sus hijos adelante su fortuna y sus fuerzas ha agotado.
Cierro el libro en la página 77, pongo en pausa a Dostoievski, reproduzco a THE CURE, que son una tristeza feliz, descritos así en Sing Stret, ahora entiendo y repito más el mantra que he sacado de la película, y el problema es no estar feliz con estar triste, pues eso es lo que es el amor, tristeza feliz, la importancia recae en sufrir y gozar ambas en equilibrio para no caer en la costumbre, pues mucho de una o de otra solo afectan sin remedio, vuelve y cae la primavera soy más fuerte, más consiente, recupero mi autoestima y renazco en amarme.
HÍBRIDOS INDUSTRIALES: OBJETOS, MÁQUINAS Y ARQUITECTURAS QUE PROYECTAN LA TRADICIÓN AL FUTURO.
Al hablar de híbridos industriales en el Paisaje Cultural Cafetero también nos referimos a nuevas formas de economía creativa en la región. Espacios ideales para construir lazos con la memoria y la identidad, lugares en donde se cuestionan los tiempos de la ciudad, que generan extrañeza por el cruento destino al que llegaron, pero en donde es posible repensar un futuro a partir de un presente silencioso.
Por lo tanto, recorrimos antiguas trilladoras, viejas estaciones de tren, entre otros vestigios, objetos y construcciones para hablar de estos encuentros donde tradición, tecnología e innovación moldean día a día el paisaje que habitamos. VER MÁS
MIRADORES Y MORRITOS : ENTRE ARRIEROS Y PÁJAROS – DE VUELTA A LOS CAMINOS VIEJOS.
Mapa
Descubra en esta ruta, que va desde Pereira hasta el municipio de La Celia, puntos rurales en Risaralda con historias de emprendimiento, reservas naturales que nos garantizan verdes más profundos y aires más limpios, proyectos de asociación y conservación que mantienen vivo lo que por décadas nos ha identificado. La voz y el sentir del campesino en el café que se bebé, el plato que se degusta y el camino montañero que se recorre. En cada uno de ellos se puede encontrar lo más cotidiano, natural y asombroso de un amplio territorio todavía con mucho por explorar y descubrir.
También puede recorrer una ruta urbana en Pereira, de sitios que ofrecen café de origen y que adicional a eso nos cuentan un relato sobre la manera como esta bebida ha fortalecido una historia y ha aportado a lo que somos como nación.
DESPECHO ALL STARS: RADIOGRAFÍAS DE UN JET SET CRIOLLO CONTEMPORÁNEO.
Reportaje
Este género musical tan arraigado en la cultura popular de Antioquia y el Eje Cafetero, ha tenido un especial significado para la gente pereirana. Es sinónimo de mal gusto y ramplonería entre cultos e intelectuales, las feministas lo critican al ser un producto insignia de los mandatos del patriarcado y para la gente que se reconoce como “del pueblo” es la expresión vivida de sus sentimientos más profundos.
¿Podrá entenderse entonces como una expresión cultural viva?.VER MÁS
LA RUTA DEL BILLAR EN PEREIRA.
Reportaje gráfico
Un recorrido en imágenes por 4 billares representativos de la ciudad de Pereira, para descubrir qué hay allí por contar. Lugares donde el tiempo se detuvo hace mucho y todo se concentra en esas bolas de colores y números que rebotan y se golpean entre sí como si de un cuadrilátero se tratara. Hay para todos los gustos: algunos antiguos y conservados; otros remodelados y tecnificados.
Desde la electrónica y el jazz, el pereirano Jhon Montoya y el manizaleño Miguel Ángel Lous respectivamente, han construido con el paso de los años y de múltiples viajes por el mundo propuestas musicales donde ambos ritmos foráneos se conjugan a la perfección con las sonoridades y los paisajes de nuestro territorio. En 2019 ambos músicos publicaron nuevos trabajos discográficos donde se hizo más evidente esa relación, “Otún” del primero y “El Secreto” por parte del segundo.
Plan C incluye, en su especial La Divisa, tres podcast dedicados al trabajo de estos dos músicos.VER MÁS
EL RAMEN: UN SABOR ANCESTRAL DE FÁCIL PREPARACIÓN EN CASA.
Crónica
El ramen es un plato con mucho sabor, que se puede preparar en casa y que además trae consigo una carga histórica y cultural bien interesante, en Colombia poco a poco ha tomado popularidad y es posible encontrar este plato en varias ciudades del país. En el mes de enero un pereirano, el diseñador Juan Guillermo Pérez, trajo a la ciudad este plato con un objetivo bien específico: brindar al comensal una experiencia de sabor única.
En la antigua estación del ferrocarril ubicada en el parque Olaya Herrera funciona desde julio de 2019 el café El Vagón, un espacio paralelo de servicio y aprendizaje dónde las preparaciones de los alumnos ofrecen una nueva experiencia de sabor a los visitantes. Una apuesta turística en lo que antes fue un lugar abandonado y desolado.
LA VIDA CULTURAL EN PEREIRA EN LO QUE QUEDA DE 2020
Crónica
La vida pública hace una pausa durante este 2020. Son varios los eventos representativos de la ciudad que se ven afectados por la emergencia sanitaria que atraviesa el mundo, sin embargo, los diversos gestores culturales se las ingenian para transformar sus iniciativas y proponen a través de los medios digitales una manera distinta de experimentar la cultura.
PlanC te invita a conocer el panorama de 10 eventos tradicionales de la cultura pereirana, lo que les depara en lo que queda de 2020 y cómo se pueden disfrutar en la situación actual. VER MÁS
ESPACIOS DE COWORKING Y REDES COLABORATIVAS EN PEREIRA
Carmen Adriana Pérez es diseñadora industrial, investigadora y docente, y desde hace 10 años comenzó a trabajar en el proyecto de investigación “Caracterización de la cestería en comunidades artesanas e indígenas de Risaralda” desde la Universidad Católica de Pereira con el interés de conocer a profundidad estas elaboraciones tan particulares. Hoy en día estas comunidades han estado en salas de exposición y eventos como Eje Moda donde han dado a conocer y comercializado sus productos. https://www.youtube.com/embed/yI5W0mhc4ss?feature=oembed&start&end&wmode=opaque&loop=0&controls=1&mute=0&rel=0&modestbranding=0
La Divisa: paisaje creativo es un proyecto apoyado por el Programa Nacional de Estímulos del Ministerio de Cultura.
Proyecto ganador en el 2019 de la Segunda Fase de la Convocatoria Estímulos en la categoría “Becas para la creación y circulación de contenidos periodísticos sobre la economía naranja”.
Dirección de contenidos: Ángela Molina Castaño y Mauricio Gómez Ossa
Edición: Alejandro Patiño Sánchez
Periodistas: Daniel Monsalve Bobadilla, María Laura Idárraga y Alejandro Patiño Sánchez
Colaboradores: Pedro Pablo Montoya y Tatiana Rivera Pabón
En tiempos de cuarentena la lectura se consolida como una actividad fundamental para el entretenimiento y el buen aprovechamiento del tiempo durante el aislamiento. Lecturas de cuentos clásicos y poemas ayudan a pasar las noches gracias al trabajo de ávidos escritores, docentes y gestores culturales que buscan su mejor puesta en escena al otro lado de la pantalla.
Las letras no conocen de encierro. En las últimas semanas y gracias a algunos actores de la escena cultural pereirana, las lecturas de cuentos y otros relatos se han consolidado como una compañía infaltable.
PlanC invita a conectarse con los diversos grupos y personas que por esta época se han dado a la tarea de generar un contenido diario desde sus redes sociales para nutrir la escena cultural desde la virtualidad en estos tiempos de crisis. Desde Cuentos infantiles y colecciones para niños hasta poemas y conversaciones literarias para lectores más experimentados. Una oferta variada para darle otra perspectiva a las noches de cuarentena.
EL RINCÓN DE LOS CUENTOS CON CAVISA
AUTOR: CARLOS VICENTE SÁNCHEZ
Gestor cultural y creador de Leo El Bibliobús. Transmite desde el 20 de marzo, cada noche a eso de las 8 pm y en compañía de sus dos hijos, su sección El rincón de los cuentos de Cavisa.
Con su sombrero de cuentero (rojizo que parece darle mayor confianza para la lectura), uno de sus hijos hace la introducción al video y Carlos después de dar los saludos respectivos del programa selecciona el libro para leer. Entre esas lecturas aparecen algunos cuentos de su autoría, de su libro Los devastadores leyó ´Los retratistas´, ganador del Concurso Nacional de Cuento RCN.
Voz suave y poniendo drama en los momentos precisos mientras su hijo mayor con una guitarra acompaña el momento, sin muchos tecnicismos y con un escenario hecho en casa la narración logra atrapar al espectador con los menesteres del retratista y su maldición. Los retratos que hacían se borraban, la mariposa que perdía su color, el arte que se extinguía…
“Durante esos días de encierro estuve muy inquieto, no me inspiraba una página, un trazo, no sabía que crear, estaba un poco mal. Entonces se me ocurrió que la forma en que me iba a reactivar física y espiritualmente de todo ese voltaje de noticias que habían caído como una peste sobre nosotros, es que no sé qué es peor si las noticias o la misma pandemia, era contar historias a través del Facebook”, comentó Carlos acerca de cómo surgió la idea del rincón de los cuentos.
“Empezamos unos días antes de que decretaran la cuarentena. Cuando se hizo oficial la medida comenzamos a trabajar, organizamos el escenario en un rincón de la sala de mi casa con unas cortinas coloridas hasta quedar transformada en el rincón de los cuentos. Mi hijo Samuel hizo la música, mi otro hijo Sebastián se encargó de toda la parte de producción de cámara y luces y Simón mi tercer hijo se encargó de la presentación”.
Después de más de 30 cuentos y 22 programas, Carlos ha tomado la decisión de hacer un programa semanal en vez de uno todos los días. Muy pendientes de su cuenta de Facebook para disfrutar en familia con estas historias diversas y para todos los gustos.
Docente universitario con una amplia trayectoria en el periodismo regional y la comunicación, lleva 25 ediciones de su sección Contagio Poesía. John Harold realiza la lectura de poemas de autores regionales junto a su hijo Camilo Giraldo, lo que demuestra que la buena literatura es un interés que se puede heredar y compartir con la familia.
A través de su cuenta personal de Facebook todos los días en la noche, destaca algún poema creado desde el Eje Cafetero. Con voz bien profunda y a pesar de su corta edad, Camilo inicia la lectura de las letras y los versos que se producen por estas tierras, y que quizá el público no se había tomado el tiempo en conocer. Además, una selección muy variada que trae en ocasiones autores bastante jóvenes que recién están dando sus primeros pasos en la poesía. Los más agradecidos con estos espacios son los alumnos de John Harold que siempre dejan un “Gracias Profe“Gracias Profe” después de cada lectura.
“Fue una iniciativa que nos llegó, en principio lo hizo Lina Montilla, una activista política de la ciudad. Y lo hemos cogido, lo hemos amparado. Llevamos 24 noches continuas de lectura de poemas, además le coloqué un ingrediente particular, teniendo en cuenta que nuestros autores deben visibilizarse, y es leer solo autores locales, poesía regional del Eje Cafetero”, explicó John Harold.
Con el tiempo su hijo Camilo ha despertado cierto interés por la poesía e incluso se aventuró a escribir algunos poemas que fueron bien recibidos por el público que los sigue.
“Tenemos en Pereira y en el Eje Cafetero autores de todo tipo desde aquellos emblemáticos e históricos como Aníbal Arcila, Julio Cano (compositor de la letra del himno a Pereira), Luis Carlos Gonzáles (que aún no lo he leído), hasta toda esta gama de autores nuevos que van desde Cristian Cárdenas, Mariana Ossa, Mariana Galvis, David Gutiérrez Jonathan Arredondo, Angie Castrillón, entre muchos oros. Y me he encontrado una cantidad de gente inédita que no ha publicado pero que se pueden identificar ya como poetas de la región: Jaider Ladino, Fabián Andrés Cuellar, Diego Hernández. Inclusive, la gente nos buscado: ¡Hey mire, este poeta debe leerlo!”.
La gama de autores en la ciudad es bien amplia, no solo en nombres sino también en géneros. John Harold menciona algunos de ellos, por ejemplo, a Luis López en cuanto a la poesía social, Héctor Escobar – ya fallecido – emblemático poeta de la ciudad en temas ocultistas, también hay poetas eróticos y costumbristas, incluso aquellos que sin ser escritores de oficio desde la docencia han desarrollado algún género de poesía.
Muchos autores están en el tintero y mientras continua la cuarentena, la poesía del Eje tiene un pequeño espacio en las noches de Contagio Poesía.
Con un género de poesía y estética bien específico, además del lema “Esto es una pesadilla, pero no un sueño”, los lunes y los viernes a las 10 y 30 p.m. Wahider Cardona y otros invitados realizan media hora de programa en el cuál se leen poemas nadaistas junto con una entrevista a algún escritor colombiano destacado. El poeta de referencia es el considerado fundador del movimiento nadaista en Colombia, Gonzalo Arango.
En una de las secciones el entrevistado fue el poeta Dukardo Hinestrosa, oriundo de Marsella, Risaralda. Recordó las historias del Café El Automático, uno de los lugares predilectos por la escena literaria bogotana donde Gonzalo Arango realizó la lectura de algunos de sus poemas escritos en un rollo de papel higiénico, un boom para la época que además le hizo ganador de la admiración de sus colegas y lo colocó en un puesto privilegiado en la poesía colombiana.
También han estado invitados los poetas pereiranos Hernán Mallama Roux, Helena Restrepo, John Harold Giraldo y Miguel Ángel Rubio.
El Museo de Arte de Pereira también ha potenciado el contenido de redes sociales con su nueva sección virtual de La hora del cuento. En sus primeros encuentros estuvo promoviendo la creación de dibujos en la cual los niños pueden expresar gráficamente el amor que profesan por sus mascotas. Como invitada en su primera sección del 8 de abril tuvieron a la autora Patricia Pungo con su cuento “Juntos hasta el final”, además de la lectura también se muestran algunas ilustraciones. La cita es todos los miércoles a las 5:00 pm.
Daniel Vergara y Víctor Vergara junto con otros miembros de la fundación Frailes Arte han acompañado las noches de cuarentena a través de la lectura de cuentos infantiles clásicos como Baba y Utu o El León y el ratón. Aprovechando los dotes actorales de Daniel, miembro también de Teatro El Paso, las lecturas tienen cambios de voces e interpretaciones que permiten que el lector se sienta un poco más metido en el meollo de la historia.
Recientemente a través de su Facebook han compartido la lectura del cuento La gorda que hizo parte del Festival Internacional de Narración Oral: Paisajes en Voces del año 2017, en la que participó Daniel Vergara acompañado de la guitarra de William Fernando Ortiz. También durante el tiempo de cuarentena Frailes Arte desarrolló un club de lectura del libro el Terror de sexto B de Yolanda Reyes.
Puedes seguir la lectura de sus cuentos acá: Frailes-Arte
LECTURAS PARA NIÑOS DE 0 A 5 AÑOS
SECRETARÍA DE CULTURA DE PEREIRA
A través de su canal de YouTube la Secretaría de Cultura de Pereira con apoyo del equipo de Primera Infancia y el Centro de Desarrollo Infantil CDI, ha realizado lecturas de cuentos infantiles. El pasado 13 de abril retomaron la actividad con los cuentos Me comería un niño de Sylviane Domio y Secreto de Familia de Isol (Marisol Misenta).
Con dos lecturas diarias nutridas por una voz en off y acompañadas con las ilustraciones de los cuentos, se busca promover el espacio de lectura para los niños y complementar el amplio espacio de formación de la entidad que cuenta con talleres visuales, cine foros e iniciación para algunos instrumentos musicales.
Una iniciativa del Ministerio de Cultura que actualmente cuenta con una colección de 12 libros infantiles online con sus respectivas ilustraciones que buscan promover el ejercicio de lectura en los niños y ser un apoyo vital a las herramientas tecnológicas y digitales de la Red de Bibliotecas Públicas.
A pesar del contexto complejo del encierro, la literatura se convierte en herramienta fundamental no solo para entretenerse sanamente sino también para inculcar en los más chicos y jóvenes el hábito de lectura.
PRODUCCIONES AUDIOVISUALES DE LA REGIÓN EN EL FICCI 2020
El cortometraje de ficción El Remanso, escrito, producido y dirigido por el pereirano Sebastián Valencia Muñoz hace parte de la selección oficial de la presente edición del Festival Internacional de Cine de Cartagena en la categoría Cortos de aquí, selección oficial de cortometrajes colombianos.
Es protagonizado por actores naturales, oriundos y habitantes de la vereda Beltrán y el corregimiento El Alto Cauca en el municipio de Marsella, Risaralda.
Es su quinto cortometraje de Sebastián Valencia Muñoz tras 15 años de experiencia y con el que además ganó en la convocatoria del FDC de Proimágenes en 2017, Realización de Cortometrajes: Relatos Regionales, por Risaralda, premio que le permitió financiar la realización de la película.
Su interés es seguir explorando las historias de la región, le apuesta a un cine regional, que se haga desde acá con todas las historias que existen para contar.
La producción contó con varios pereiranos como el artista Gabriel Posada del colectivo Magdalenas por el Cauca, proyecto que también ha trabajado con dicha comunidad y Gabriel Marín, “Gaby Maéche”, en la parte de maquillaje y vestuario.
Presentaciones en el FICCI 2020
* Jueves 12 de marzo// 2:45 p.m en Cineco de Plaza Bocagrande.
* Viernes 13 de marzo // 4:00 p.m en Cineco de Caribe Plaza 5
Ficha técnica
Colombia / 2020 / Español con subtítulos en inglés / 19 min. Sonido Estéreo.
Dirección: Sebastián Valencia Muñoz
Producción: Sebastián Valencia Muñoz, Juan Pablo Bedoya, Rodrigo Ramos Estrada.
Maquillaje y vestuario: Gabriel Marín, “Gaby Maéche”.
Festivales
Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias – FICCI 2020, Colombia – Premiere mundial
Short Waves Festival 2020, Poland.
Sinopsis
Con la esperanza de un nuevo empleo y huyendo de una muerte segura una familia de campesinos andariegos, Arnoldo, su mujer embarazada y los dos hijos de ella, llegan a instalarse en una finca aislada, en ruinas e invadida por la maleza en cuyos predios son visibles las huellas de un pasado atroz. Huir de la violencia parece imposible. En su primera noche en la casa, sin agua y sin luz eléctrica, en medio de una atmósfera cargada de violencia, la familia esperará ansiosa la paz del amanecer.
El remanso es un contundente relato sobre cómo el ser humano es capaz de asumir la cotidianidad de la guerra de una manera tan fría y pasmosa que resulta escalofriante.
Sebastián Valencia Muñoz
Nacido en Pereira (Colombia). Estudió Comunicación Social y Filosofía en la Universidad Javeriana de Bogotá. Fue seleccionado en el 14° Berlinale Talents Buenos Aires. Ha dirigido los cortometrajes Mañana piensa en mí (2006) Nuevos Creadores FICCI 47, la transeúnte (2007) In Vitro Visual 2007, Un día volverás (2013) Selección Panorama Bogoshorts 2013. Recientemente realizó los cortometrajes Montañas (2018) y El remanso (2019) – ambos ganadores del FDC en la modalidad de Relatos regionales-, en etapa de promoción. Se ha desempeñado como director de fotografía en el largometraje documental Hombres solos (Francisco Schmitt, 2014) selección cine colombiano FICCI 55, y el cortometraje de ficción Los asesinos (Rodrigo Dimaté, 2013), Clermont Ferrand 2013. De 2009 a 2011, trabajó como director de anuncios publicitarios para la productora Metrostudio y fue docente en la carrera de cine de la Universidad Central de Bogotá durante seis años. Su último trabajo lo realizó en la preproducción de la película Zarzal – también ganadora del FDC en la modalidad de realización de cortometrajes-.
Se cierra la calle, se cierra la cuadra, se cierra el arte, después de 2 décadas de exposiciones. La Cuadra cumple su última exposición este 5 de marzo. Aquel evento que cada primer jueves del mes irrumpió en la escena de la ciudad desde el año 2000 dice adiós y deja como legado un ciclo de exposiciones memorables y de artistas de toda índole que se presentaron en ese pequeño rincón artístico de la calle 12.
Fotos: FB @LaCuadraTalleresAbiertos
“Nosotros hoy tenemos que darle una noticia al público y es que La Cuadra no va más, La Cuadra como proyecto aquí de calle se cierra hoy y le queremos decir al público muchas gracias, y misión cumplida”, dijo con nostalgia el artista pereirano Jesús Calle, uno de los fundadores.
En el año 2000 Lucía Molina de Botero, Javier García Jaramillo, Viviana Ángel Chujfi, Jesús Calle y Carlos Enrique Hoyos fundaron La Cuadra, un evento expositivo que se desarrolló tanto en los interiores de los talleres de los artistas fundadores como en la calle y que contó con bailes, mercados, conciertos, exposiciones de pinturas y de fotografías, entre otras actividades creativas
Un espacio cultural gratuito y variado, pero sobre todo un espacio de promoción para artistas locales de todas las disciplinas, emergentes o con recorrido.
El nombre La Cuadra no es un misterio, por cuestiones de fortuna o el azar, las galerías de los artistas mencionados al igual que una de las sedes del Colombo Americano, están ubicadas en la misma dirección o más exactamente en la misma cuadra, una vez que se unieron para desarrollar un espacio de exposiciones, el nombre no podría ser más evidente.
“Es un espacio de exposición alternativo donde no hay que tener un currículo amplio ni haber tenido muchas exposiciones, sino simplemente tener una obra una propuesta seria para ser mostrada, y así empezamos a mostrar cultura y a mostrar actividades en la calle”, comentó Jesús Calle.
Con el paso del tiempo, La Cuadra se consolidó como un espacio democrático tanto para los artistas como para el público, esta es la razón por la que el evento logró colarse en la agenda de los pereiranos y dentro de la escena cultural y artística pereirana.
Las primeras cuadras corrieron por cuenta de los espacios y de los bolsillos de los artistas que la fundaron, con el tiempo otras corporaciones al igual que el Ministerio de Cultura, también colaboraron con esta empresa, sin embargo, la sostenibilidad material y logística del evento nunca fue sencilla. “La totalidad de los costos siempre fue invertida en las exposiciones, ninguno de nosotros gana un salario formal como resultado de la cuadra.”, asegura Jesús Calle
En estos 20 años son muchos los gestores culturales y artistas que se han formado o que han surgido gracias a este evento, esto aplica también para los hijos de los artistas, el hijo de Jesús Calle, Pablo Calle, y la hija de Javier García, María García, también han tomado un papel protagónico en su realización.
Construcción de ciudad, es probablemente el aporte más grande que deja este evento durante sus dos décadas de duración, la construcción de vecindad, de costumbres, un espacio de reunión alrededor del arte y también la creación de un espacio que fue el “parche” de toda una generación.
Atrás quedan las jornadas donde no solo se exponían trabajos sino donde los artistas pintaban en frente de las exposiciones mientras eran fotografiados por Javier García. Sin embargo, La Cuadra este año quiere dejar un recordatorio de lo que han sido estas dos décadas.
“Vamos a trabajar en la construcción de un documento que se llama Las memorias de los 20 años de La Cuadra, un recopilatorio de todas esas cuadras temáticas que se han realizado en este tiempo, La Cuadra del tango, de la afrocolombianidad, de las artesanías, entre muchas otras, la idea es realizar este documento y tenerlo a disposición del público en el mes de julio o algo así, en una muestra que queremos hacer en una de los talleres o en el Colombo Americano”.
Por la necesidad de crear una nueva escena artística en la ciudad, por una pasión inquebrantable por el arte y también una intención de mejorar esa ciudad por la que se tiene un sentido de pertenencia, esos tres podrían considerarse los pilares que ha mantenido el proyecto, sin embargo, el tiempo no pasa en vano, un evento trae como consecuencia, un desgaste económico y físico, y esta vez llegó el momento de ponerle fin.
La puerta de la galería de Jesús Calle se limpia por última vez para la exposición, la calle de la 12 con carrera 12 bis ignora aún a esta hora del día que pronto dejará de sentir el fogueo del público, el bullicio y la música, sin duda alguna una gran pérdida para la escena cultural de la ciudad, pero también es un llamado y una oportunidad para crear nuevos espacios, que más que arte construyan sociedad, convivencia, reunión y costumbre, esos valores intangibles que crecen de manera silenciosa en estos espacios colectivos.
La escena cultural y artística pereirana tiene aún muchos desafíos en un contexto donde es difícil conseguir aprobación o presupuesto, entre trámite y trámite y con la nueva exigencia de auto sostenibilidad, los nuevos proyectos culturales deben pasar por encima de un campo minado.
Más allá de lo sorpresiva o abrupta que pueda ser la noticia del fin de La Cuadra, lo único que se puede decir si se analiza lo que ha significado el evento durante estas dos décadas y lo que ha significado para la ciudad de Pereira es: misión cumplida.
La Cuadra de hoy se realizará desde las 4 de la tarde hasta las 10 de la noche, gracias al trabajo de los artistas y al coordinador cultural Edwin Laverde. El evento contará con exposiciones en galerías, mercado y artesanía en las calles y música en vivo desde las 6 de la tarde hasta el cierre del evento.
La productora Videobrand hará el lanzamiento hoy miércoles 26 de febrero del seriado Mariposa Verde, en la Cámara de Comercio a las 5:00 p.m. Esta es una obra de ficción que se ubica en los años 60, época en la que se disolvió el Viejo Caldas, lo que hoy corresponde a Quindío, Caldas y Risaralda. El próximo 4 de marzo la serie hará su debut televisivo a través de Telecafé a las 9:00 p.m.
El seriado es la primera producción de ficción que realiza Videobrand después de un tiempo de enfocarse en la comunicación corporativa. “Queríamos apuntarle a un reto, y eso fue la ficción. Somos una empresa muy cercana a la historia de la ciudad y de la región porque hemos realizado muchos videos para diferentes entidades, entonces teníamos mucha afinidad con Pereira y empezamos a preguntarnos, cómo había sido nuestra historia”, dijo Ana María Moreno, productora general y guionista de la Mariposa Verde.
El trabajo de campo y la investigación, la historia de la separación del Viejo Caldas estuvo a cargo de Héctor Fabio Moreno y Franklin Molano. Se quiso además incluir como elemento protagónico el papel de la mujer dentro del proceso de separación, un protagonismo que se construyó a partir del simbolismo de un amuleto en forma de mariposa que lleva consigo la abuela de la protagonista, interpretada por la reconocida actriz Judy Henríquez.
Gracias a dicho trabajo de investigación, la serie pudo tener una correcta ambientación y personificación, sin embargo, los hechos narrados que tienen relación directa o que son iguales a los sucesos ocurridos en la realidad, son muy pocos. Esto se debe a que la intención creativa no era enfocarse en el conflicto separatista como tal sino en aquellos sucesos que pudiesen servir de base para contar una historia con otro tipo de lógicas y sobre todo con un final diferente.
Otro enfoque interesante de la serie fue la cantidad destacable de personajes que permite representar todos los matices de la sociedad de aquel entonces, tanto desde la órbita de la clase pudiente como de la menos favorecida. Es una visión más macro y aunque la serie tiene un grupo de antagonistas bien definido, muestra unos protagonistas que no son tan relevantes desde el inicio de la serie pero que van evolucionando con el paso de los capítulos.
Algunos avances fueron mostrados en una rueda de prensa que se llevó a cabo el pasado 18 de febrero donde se pudo notar una gran calidad audiovisual a la vez que una exactitud notoria en cuanto a las locaciones y los vestuarios. Cabe la pena destacar que, si bien la serie contó con actores reconocidos, un altísimo porcentaje de los personajes fueron interpretados por actores emergentes de la región, especialmente de teatro.
El ámbito audiovisual no fue lo único destacable, el concepto de unidad regional y los efectos y discusiones que este conlleva también son muy interesantes. En las últimas décadas se ha demostrado que la región del Eje Cafetero ha tenido más avance desde que los tres departamentos se han preocupado por tener intereses comunes dejando de lado las riñas regionalistas del siglo XX, aspectos que más destacaron el director Juan Pablo Marín y el consultor Nicolás Gaviria.
Ya sea desde la discusión técnica o desde un ámbito más argumental, La Mariposa Verde definitivamente llama la atención, es difícil augurar con exactitud qué tan bueno o no será un producto antes de verlo pues la industria audiovisual a veces impresiona más en su forma que en su contenido. Sin embargo, ante tantas producciones cliché a nivel nacional e internacional, es bueno darle una oportunidad a un producto local de época que trata de darle otro enfoque a los hechos, contar una historia que se opone a la típica narrativa machista, que tiene una imagen y un sonido prometedores y que, si bien no es históricamente exacto, puede dar ciertas pistas a los espectadores, sobre todo los del Eje Cafetero, de quiénes son y de dónde viene su idiosincrasia.
Si la serie realmente tiene el contenido que promete entonces bien vale la pena estar atento a los 12 episodios con los que contará, y también puede ser una muestra más de que los asuntos históricos y las reivindicaciones sociales merecen un lugar en los espacios mediáticos.
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El Museo de Arte de Pereira se encuentra en su tercera temporada de exposiciones que inició el 8 de noviembre del año pasado y finalizará el próximo 29 de febrero. Cuatro exposiciones conforman esta temporada: SET del artista colombiano Juan David Laserna, Cíber Era de la Casa Hoffman, La Ideología y el Paisaje del artista hondureño Léster Rodríguez y El Lugar del Espejismo del artista pereirano Fredy Clavijo.
Distintas maneras de entender el territorio y la cotidianidad fueron los ingredientes en común que tienen las cuatro exposiciones, las técnicas y las metodologías fueron variadas, aspecto que permitió que el recorrido no se hiciera monótono.
“Estas cuatro obras funcionan juntas porque todas son ficciones, proponen reflexiones a situaciones de conflicto además responden al concepto de upcycling que es la realización de esculturas a través de materiales poco convencionales”, comentó Alejandro Garcés, curador del Museo de Arte de Pereira.
SET por Juan David Laserna Ganador X Premio Luis Caballero
Esta obra puede considerarse como un discurso de otro discurso, una manera de proponer la historia de Pablo Escobar, no desde los relatos testimoniales directos sino desde las construcciones mediáticas, a pesar de que los hechos expuestos son conocidos de sobra por el público. La manera en que se presentan deja interrogantes al espectador tanto en los colores propuestos como en elementos aislados tales como el tejado dónde murió Escobar.
Gran parte de la obra se inspiró en la telenovela, Escobar, El Patrón del Mal, una realización audiovisual que contó con un poco más de detalle esas barbaries que los diarios y la televisión de la época no dijeron con tanta claridad.
Cíber Era por Casa Hoffman
El rápido avance de la tecnología y sus consecuencias. Casa Hoffman propone un mundo post apocalíptico donde solo prima lo cibernético, se pueden ver figuras errantes que representan insectos robóticos y algunos otros artefactos sin ningún ápice de vida orgánica, pequeños monitores colgados en una extensa red, imágenes artificiales de la tierra que dan pistas de un fenómeno geológico y un sonido constante que resalta la incomodidad de un futuro apocalíptico.
El Lugar del Espejismo por Fredy Clavijo
Ganador de la Beca de Creación 8ª Convocatoria Estímulos de la Secretaria de Cultura de Pereira. Recipientes plásticos con trapos rojos cual si fueran banderas, estructuras de madera que simulan una especie de canal de paso o con los cuales se filtra la arena y una imagen con una torre de luz o de planta hidroeléctrica en una montaña, todos los elementos parecen obtener un sentido más preciso cuando se cae en cuenta de que esto es un simbolismo que narra la situación de varios municipios cercanos al río Ranchería en el departamento de la Guajira.
El río Ranchería tiende a ser caprichoso, durante el invierno es abundante y riega a los pobladores y en el verano es implacable y ausente. El título de esta obra es muy preciso, espejismo, pues en realidad ninguno de los estados del rio es permanente. O te da o te quita.
La Ideología y el Paisaje por Léster Rodríguez
“El trabajo os hará libres”, la frase del Campo de Concentración de Auschwitz está entre palillos superpuestos, una moneda gira incesante en una pantalla, palas superpuestas en el suelo y la frase en ingles que traduce: “nadie construye muros mejor que yo”. La eterna lucha de patrón contra empleador se toma esta vez no solo desde un punto de vista de dominancia sino también de reivindicación, cada sociedad es particular y única y tiene matices diferenciales incluso a la hora de protestar por un mal global, la opresión industrial, mezclado con una lucha de territorios y migración.
Recepción de las obras
En general la recepción para esta temporada fue positiva, es un acierto realizar contenido que no se limite a la región, pues los visitantes son los que más disfrutan encontrarse alguna referencia a su región en un museo de otra ciudad, así lo vivencio María Inés Gómez proveniente de la Guajira que comentó para la red social del museo: “fue una experiencia inolvidable dónde tuvimos la excelente atención de Eduardo el cual nos explicó detalladamente cada una de las exposiciones, una de las cuales hablaba de mi departamento la Guajira.”
Foto: Museo de Arte de Pereira
“ElMuseo ha respondido a los intereses de la gente incluidos fenómenos sociales, culturales casi que políticos y creo que por eso la gente ha respondido bien”, comentó Alejandro Garcés, curador del muso.
“La gente adulta, los niños y los universitarios asistieron mucho a ver la obra, la gente entendió que el Museo estaba más cerca de lo que ellos creían”, concluyó. Por otra parte, para Margarita Calle, directora de la Maestría en Estética y Creación de la UTP: “hay dos obras que merecen especial atención, una es Cíber Era de Casa Hoffman -nos enfrenta con el relato ficcionado de una naturaleza distópica, expandida en sus posibilidades de existencia-. La otra es la del pereirano Fredy Clavijo -nos propone una reflexión sobre el paisaje y el territorio como escenario de tensiones y conflictos, en el que se pone en cuestión la legitimidad sobre el uso y aprovechamiento de los recursos naturales -”.
Foto: Museo de Arte de Pereira
El Museo se alista para una próxima temporada dónde el arte y la ciencia serán los temas principales, entre los futuros artistas invitados se destacan los bogotanos Carlos Bonil, Leonel Vásquez y el colectivo Grey Cube Projects.
Por Maritza Palma Lozano | Fotografías Víctor Galeano, Universidad Andina y archivo personal
Carolina Valencia y Ricardo Ramírez, los integrantes de La Soundklórica, preparan su primer álbum. 8 canciones derivadas de un auténtico viaje por los sonidos del Atlántico y del Pacífico.
A RITMO DE TAMBORA TAMBORA
A las orillas de ese mar interminable que rodea la Ciénaga Magdalena, Carolina toca el clarinete y Ricardo el saxofón, acompañados de un grupo que interpreta gaitas y flautas de millo. Se encuentran en pleno Festival Nacional del Caimán, a punto de terminar un viaje de un mes que los ha traído por tierras de Sincelejo, Ovejas (Sucre) y Cartagena, antes de terminar en Palomino y quedar con el corazón hinchado de ganas por seguir grabando su propuesta musical de folclore urbano.
Se trata del viaje que en 2018 emprendieron Carolina Valencia y Ricardo Ramírez, los integrantes de La Soundklórica, quienes en una búsqueda por visibilizar y rescatar las músicas tradicionales colombianas visitaron el Atlántico y el Pacífico del país, con el fin de adelantar lo que ellos llaman “una validación de conceptos”, es decir, la aprobación de algunos precursores y personas que llevan en su sangre las raíces de los ritmos folclóricos y populares del país.
A estas alturas La Soundklórica ya tenía su primer sencillo llamado Pajarito, a ritmo de tambora tambora, y en uno de esos caminos que riñen entre el calor y la brisa los músicos tuvieron la posibilidad de encontrarse con la cantaora Martina Camargo y compartirle su composición. Martina es conocida nada más y nada menos como la “reina de la tambora” por configurarse como una representante a nivel internacional del ritmo de tambora tambora, originado en San Martín de Loba, a orillas del río Magdalena.
Archivo personal
DONDE NACE EL RITMO, NACE EL AMOR
Ricardo nació en Bogotá pero se considera pereirano, se formó como saxofonista en La Habana, Cuba, donde irónicamente empezó su interés por el folclore colombiano y especialmente por la percusión.
Carolina, por su parte, desde muy pequeña se acostumbró a escuchar a Lucho Bermúdez en los vinilos de su papá, y de paso composiciones clásicas donde aprendió a reconocer el sonido del instrumento en el que se formaría años después: el clarinete.
Cuando Carolina estaba en la universidad y ya hacía parte de la Banda Sinfónica de Pereira, justamente como clarinetista, se cruzó con Ricardo. Ella ya lo había escuchado tocar gaita y saxofón barítono, y le parecía que tocaba muy sabroso; así que no perdió oportunidad para decirle:
―Oye ¿tú tocas gaita?, yo soy Carolina y toco clarinete, ¿cuándo nos vamos a sentar a estudiar folclore?
―Mañana mismo si quieres― respondió Ricardo.
“Y llevamos 7 años estudiando”, afirma ella, entre risas. Desde ese momento, más que iniciar una aventura por las aguas del folclore, inició también un amor y un proyecto musical.
Por Víctor Galeano
“POR SI MAÑANA ME MUERO”
Así le canta Carolina a Ricardo, al son de un porro chocoano, para decirle que canta con el corazón y le pide a la vida bendita que lo cuide por siempre.
En la primera cita Carolina todavía no sabía que Ricardo tenía una discapacidad visual.
― Ey, llevo media hora voleándote la mano. ¿Te estás haciendo el bobo o qué? ―le había dicho Carolina, antes de que Ricardo le contara detalles.
Desde ahí, dice Carolina “me puse la camiseta de aprender cómo es convivir con una persona de una condición diferente”.
En un primer momento recibió comentarios de la gente que le reprochaba que ella cómo se iba a juntar con una persona con una discapacidad. Frente a lo cual respondió: “eso no es nada, Richi tiene 50 mil cosas de las cuales me pego y quiero coger su mano y caminar con él”.
Además, como relata Ricardo, Carolina ya tenía conocimientos e interés por la lengua de señas. Lo que fue llevando a que la propuesta de La Soundklórica se gestara como un proyecto inclusivo que desde la música y la puesta en escena se piensa para “las personas que han sido excluidos históricamente, no solo por discapacidad sino por género, por creencia, por raza, por color”, según aclara Ricardo.
Los beats que componen la mezcla sintetizada de sus canciones, tienen unos subbajos especiales que la comunidad sorda puede sentir, además en todas sus presentaciones incluyen a un intérprete de lengua de señas, labor que actualmente realiza Alexander Giraldo, quien señala que participar de este proyecto “ha sido muy armonioso, todo está basado en la conexión con la música y con los demás, especialmente con la comunidad sorda”, a lo que agrega Ricardo “la inclusión siempre va, no es lujo ni capricho, es necesidad”.
Por Universidad Andina
Están terminando de grabar su primer álbum compuesto por las 8 canciones que quedaron de ese viaje sonoro al fondo del folclore. Dos adaptaciones: Aurora – porro chocoano -y Danza en tono menor- tradicional del Pacífico, y seis de su autoría: La jeva y Por si mañana me muero -porro chocoano-, Pajarito -a son de tambora tambora-, Tus besos -chalupa urbana-, La singona -gaita- y Juanita Gómez -chandé-. Tanto los sonidos del Pacífico, como del Atlántico están representados con el mismo número de composiciones. Ya han publicado la mitad a modo de sencillos.
En medio de viajes, estudios de grabación y conciertos, se les ve aún cogidos de la mano por las calles de Pereira. Ella usa una larga falda de flores y una banda de la misma pinta que rodea su cabeza mientras él camina dejándose llevar por Conga, su perra guía.
Contra todo pronóstico y estigma esta nueva colección de canciones busca la reivindicación del campesino y sus tradiciones, esos otros sentidos, muchos más dignos y verdaderos, de la palabra montañero. Más que un disco de música parrandera es una declaración del sentimiento que da la conexión profunda con este territorio.
Que a uno lo llamen montañero puede terminar siendo un insulto gravísimo, pues más allá de hablar de una procedencia territorial, tal denominación se ha convertido en sinónimo de mal gusto o ignorancia. Esta situación ha tenido graves repercusiones en las identidades culturales que históricamente nos han caracterizado, pues día a día nos distanciamos de nuestros orígenes campesinos.
La precarización de los trabajos asociados a la agricultura ha venido de la mano con la escasa valoración del conocimiento y esfuerzo de los hombres y mujeres que habitan las zonas rurales de nuestro país. Paradójicamente, a nivel internacional, se habla cada vez más de la importancia de la conservación ambiental, de los beneficios de los productos orgánicos y de la necesidad de proteger las fuentes de agua, todos oficios que han desarrollado siempre los campesinos.
Así, mientras ellos tratan de resistir con dignidad y mantenerse en sus territorios, en las ciudades manejamos un doble discurso, de un lado nos cuesta valorar lo que tenemos y del otro intentamos asimilarnos a las tendencias globales que promueven estilos de vida saludables. Ante esta contradicción surgen propuestas que desde lo cultural pretenden reivindicar los saberes y prácticas campesinas, este es el caso de la agrupación Serranía, que desde hace diez años viene desarrollando un proceso de investigación – creación en el que, además de indagar por los orígenes y diversidad de las músicas del Eje Cafetero, se han ocupado por crear letras que exalten la labor y riqueza de ser y vivir en el campo.
De ahí que, en el 2019 estén lanzando su segundo trabajo musical, que lleva por nombre “Orgullo montañero”, una producción cuidadosa de cada detalle, llena de matices, en la que se expone la riqueza de ritmos de nuestra región, al tiempo que sus letras están llenas de reflexiones en las que se exalta la contribución de las mujeres campesinas a la construcción de nación, la vulnerabilidad social de esta comunidad, su papel en la conservación ambiental y su aporte en la formación de riqueza.
La música parrandera, como se le ha llamado a la diversidad de músicas alegres que se producen en todo el Eje Cafetero, ha sido caracterizada comúnmente como jovial y de doble sentido, sus orígenes son diversos, dan cuenta de la apropiación cultural que se dio en la región desde finales del siglo XIX, donde las rancheras, los corridos, los huapangos y los sones se mezclaron con los bambucos, los pasillos y los porros, dando lugar a un sonido característico, que abrió la puerta a un relato de lo nacional más amplio, en el que se reconocía que Colombia era mucho más que su capital.
Nuestras músicas campesinas irrumpieron sin permiso en la vida de las ciudades, antes que obreros de la construcción o trabajadoras de la industria textil, estos hombres y mujeres eran del campo y esto se vio reflejado en toda la riqueza que aportaron a los sonidos urbanos de ciudades como Medellín, Pereira o Manizales.
“Orgullo Montañero” la creación de Serranía, una agrupación que no teme reconocer su origen campesino, que le apuesta a reivindicar la capacidad creativa de quienes dedican su vida a cultivar nuestros alimentos. Más que un disco es una declaración del sentimiento que da la conexión profunda con este territorio.
Por Alejandro Patiño Sánchez | Fotografías de Juan Carlos Gil
En Papá Bocó casi todo ha llegado por azar, cierto espíritu de improvisación, de un toparse con ritmos y circunstancias que han dado forma a lo que son actualmente. Nacieron a partir de un jam session, esas reuniones informales entre músicos que con cierta afinidad tocan por simple disfrute; sin partitura ni ensayo previo.
LOS ORÍGENES IMPROVISADOS
Fue en el año 2008 en La Candelaria, un sitio de música latinoamericana en el centro de la ciudad que abría espacio a conciertos de diferentes géneros. La anécdota la recuerda Santiago Anaya así: “en febrero de ese año, Andrés Toscano, Felipe Paz y yo estábamos en casa del primero escuchando vinilos de salsa. Nos llamó la atención un jam session de finales de los 60 que se llamaba Descargas en el Village Gate. Reunía a Eddie Palmieri, Tito Puente, Johnny Pacheco, Ray Barretto, entre otros. Era algo espontáneo y a partir de ahí se formaron muchas orquestas de la época”. En ese momento les surge la idea de convocar a músicos amigos a una noche de improvisación.
Era sábado, hubo publicidad que los mismos músicos pegaron en muros, llamadas al uno y al otro, convocando, y un lleno inesperado del sitio. “No habíamos ensayado nada, llegamos a improvisar, bueno, ustedes saben tal tema, listo, en la mitad solo de saxofón, ¿quién quiere hacer el solo del charango, el del timbal?, hágale. Era así, improvisado”. Los encuentros continuaron, pero querían algo más definido, no tan casual, “tiene que haber un grupo base que prepare los estándares, un punto de inicio”. En ese momento surge Papá Bocó como una agrupación de latin jazz conformada por esos tres amigos que escucharon ese vinilo revelador. Eran Felipe Paz; saxofón alto, Andrés Toscano; trombón y Santiago Anaya; percusión. Al poco tiempo se sumaron tres más: Darío Franco en el bajo, Addison Deivy López en el piano y Felipe Muñoz en el timbal.
Eran los inicios, y después de algunas presentaciones locales a punta de instrumentales deciden meterle letra a las canciones. Entonces montan su primer tema de salsa cantado, al tiempo que retoman con nuevos arreglos tres temas de Linaje: Cambiaré, África y Mi Buenaventura. Un primer repertorio que los ha acompañado hasta hoy. Linaje era la agrupación instrumental en la que tocaban Anaya, Paz y Toscano, con cierto reconocimiento por sus múltiples participaciones en el Festival Petronio Álvarez de Cali. Estaba a punto de desaparecer, aunque en ese 2008 y en el mismo festival ganó en mejor arreglo musical por la adaptación que Felipe Paz hizo de Mi Buenaventura, composición original de Petronio Álvarez.
Fue el año de la revelación, la transición y la búsqueda: “con esa experiencia sentimos también que la música del Pacífico debía ser incluida en nuestra propuesta musical, junto al latín Jazz, fusionada, con toda la exploración del caso”.
Baila mi rumba es en definitiva un disco que nos acerca al Pacífico y resume la búsqueda de una agrupación que sin renunciar a su esencia ha seguido un camino en constante zigzag.
EL RECORRIDO ENTRE GÉNEROS
La presencia de Papá Bocó en festivales ha sido notable. Han llegado a tantos como les ha sido posible gracias a su propuesta diversa en por lo menos tres líneas musicales: latin jazz, salsa y música tradicional del Pacífico, todo esto, como una especie de coctel que se prepara en la barra para servirse al instante, fusionado con otros ritmos como el rock, el funk, el reggae, el rap o cualquier otro que les salga al paso. SeviJazz, Ajazzgo, Concierto Nacional, Bandola, Mono Núñez (grupo invitado), Petronio Álvarez (en 3 ocasiones), Versalles, y en Pereira, Fiesta de la Música, Convivencia Rock y Festival Sinfónico, por mencionar los principales.
Pero fue su participación en 2012 en Barranquijazz que les demostró de nuevo un camino a seguir. Después de obtener el segundo puesto durante la ronda eliminatoria, fueron incluidos en la programación oficial como grupo invitado. En el primer momento se midieron ante músicos emergentes, pero “exigentes, de mucho nivel en La Costa”, y en el segundo compartieron tarima junto a agrupaciones de alto nivel, nacionales como extranjeras. “En este evento comenzamos a definir el sonido y formato”. De nuevo el azar y la improvisación los colocaba en paradoja con su propia obra: “no teníamos montado un concierto completo de latín Jazz pero si música cantada. Nos llevamos a Edwin Hoyos, que siempre ha sido nuestro cantante principal, ensayamos, y de tanto darle a esos temas fue cuajando. El repertorio fue una mezcla entre canciones cantadas y latin jazz instrumental, además de una composición propia que debíamos presentar, fue un punto donde la mixtura se dio, debíamos tener un cantante, elementos de jazz y de fusión. Tocó irnos por esa vía y nos gustó”. Quizá se sintieron más cómodos cubriendo varios frentes y buscando sus relaciones, que definiendo una sola vía en la interpretación y la composición. De esa forma se los había mostrado la vida y la propia experiencia.
ENTRE MAESTROS Y AMIGOS
Recoger de aquí y de allá, como esas bolas de nieve que al rodar van creciendo y ganando velocidad y peso, ha sido la constante de Papá Bocó. Llegaron de Barranquijazz con la idea de hacer el tipo de música que habían encontrado allá. También sentían que era el momento de crear, pero “había una especie de confusión, no sabíamos cuál de todos los géneros nos representaba. Yo tenía un latín jazz, Edwin los temas cantados, y así. Era una tensión entre dos líneas musicales”. Y esa es precisamente la esencia que recoge el disco, suena a muchas cosas conocidas pero no se relaciona directamente con nada, “eso identifica a la gente con nosotros”.
Se han definido en esta producción por los temas cantados y algunos ritmos del Pacífico (bunde, currulao, porro chocoano, abozao) y la salsa (bomba, ritmo de son, timba) con sus respectivas fusiones, fruto de un trabajo académico de investigación por parte de algunos de los integrantes. “Es un primer momento. Aunque no queremos dejar de hacer la música instrumental en vivo, es nuestra esencia, la que siempre va a estar. Según como se vayan dando las cosas nos vamos para un lado o para el otro”. Esa tensión, quizás, es producto también de lo que han escuchado. Influencias, “amigos en el camino”, de músicos que optaron por esas mixturas como Eddie Palmieri, Poncho Sánchez, Eddy Martínez y Joe Arroyo, “de este último tratamos de seguir esa mezcla de ritmos que hacía”. También suenan ecos de Ray Barretto, Herbie Hancock, y en esa misma línea clásica, los colombianos Héctor Martignon, Antonio Arnedo y Francisco Zumaqué. No dejan a un lado los nuevos ritmos colombianos: Jacobo Vélez, Puerto Candelaria y Herencia de Timbiquí en su etapa inicial, Maite Hontelé, Hugo Candelario, Baterimba, el risaraldense Julián Salazar con sus proyectos Mitú y Bomba Estéreo. Y para Anaya, el más grande de todos, Yuri Buenaventura, con quien han podido establecer una bonita amistad. Si uno pudiera mezclar todos esos sonidos a modo de recetario, muy seguramente el resultado sería Papá Bocó, listo para ser digerido.
BAILA MI RUMBA
Baila mi rumba es en definitiva un disco que nos acerca al Pacífico y resume la búsqueda de una agrupación que sin renunciar a su esencia ha seguido un camino en constante zigzag. Recoge composiciones y adaptaciones de diferentes épocas, celebra la rumba pero incluye profundas referencias académicas de unos conocedores del folclor que han aprendido que la mejor manera de preservarlo es llevándolo a otras dimensiones sonoras. Es un viaje, una expedición, un alto en el camino. De las 9 canciones del disco 5 son composiciones de Papá Bocó con letras de Edwin Hoyos: Baila mi rumba, Mi canoíta, Otra oportunidad, Cúñala y Canto negro pa bundiá. El resto son adaptaciones de temas traídos desde la época de Linaje y Lumbalú: Sin consuelo, Cambiaré y África. Y la reconocida versión de Mi Buenaventura del gran Petronio Álvarez con arreglos de Felipe Paz.
Es también un álbum hecho en grupo: “entre todos le damos forma, esto no cuadra, aquello no rima, y así vamos armando el ritmo de la canción o encontrándolo de acuerdo a la letra, bien sea a partir de la percusión o de la guitarra o el canto”. Es una producción local, autónoma, con recursos del grupo. Han pasado 8 años, desde ese vinilo que escuchaban casualmente al prensaje de su primer cedé. Ya son nueve integrantes y un formato instrumental más amplio: Cristian Camilo Arias; trompeta, Felipe Paz; saxofón alto, Andrés Toscano; trombón, Víctor Castrillón; Piano, Daniel Cardona; tres cubano y percusión (bombo de chirimía), Camilo Trejos; bajo, Sebastián Trejos; batería, vibráfono y marimba, Edwin Hoyos; voz y Santiago Anaya; percusión y dirección artística. Han ganado un público que demostró en su concierto tributo a La Fania su total admiración y agradecimiento, “finalmente eso es Papá Bocó, una especie de chamán que ayuda a la gente con magia”. En Pereira la leyenda se cumple pero a ritmo de rumba y goce.
El disco celebra la rumba pero incluye profundas referencias académicas de unos conocedores del folclor que han aprendido que la mejor manera de preservarlo es llevándolo a otras dimensiones sonoras.
Por Christian Camilo Galeano | Fotografías Jess Ar
La Fiesta de la Música en Pereira llegó en este 2019 a su edición 13 al aire libre el pasado sábado 22 de junio. Año tras año nos sorprende por su poder de convocatoria, tanto de las bandas emergentes de la región que participan, como del público asistente que se goza el parque y la diversidad de ritmos ofrecidos. Por primera vez tuvo una semana previa con múltiples actividades (exposiciones, conciertos, charlas, talleres) en diferentes espacios.
Destacamos de esa programación el concierto en el Teatro Santiago Londoño con la agrupación Tshegue, desde los suburbios de París.
En el teatro Santiago Londoño de la ciudad de Pereira, La Alianza Francesa dio el preámbulo a La Fiesta de la Música con una banda que nos recordó que antes que palabra, somos música, cuerpo y comunidad. Tshegue, en pocas palabras, podría definirse como una erupción volcánica, donde poco a poco los sonidos tribales africanos, daban paso a esa influencia garage rock que termina por abolir las diferencias culturales.
Tshegue proviene de las periferias de África y París; solo desde allí se puede construir una música que contenga tradición e irreverencia. Beber de las raíces de la humanidad, de donde surgieron aquellos homínidos que articularon palabras, y no contentos con esto, dieron forma a los primeros cantos.
Y a su vez los suburbios: hogar de los exiliados de la humanidad, donde nacen sentimientos de resistencia y toman forma sonidos musicales toscos, violentos que quieren destruirlo todo. Gritos de protesta, a veces melódicos en otras ocasiones no tanto, ¡no importa!, lo que vale es recordarle a la sociedad que allí hay personas olvidadas que padecen y cantan. Son las fuentes de las que bebe Tshegue, bebe para cantar.
A partir de este torbellino musical nace Tshegue. Esta banda arribó a Pereira a reiterar que la música parece ser un lenguaje universal. El concierto inició con unos sonidos ancestrales africanos, recordando al público expectante que otra tierra es el hogar perdido del ser humano.
Después, el estallido y la fuerza de Faty Sy Savanet (vocalista) que hizo de todo el teatro su escenario. Su voz fue la voz de todos los asistentes, no había una lengua en común, pero si un mismo canto. Cada uno de los asistentes vibró con los canticos y movimientos de aquella africana, su cuerpo era parte de la canción. Aquel público más que saberlo, lo sentía, las sillas se movían, los pies de muchos querían saltar al igual que Faty. El cuerpo vibraba y la música continuaba. Faty, bailó e invitó a saltar con ella, muchos aceptaron y los cuerpos en movimiento fueron parte del espectáculo.
En un éxtasis musical muchos asistentes terminaron bailando al borde del escenario, se agitaban al compás de los movimientos y cantos de Faty. Pero esta no fue la consumación del espectáculo. Faty se mescló con el público, bailó en medio de jóvenes y adultos para al final invitarlos a tomarse el escenario junto a toda la banda. La música logró que aquel evento pasara a ser una fiesta, donde las diferencias se perdían.
La cantante bailaba y se movía entre el público; Tshegue era el público y los espectadores eran Thsegue, al final no había banda ni espectadores, solo una fiesta.
Por poco menos de una hora, Thsegue recordó que hay formas diferentes de comunicar y compartir con los otros. Una comunidad se puede construir a partir de un canto que, aunque no comprendamos su idioma, vibramos con aquella voz y esos sonidos; intuimos que detrás de todo canto se hallan pistas de lo que es el ser humano.
¿Qué impresión deja esta banda parisina en la ciudad? Sin lugar a dudas, esta fiesta de la música en el teatro Santiago Londoño anuló las distancias que imponen las lenguas y las geografías. Borró las diferencias entre artistas y espectadores. Y lo más importante, afianzó esa alianza milenaria entre las personas y la música.
Ciudad Cultural hace un recorrido por los orígenes y crecimiento del MC Festival, con instrumentos de cobre y percusión. Un evento musical promovido en Pereira por Ignacio Antonio Ríos, actual director de la Banda Sinfónica.
EL MC FESTIVAL BRASS AND PERCUSSION
Primero, el instrumento. Se llama tuba y es el mayor de la familia de viento-metal. Las hay de cobre o de bronce y en los últimos años han fabricado algunas en resina sintética. Tiene un sonido tierno y enamorador. Más arrugado que el de una trompeta, más potente que el de un corno y con la posibilidad de un registro más grave y alto. En las orquestas sinfónicas se distingue porque acompaña los bajos de algunas cuerdas —como el violonchelo y el contrabajo—, y de algunos tonos medios de maderas —como los del clarinete y el fagot—. Aunque, de un tiempo para acá, ha ganado protagonismo y le han concedido espacio para solos. Si pudiéramos estirarla, la tuba mediría unos siete metros. Enroscada, su tamaño puede equivaler al tórax de un músico adulto sentado. Si un niño de unos 10 años la carga de un lado a otro, la tuba se ve más grande y ancha que el niño.
Lleno total durante unas de sus presentaciones en La Catedral. Foto: Jess Ar.
El MC FESTIVAL BRASS AND PERCUSSION es una de esas rarezas exquisitas. Un poco inexplicables.
Segundo, el músico. Mel Culberston, un gringo orgulloso de sus raíces Cherokee, llegó a convertirse en el más destacado tubista del mundo en las últimas tres décadas. Murió en 2011 en una sala de hospital, en Francia, país en donde llevó adelante su carrera. Su legado es variado: como profesor y maestro, dejó una numerosa lista de tubistas brillantes en varios países del mundo, sobre todo, en Europa Central. El colombiano Andrés Arévalo tuvo la fortuna de ser uno de sus discípulos. Como tubista principal de orquesta, Culberston hizo parte de la Sinfónica de Hague, en Holanda, de la Filarmónica Radio Nacional de Francia y de la Orquesta Nacional de Bordeaux-Aquitania. Quizás, su más grande aporte a la música sinfónica contemporánea fue el de disputar con el sector más conservador de la música sinfónica europea —y ganar— un lugar para la tuba como instrumento solista a lo largo de una obra, no sólo como acompañante, y un lugar como instrumento individual para interpretar obras exclusivas en sala.
Los instrumentos de cobre son los protagonistas en diferentes espacios y con un amplio repertorio. El público los observa detenidamente. Foto: Jess Ar.
Tercero, el festival. El MC Festival Brass and Percussion es una de esas rarezas exquisitas un poco inexplicables. Su primera versión tuvo lugar en 2010, en Bogotá. Fue un homenaje a la obra del maestro Mel Culberston —por eso MC—, un escenario privilegiado para la interpretación de la tuba y un espacio único para que los aprendices de este instrumento se rodearan de los maestros en talleres y ensambles. Y desde 2012 se viene celebrando en Pereira, salvo en el 2014. En este 2016 la ciudad disfrutará de su cuarta versión y el evento se convertirá en una sólida constatación del buen aire musical que ha cultivado Pereira en la última década.
Ignacio Antonio Ríos Torres llegó a Pereira hace 23 años. Egresado del Conservatorio del Tolima y de la licenciatura en música de la Universidad de Caldas, venía con la expectativa de establecerse acá sólo un año pero la ciudad lo fue seduciendo y terminó quedándose del todo. Hoy es el director de la Banda Sinfónica de Pereira y el doliente de los servicios de orientación musical que ofrece el Instituto Municipal de Cultura, entre otras actividades en torno a la academia musical.
A comienzos de 2012, Ríos Torres recibió un correo del tubista Andrés Arévalo para decirle que el MC Festival ya no iba más en Bogotá, que él había tocado todas las puertas y no había conseguido financiamiento. Le explicó qué buscaba del festival y cuál era el énfasis, y le propuso que intentara organizarlo en Pereira, “sobre todo, porque mucho joven de la provincia no tenía los recursos para viajar a Bogotá a disfrutar del festival”, explica Ríos Torres. Para un estudiante no era fácil: además de los costos mínimos —transporte, alimentación y hospedaje—, si quería participar en los talleres tenía que cargar su propia tuba —si contaba con una— o conseguirla prestada. A sabiendas de que en las bandas y orquestas, por lo general, no abunda este instrumento.
Arévalo le habló a Ríos Torres de Mel Culberston. Quienes habían sido sus estudiantes querían propagar el amor por la tuba y continuar con el modelo de enseñanza que él les había inculcado. “La tuba no ha sido atractiva para los jóvenes que estudian música, entonces Culberston se dedicó a promocionar este instrumento y que los compositores escribieran obras para la tuba en solista”, dice Ríos Torres. “Pero que el estudiante no sólo se preocupara por ser un excelente instrumentista, sino también una persona sencilla y generosa con el conocimiento, una muy buena persona”. Ocurría, además, que en Colombia no había un gran desarrollo musical de los más grandes instrumentos de viento-metal. La tuba, el eufonio, incluso el corno parecían olvidados en comparación a la atención que le prestaban a la trompeta, el clarinete y el saxofón. De organizar el MC Festival en Pereira, los músicos de la ciudad podían disfrutar de la presencia de los maestros actuales de la tuba y aprovechar sus conocimientos. Junto con Andrés Arévalo vendrían Fabièn Wallerand, Bastien Baumet y Vicent Lepare, tres de los más virtuosos discípulos de Culberston, y la pianista japonesa Mari Kiagehira.
Ríos Torres hizo la gestión con la empresa privada y con el Instituto Municipal de Cultura y en julio de ese año logró realizar la tercera versión de este festival, primera en esta ciudad. Fue un encuentro pequeño, casi íntimo para músicos y estudiantes, con presentaciones en salas y talleres.
El auditorio del Banco de la República es otro de los escenarios donde suenan estos instrumentos.
Con el MC FESTIVAL EN PEREIRA, los músicos de la ciudad han podido disfrutar de la presencia de los maestros actuales de la tuba y aprovechar sus conocimientos.
En 2015, la ciudad vibró con el festival. Entre la primera versión y ésta sucedieron algunos cambios. Se amplió la base instrumental. La tuba y el piano se complementaron con instrumentos de percusión y otros de viento-metal. Trombón, eufonio, corno y trompeta, más percusión. Esto permitió que al nombre del festival se le añadiera “Brass and Percussion”. Para Ríos Torres esta ampliación fue necesaria para darle vida a unos instrumentos que “no son conocidos comercialmente pero que tienen gran importancia hoy en día”. Además, permitió que la banda sinfónica de Pereira, que está conformada por instrumentos de viento y percusión, aprovechara mejor la presencia de los maestros.
En las mañanas y en las tardes, músicos y estudiantes asistían a los talleres y preparaban ensambles para interpretarlos en recitales nocturnos. Y aquí vino el segundo cambio: ya no sólo se presentaron en salas para públicos limitados: también ofrecieron conciertos en espacios abiertos y por toda la ciudad. En el corregimiento de La Florida, en la plazoleta del edificio Lucy Tejada, en la peatonal de la Alcaldía, entre otros. Y celebraron un enorme recital en la Catedral con al menos setenta músicos que llenó el recinto.
No sobra decir, que al repertorio clásico de obras y composiciones sumaron aires del folclor colombiano, para las que invitaron al maestro del eufonio Ramón Benítez. “Nuestra música siempre ha jugado un papel importante dentro de las orquestas. En un recital, la Banda Sinfónica de Pereira abre con una obra clásica mundial y cierra con una obra de la música colombiana. Así cuidamos nuestra identidad”.
En la actualidad, el MC Festival Brass and Percussion es el único en Colombia que ofrece esta gama de instrumentos y se ha convertido en una referencia para estudiantes y músicos residentes en lugares diferentes a Bogotá. Y ha mantenido el fervor pereirano por la música más bella.
ARTISTAS LOCALES EN EL AÚN 44 SALÓN NACIONAL DE ARTISTAS
María Angélica Cordero | Fotografías Jess Ar y 44sna
Pereira será hasta el mes de noviembre epicentro del arte nacional en el marco del AÚN 44 Salón Nacional de Artistas, espacio que ha planteado una reflexión en torno al territorio y la naturaleza como artificio. 6 artistas locales incluyeron su trabajo en esta discusión para permitirle al resto del país y el mundo, conocer las inquietudes estéticas desarrolladas en la región. Ciudad Cultural conversó con ellos sobre su trabajo y experiencia en lo que va del evento.
La naturaleza de la irrupción | Jess Ar
El 44 Salón Nacional de Artistas recién se instaló en la ciudad de Pereira, algunos lo han recibido como blanco de críticas, otros como un magno evento de arte e incluso hay quienes lo consideran una posibilidad para medir en la ciudad el compromiso con las distintas dinámicas artísticas y formación de públicos. Todas las posturas son igualmente válidas, pues motivan a propios y foráneos durante el tiempo que le resta al Salón, a cuestionar y revisar a profundidad las diferentes propuestas que encontrará.
Seis obras locales tienen lugar en este panorama de arte dispuesto en varios escenarios, 6 obras que adquieren más valor en la medida que se conocen los procesos que les sirven de andamiaje, “hay que tener muy claro que los artistas locales no están en el salón porque se esté llevando a cabo en Pereira y sea una decisión paternalista, están acá porque son buenísimos, porque desde hace más o menos unos 10 años se ha venido consolidando una generación de artistas contemporáneos que pueden estar acá o en cualquier exposición internacional” afirmó Rosa Ángel, Curadora y Directora Artística del 44 Salón Nacional de Artistas.
Varias preguntas se ponen sobre la mesa: ¿qué responsabilidad tienen en la construcción de imagen de ciudad los artistas locales que exponen su obra en el AÚN?, ¿cómo se inserta Pereira en la propuesta del Salón?, ¿qué puede medir la ciudad en términos artísticos ante un evento como este?
Obra: Siguen siendo las aguas las que hacen la ciudad Gustavo Toro Lugar: Club Rialto
Este fotógrafo y artista pereirano inició su proceso de formación académica en áreas diferentes al trabajo que desarrolla hoy en día alrededor de la fotografía. Un día decide renunciar, impulsado por su pasión hacia la imagen bidimensional, e iniciar su profesión artística en la Universidad Tecnológica de Pereira. “El llamado al arte estuvo todo el tiempo sin embargo desde hacía mucho tiempo venía trabajando en la fotografía, siempre hubo una gran conexión, desde pequeño y tuve la certeza que me iba a ir por ese lado”.
Sus inclinaciones artísticas hoy en día responden a un llamado evocado por el paisaje, “era recurrente querer abordarlo de una manera muy intuitiva y no había definido temáticas que quisiera tratar, siempre estaba buscando entornos vacíos con planos muy abiertos, en ocasiones en relación al cuerpo”.
Este trabajo es lo más reciente que ha hecho y pudo llevarlo a cabo gracias a una beca de Ministerio de Cultura en el año 2014 que le permitió viajar a Ecuador a fotografiar dos de sus ríos, “de algún modo la pregunta fue: ¿quiénes viven en estos sitios alrededor del río y por qué?, de ahí surgió este trabajo finalizado este año”.
La exposición presente en el Aún evidencia una relación directa con el paisaje, trabajada de una manera más consciente, Según Gustavo Toro, hay un diálogo siempre muy presente entre la imagen bidimensional y lo escultórico y ese ha sido un modo de proceder, “voy a un sitio hago apuntes visuales y a partir de esas observaciones empiezan a resultar una serie de objetos”.
Son las aguas las que hacen la ciudad | 2016 | 44sna
Obra: La oreja hueca de la montaña y tres cuentos denigrantemente cortos Ricardo Muñoz Izquierdo Lugar: Club Rialto
Conozca más: vimeo.com/user9735614
Este artista nacido y formado en la ciudad de Pereira, tiene como hilo conductor de su trabajo el dibujo, ligado a las diversas posibilidades del arte actual. El videoarte que expone actualmente en el Salón, cargado de personajes excéntricos, está permeado por una literatura que trabaja la estética de lo grotesco, el horror, lo siniestro y lo irónico. “Vengo de un dibujo realista y académico que se ha ido transformando. El video expuesto en el Salón Nacional es un resultado de todo este proceso con el dibujo, la pintura, los objetos, el cuerpo, el performance y la acción.
El video realizado para exponerse en el AÚN, dura 8 minutos, fue grabado en interiores con un equipo de producción pequeño de algunos cuantos amigos, y muestra una serie de personajes que dan cuenta de una personalidad fuerte que se hace evidente gracias al movimiento, la espacialidad y la interacción mediados por una presencia constante de la sexualidad.
La oreja hueca de la montaña y tres cuentos denigrantemente cortos | 2016 | 44sna
“El Salón Nacional es el proyecto cultural más ambicioso que ha tenido la ciudad y con seguridad van a pasar muchas cosas durante estos dos meses, y más adelante se van a interesar por artistas de la región, los que están y los que vienen detrás”.
Este trabajo es lo más reciente que ha hecho y pudo llevarlo a cabo gracias a una beca de Ministerio de Cultura en el año 2014 que le permitió viajar a Ecuador a fotografiar dos de sus ríos, “de algún modo la pregunta fue: ¿quiénes viven en estos sitios alrededor del río y por qué?, de ahí surgió este trabajo finalizado este año”.
La exposición presente en el Aún evidencia una relación directa con el paisaje, trabajada de una manera más consciente, Según Gustavo Toro, hay un diálogo siempre muy presente entre la imagen bidimensional y lo escultórico y ese ha sido un modo de proceder, “voy a un sitio hago apuntes visuales y a partir de esas observaciones empiezan a resultar una serie de objetos”.
Una generación incansable
“El grupo de artistas locales es muy nutrido, con un interés por la instalación, el videoarte, el trabajo colaborativo, por prácticas relacionales, por experimentar con creación in situ, hacer investigación creación, por eso en su momento los llamamos a la mayoría de ellos La generación del giro” puntualizó Margarita Calle, directora de la Maestría en Estética y Creación de la Universidad Tecnológica de Pereira, quien además resaltó que los artistas hoy presentes en el AÚN son juiciosos y trabajadores permanentes, su dinamismo con las residencias, convocatorias, becas y viajes los refleja como “Artistas con una sensibilidad muy grande por los contextos, que además entendieron la dinámica del campo contemporáneo y juegan con ella”.
Basta con visitar las seis exposiciones para entender esta caracterización; reflexiones que aunque distantes entre sí, evidencian el estrecho vínculo que existe entre el concepto de territorio con la naturaleza, las costumbres, las personas y la ciudad. “Estos artistas abordan muchos procesos locales relacionados con el río y nuestras realidades cotidianas, pero desde unos lenguajes globales, unos soportes y unas materialidades que no encierran los procesos en la localidad” agregó Margarita Calle.
Sigue latente entonces la idea de que la ciudad y el arte local están siendo representados a través de una lectura hecha por esta generación de artistas, reflejo que se ubica gracias al Salón, de frente al mundo en la propia casa.
“Los artistas deberían poder jalar una imagen de ciudad, de las prácticas estético-artísticas a través de su trabajo, una imagen alrededor del ámbito de las artes en esos temas de interés. Las preguntas que circundan a estos artistas tienen que ver con esa construcción de un proceso que también será colectivo porque incluye hablar de una imagen en general, de medirle un poco el estado a esas prácticas actuales locales” comentó Sandra Johana Silva, artista, investigadora y docente.
Obra: Río Escultor de Piedras Colectivo Otún Lugar: Caseta de la Junta de Acción Comunal del Barrio Zea (Avenida del Río) Cra 1 No. 16ª-04
Conformado por los artistas Martín Abad Abad, Mauricio Rivera Henao y Álvaro Hoyos Baena, este Colectivo se reúne gracias a la iniciativa de la Directora Artística del AÚN, Rosa Ángel, para desarrollar una obra que denotara el papel fundamental del artista Martín Abad en el arte regional. Artistas elegidos gracias a que la naturaleza siempre ha sido motor de sus propuestas estéticas.
“Para nosotros es vital señalar la dialéctica entre la noción idílica del Paisaje Cultural Cafetero y su imagen de postal y consumo, con la vida de las personas cercanas al río en donde no es visible. Aquí en el barrio Zea el río te estimula todos los sentidos, pasa por toda la gama del negro al ocre y hasta reconoces en él cosas de vecinos, basura, al mismo tiempo que disfrutas de una fauna preciosa”.
El colectivo, unido al proyecto “Acuavenida del Río Otún” en la recuperación del sector se interesa en “señalar al río y su autonomía como hecho creativo y creador en sí mismo, como río escultor. Somos coautores, esperamos que la avalancha que avecina el Salón a la ciudad alborote la academia, los visitantes, artistas y a todo el que entre”.
Obra: La naturaleza de la irrupción Fredy Clavijo Cuartas Lugar: Club Rialto
Conozca más: vimeo.com/fredyclavijo
Este pereirano, licenciado en Artes Plásticas de la Universidad Tecnológica de Pereira encontró un nuevo rumbo luego de viajar a otras partes del país, pues lo que hacía en términos artísticos no correspondía con el contexto de lo que estaba sucediendo a nivel nacional, “entonces me empecé a percibir como anacrónico y en ese momento decidí dejar de pintar y empecé a abordar otras materialidades, como otras formas de representación que no son más ni menos que la pintura, pero sí brindan otra posibilidad de indagar en la realidad”.
Fredy Clavijo ha venido desarrollando un importante trabajo de investigación en la ciudad alrededor de las migraciones, el turismo, la noción de territorio y la idea de ocio. El resultado ha sido un mapeo de la ciudad que le ha permitido identificar sitios que se prestan para el ocio, indagación que dio como resultado el proyecto que hoy se encuentra expuesto en el Salón
“La naturaleza de la irrupción es la idea de realizar una escultura en neumático viejo a partir de dos cosas: los paseos de olla y la extracción de arena, el neumático tiene un potencial muy grande, por eso decidí hacer una piedra que da cuenta de las particularidades de la geografía del Río Otún y es instalada en el Club Campestre. El proyecto La naturaleza de la irrupción pretende desde un solo objeto, una escultura, poder generar un vínculo comunicante entre Club Rialto, Club Campestre y el Río, y cómo se ven atravesados por el ocio”.
La naturaleza de la irrupción | 2016 | 44sna
Del asfalto al museo
“Lo que hay que intentar, teniendo en cuenta que el Salón se hace en Pereira, no es que sea pereirano sino que sea permeado por las nociones, modos, prácticas y procesos que den cuenta de nuestro contexto acostumbrado al trabajo colaborativo”, expresó Margarita Calle.
El Salón Nacional de Artistas tiene una misión: reinventarse en cada edición, y con ese pretexto descentralizar la mirada del arte nacional hacia distintos contextos. Pereira por su parte acoge con buen ánimo la versión número 44, pero el AÚN también debe hacer el ejercicio y recibir la ciudad con sus perspectivas, sus públicos y su bagaje cultural.
De este modo, las singularidades que dan identidad a Pereira deben ser transversales al AÚN, porque sólo de esta manera se configura lo que Margarita Calle denomina un “laboratorio de posibilidades”, en donde las obras y los procesos sean susceptibles de una investigación profunda a futuro. Entonces se construye la idea de una ciudad que reivindica el tránsito del asfalto a la baldosa del museo y viceversa, con posibilidad de iniciar de nuevo cuando así lo requiera. “Tener el Salón Nacional de Artistas con una representación tan buena es maravilloso, porque en realidad lo que dice es que esta ciudad es un centro de producción de arte contemporáneo que está y que va a estar” comentó Rosa Ángel.
Por tanto Pereira se inserta en el 44 Salón Nacional de Artistas como un terreno viable para desarrollar ideas diversas que circundan y atraviesan el arte contemporáneo, pero ese trabajo sigue trascendiendo una labor meramente institucional. “Hay que pensarse qué tipo de ciudad somos: una ciudad interesada por la logística, por las dinámicas comerciales y económicas. De alguna manera uno se inserta dentro de la geografía y una serie de decisiones geopolíticas por ser una ciudad de encuentro, de cruce, de paso. Pero también nos pensamos la idea de una ciudad cultural, qué estamos entendiendo para construir unos hábitos, unos públicos que realmente le marchen a estas ideas y que dentro de sus itinerarios cotidianos haga parte ir a visitar el Salón”, agregó Sandra Johanna.
Obra: Universal Voting App Adriana Arenas Lugar: Club Rialto
Para la pereirana Adriana Arenas, sus primeras inquietudes artísticas estaban estrechamente vinculadas a la relación con la realidad: qué era verdad, qué era mentira. “La estética de la vida cotidiana me interesaba mucho y la relación con la naturaleza, porque mi abuelita era amante de la naturaleza y tenía un vivero al que nosotros íbamos a trabajar, entonces ella nos hacía mucho énfasis en las flores y en su belleza”.
La obra que se está exponiendo en el 44 Salón Nacional de Artistas opera en varios niveles, en primer lugar la artista decidió recuperar el que fuera su recuerdo de la estética de los 60 de los interiores del Club Rialto, “quise recuperar el Club Rialto que tiene un uso para la cultura y el arte, y quería que hubiera un espacio donde la gente pudiera volver a habitar el club”.
Como segunda opción artística, Adriana Arenas ha desarrollado una investigación que dio como resultado una aplicación que podría ayudar a fortalecer el desarrollo sano de la democracia en Colombia, “La aplicación trata sobre el fracaso de la democracia en los sistemas, que se traduce mucho en la obsolescencia y la vulnerabilidad de los sistemas electorales que permiten la manipulación y la interferencia de las corporaciones en los destinos de estas democracias”. Aunque la aplicación es ficticia, su ingeniería puede ser desarrollada ya que la tecnología podría hacerla posible mediante un sistema de encriptación como bitcoin. “Esto evitaría que se pudieran robar las elecciones”.
Una producción original de Ciudad de Prodigios, proyecto del colectivo Narradoras del Otún. Proyecto apoyado por el Ministerio de Cultura de Colombia, a través del programa Jóvenes en Movimiento 2022 y en alianza con Plan C Pereira, de la corporación Ciudad Latente.
